第一节、中国画及其艺术特征

一、什么是中国画

     中国画，既用颜料在宣纸，绢上的绘画，是东方艺术的主要形式。中国画在古代一般称为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来区别于西方的油画等外国绘画而称为中国画，简称“中国画”。它依照中华人民特有的审美观念及因此产生的艺术手法而创作。

二、中国画分类

     1、中国画技法可分工笔画和写意，它的精神内核是“笔墨”。它在表现形式上有工笔，写意之分，

2、表现的内容又分为人物画、山水画、花鸟画，其中的花鸟画又可以细分为花卉、蔬果、禽鸟、草虫、走兽等。

3、表现方法有水墨、勾勒、设色等。

三、中国画的艺术特征

（一）立意为先、胸有成竹——中国画的构思

中国画创作以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物，还是画花鸟。唐代张彦远《历代名画记》所言的“六法”中有一段相关的论述：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似，皆本于立意而归乎用笔。”认为立意在先、画中才能有奇态、有奇意。

宋代以画梅花著称的华光和尚，所著的《画梅指迷》中有一段“画梅全诀”，开头即言“画梅有诀，立意为先”。

清代的方薰《山静居画论》也强调立意与作画的关系：“作画必先立意以定位置、意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古。”认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的“立意”，其作品平庸。

 意大利文艺复兴时期的画家达·芬奇，也有类似的论点，他曾说：“一个画家应当描绘两件最主要的东西——人和人的思想意图。”这与中国晋代画家顾恺之所提出的“巧密于精思”十分一致。

“写意性”是中国传统美学的艺术观。是中国绘画艺术的表现方法，是人的主观意象的抒写。包括从意匠经营、塑造形象、表现思想主题的整个创作过程。形成了“气韵生动”的审美标准和“以形写神”“超以象外“”缘物寄情”等艺术理论。追求的不是形象的真实性、典型性，而是形象的概括性和类型性;通过形象的“意似”和“神韵”，揭示其本质特征。注重含蓄;强调寄寓性、曲折性和抒情性。作画是为了“写意”、写生是为了”写心“,状物乃是为了”寄情”。“意”一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画在脑海中形成成熟的构思。

例如，宋代画家文与可画竹之“成竹于胸”，即在他没有落笔画竹之前，脑海中已有竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，便能落笔而就。

  在张彦远提出“立意”之前，南朝齐谢赫即有“创意”、“用意”之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲，作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还需加强练意之功。　

（二）以线造型、以形传神——中国画的造型规律

中国画是以线存形，通过线条勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画以用光为造型手段之一。

但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。

法国的罗丹曾经强调过“一根规定的线条通贯着大宇宙”，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的皴线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型、巧妙地描绘着各种形象。

“以形写神”是晋代画家顾恺之画论的核心观点，确立了中国艺术“神高于形”的艺术观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具有很大的区别，即画人不仅仅局限于形似、还要升高于神似，画出人的精神面貌，不仅仅停止于外形的模拟，不拘泥于自然的真实、这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求的高度的理论，在这一理论指导下，历代出现了许多“传神写照”的佳作，该理论也成为指导绘画的一个重要准则。

（三）多点透视、计白当黑——中国画的构图法则

中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白，也有打破真实，按构图需要而平列的空间和布白，使物象在画面出现时。

可以按实物在画面上的艺术需要，伸长或缩短以变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花，也可架高于视平线之上，而取得透视的最佳效果。

中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑，“无画处皆成妙境”，即没有画面的部位也需要认真地推敲与处理。

（四）随类赋彩、色彩相和——中国画的色彩法则

中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，而是重视物体本身的固有色，没那么强调在特殊光线下的条件色。画哪一件物品，就赋予哪一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。“随类赋彩”作为中国画“六法”之一，具有丰富的人文内涵。在不同的历史时期，中国画中“随类赋彩”的设色理念也有所不同。结合中国传统色彩观念，对原始时期、秦汉时期、唐宋时期、明清时期等不同历史阶段岩画或中国画设色理念进行探讨，试图揭示设色过程中体现出来的人与自然、人与社会等之间的关系。

（五）情景相融、气韵生动——中国画的意境

中国画要求笔与墨合，情与景合。现实中无限丰富的景象，给画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。

至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，也就无法给予人这些感受，而达不到中国画富有引人人胜的意境。

（六）诗、书、画、印、纸、笔——中国画的独特形式

中国画素有题字钤印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画的绝妙，即是一般的画作，也常题字钤印，体现传统艺术的浓厚风味。从而更加丰富了中国画表现形式的完美性。使诗书画印结合的浑然一体，奠定中国民族绘画的基本特点。

题字和诗句，可以提高或补充接受者对作品的欣赏和理解，也能丰富构图的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。

中国画的工具和材料的性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨韵。宜纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果，同时形成了各种技法和描法、画法和笔法。追求笔、墨在宣纸上出现的自然复杂变化和意想不到的意趣。

   中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。而西画则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。

（七）外师造化、中得心源——中国画的创作原则

“外师造化，中得心源”（唐.张璪）“造化”，即大自然，“心源”即作者内心的感悟。意指画家应以大自然为师，再结合内心的感悟，然后才可创作出好的作品。

   创作过程不仅仅拘泥于形式，不以模拟自然为目标，强调对自然物象内在神韵的把握，使人与自然、客观与主观、外在美与内在美融为一体。

（八）“程式化”——中国画的技法体系

   中国画历来重法度,讲程式，要求笔墨规范化，由此及彼，由个别到一般，与物象的本质特征相统一，形成一套相对稳定的艺术程式。中国画程式是历代画家由自然法则到艺术法则转换过程中，长期积累、提炼而升华出的笔墨形式语言和艺术符号以及图式的集大成模式。程式，在中国画中指的是一种经过长期实践和总结形成的、具有一定规律和标准的绘画技法或构图模式。这些程式是画家在创作过程中遵循的规范和法则，旨在保证作品的统一性和协调性。它们不仅体现了中国画的传统美学观念，也反映了画家对自然和社会的独特理解和感悟。

   程式化对形式美规律的掌握和运用，是一种高度概括、高度成熟、具有相对稳定程式而又符合形式美规律的，用以丰富作品内涵和加强艺术表现力的一种特定艺术语言。

四、知识拓展：

中国画的构图形式

1、中堂：客厅中间墙壁适宜挂上一幅巨大字画，称为“中堂”。

2、条幅：条幅可横可直，横者与匾额相类。无论书法或中国画，可以设计为一个条幅或四个甚至多个条幅。常见的有春夏秋冬条幅。各绘四季花鸟或山水，四幅为一组。

3、小品：就是指体积较细的字画。可横可直，装裱之后，适宜悬挂较细墙壁或房间，十分精致。

4、镜框：将字画用木框或金属装框，上压玻璃或胶片，就成为压镜。

5、卷轴：是中国画特有的，将字画装裱成条幅，下加圆木作轴，把字画卷在轴外，以便收藏。

6、扇面：将折扇或圆扇的扇面上题字写画取来装裱，可成压镜。由于圆形或扇形的形式美丽，所以有人将画面剪成扇形才作画，然后装裱，别具风格。

7、册页：将字画装订成册。

8、长卷：将画裱成长轴一卷，成为长卷，多是横看，其画面连续不断。

9、斗方：将小品装裱成一方尺左右的字画，成为斗方。可压镜，可平裱。

10、屏风：有单幅或折幅，坐立于地作屏风之用。