第一节  美术

一、美术的发生与发展

    美术是人类艺术文化中最具代表性的一种，幼儿美术教育可以通过幼儿与美术的接触，增进其对绘画形式、内容的了解，促进认知经验、语言表达、情感涵养、自我动手等各方面发展，其教育价值是不容忽视的。从美术发展史的角度看，美术作品本身往往具有时代性，是个人智慧、精神与情感的表现。下面我们将通过回顾美术发生与发展的历程，从美术学科特点出发，为将来搞好幼儿美术教育奠定良好的基础。

  (一)美术的发生

以下我们就来简要介绍、评析历史上几种主要的关于人类艺术(美术)起源的学说。

1．模仿论

    这是一种关于艺术起源问题的最古老的理论，始于古希腊哲学家。这种学说认为：模仿是人类固有的天性和本能，艺术起源于人类对自然的模仿。在古希腊哲学家看来，所有艺术都是模仿的产物，美术艺术也是如此。如亚里士多德认为：“艺术模仿的对象是实实在在的现实世界，艺术不仅反映事物的外观形态，而且反映事物的内在规律和本质，艺术创作靠模仿能力，而模仿能力是人从孩提时就有的天性和本能。”继古希腊哲学家之后，文艺复兴时期的达·芬奇、法国启蒙思想家狄德罗、俄国作家车尔尼雪夫斯基等人都不同程度地继承和发展了这一学说。这种理论直到19世纪末仍然具有极大的影响。

    现在已经很少有学者把模仿说作为艺术起源的动力。因为现实中有很多现象，如人类的史前洞穴壁画是很难用模仿的冲动去解释的。但模仿说仍有它一定的价值，它揭示了人类一种比较原始的心理倾向，这种倾向与艺术是相通的。一方面，对客观事物的模仿也是一种对事物的把握方式，它使人从中看到自己的智慧和能力，从而引起人心理上的快乐和满足{另一方面，不管原始人由于什么原因创作和制作了原始艺术，这些原始艺术本身(如史前洞穴壁画上的动物轮廓)却无疑是由模仿得来的，也就是说，模仿即使不成为动因，也至少是一种必不可少的手段。正因为史前造型艺术都基于模仿的手段，我们才能认识到这些形象所模仿的原型是什么动物。从今天所发现的原始艺术作品中也不难看出，模仿是大部分原始艺术创作和制作的主要方法。而其他方法，如表现和象征的方法也都是从模仿之中发展演变而来的。

2．游戏论

   顾名思义，游戏论即认为美术起源于游戏，这是18世纪德国著名美学家席勒和英国学者斯宾塞提出的，人们也因此把游戏论称之为“席勒一斯宾塞理论”。游戏论认为人的审美活动和游戏一样，是一种过剩精力的使用，剩余精力是人们进行艺术这种精神游戏的动力。人是高等动物，它不需要以全部精力去从事维持和延续生命的物质活动，因此有过剩的精力，这些过剩精力体现在自由的模仿活动中，于是就产生了游戏与艺术活动。如席勒指出美术发生的动力是人类的游戏冲动，美术是“两种冲动(即感觉的冲动和形式的冲动)的共同对象，那就是游戏的冲动”。当人把过剩的精力冲动用游戏的形式表达出来的时候．就是人类彻底脱离动物界，与动物形成本质区别的最重要的标志。“自由”是艺术活动的精髓，它不受任何功利目的的限制，人们只有在一种精神游戏中才能彻底摆脱实用和功利的束缚，从而获得真正的自由。斯宾塞和席勒一样，也认为游戏是过剩精力的发泄．它虽然没有什么直接的实用价值，却有助于游戏者的器官练习，因而它具有生物学意义，有益于个体和整个民族的生存。

游戏论强调了游戏冲动、审美自由与人性完善之间的重要联系，对于我们理解美术在审美方面的发生具有重要价值。它揭示了美术发生的生物学和心理学方面的某些必要条件，如剩余精力是艺术活动的重要条件，美术的娱乐性和审美性等，揭示了精神上的自由是艺术创造的核心，对我们理解美术的本质是富于启发性的。但它把美术看成是脱离社会实践的绝对自由的纯娱乐性活动，且偏重从生物学的意义上来看待美术的起因，过分强调了美术与功利的对立，有绝对化和片面性的弊病。

3．表现论

 这种学说认为艺术起源于人类表现和交流情感的需要，情感表现是艺术最主要的功能，也是艺术发生的主要动因。持这一理论的主要有英国诗人雪莱、俄国文学家托尔斯泰等，还有欧美的一些现当代美学家。这种学说认为原始人的艺术只有一个最主要的推动力，那就是他们通过各种艺术来表达他们的情感，从而促成了艺术的发生和发展。如托尔斯泰认为：“艺术起源于一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在的标志表达出来。”这些外在标志就是用动作、线条、色彩、声音以及言词所表达的艺术形象，通过这些艺术形象的传达，使别人也能体验到同样的感情。这样，作者所体验到的感情感染了观众或听众，这就是艺术活动。如果说人类的科学主要是与理性、认知相联系的话，人类的艺术就更多的是和感性、情感等联系在一起。

 表现和交流情感的确是艺术的一个重要特征，因此表现情感也是推动美术发生和发展的重要心理动力。但是人类表达情感的方式是多样的，语言、情感都能表达情感，而且艺术也不仅仅是表达情感的工具，因此这一学说并不能完全说明美术起源的全部原因。

4．巫术论

 巫术说是西方关于艺术起源的理论中影响最大的一种学说。这种理论最早由英国著名人类学家泰勒在他的《原始文化》一书中提出，建立在直接研究原始艺术作品与原始宗教巫术活动之间关系的基础上。这种观点用实用性来解释艺术的起源，认为在原始人心目中，最初的艺术有着极大的实用功利价值。按照这种理论，原始人所描绘的史前洞穴壁画中虽然有许多在我们今天看来是美丽的动物形象，但他们当时却是出于一种与审美无关的动机，即巫术的动机。如许多旧石器时代晚期的洞穴壁画和雕刻，往往是处于洞穴最黑暗和难以接近的地方，它们显然不是为了给人欣赏而制作的，而是史前人类企图以巫术为手段来保证射猎的成功。再如，有些动物身上刻有被长矛或棍棒刺中和打击过的痕迹，按照巫术说的观点，这是因为原始部落有一种交感巫术的存在，原始人认为任何事物的形象与实际的该事物都有一种实在的联系，如果对事物的形象施加影响，实际上也就是对这个事物施加影响，在动物身上画上伤痕也就意味着他们在实际的狩猎当中可以顺利地打到猎物。原始洞穴壁画中这些身上带有被刺中或击伤痕迹的动物形象，成为支持艺术产生于巫术学说的有力证据。

    巫术论对于我们理解原始艺术，特别是原始美术发生的动力，以及这些艺术在当时条件下非审美的性质具有重大意义。但巫术说把精神动机视为原始艺术发生的唯一动机，忽略了隐藏在精神动机后面的动因，即人类的物质生产活动，因而也不能完满地解释原始艺术的真正起源。

5．劳动论

这种学说的主要观点就是强调美术起源于劳动。其代表人物沃拉斯切克和毕歇尔都强调以劳动和舞蹈中身体动作的节奏作为音乐的源泉，希尔恩在《美术起源》一书中说：“劳动的歌和舞蹈典型的例子可以在大洋的部落那里遇到，岛国的生活甚至在其他方面是对美术有利的，那是个人与个人之间需要一种最亲密的合体。”毕歇尔研究了劳动、音乐和诗歌之间的相互关系以后得出结论说：“在其发展最初阶段上，劳动、音乐和诗歌是极其紧密地整体相互联系着，然而这个整体的基本组成部分是劳动，其余的组成部分只是从属之义。”

以上关于美术起源的学说，可以帮助我们从不同方面了解原始美术的起源及其原因。原始美术与儿童的美术虽然有本质的不同，但它们在发生动因特别是在表现形态方面又有不少相似之处。因此，了解人类美术的发生对我们正确地认识和理解儿童的美术活动具有借鉴作用。

二、美术的类别

在艺术分类中，美术又被称为造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布，泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。关于美术的类别，根据不同的标准可以划分为不同的类别和数量。一般认为，根据其表现形式和功能，可以分为五类：绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术和工业(与环境)设计美术等类型。

(一)绘画

绘画是美术中最常见的一种形式，也是其他各种美术形式共有的基础。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。

中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。

油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界，可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象，以表达思想感情的一种艺术形式。

(二)雕塑

雕塑是雕、刻、塑三种制作方法的总称。是指以各种可塑(如黏土等)或可以雕刻的(金属、石料、木材等)材料制作各种具有实在体积的形象。

雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料连接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑淙教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑，比如米开朗琪罗的《大卫》雕像就属于圆雕。浮雕则是在平面上雕出凸起的形象的一种雕塑，比如人民英雄纪念碑四周的各组群雕均属于浮雕。根据浮雕表面凸起高度的不同，又可以分为高浮雕和浅浮雕，人民英雄纪念碑各组浮雕 即为高浮雕。

(三)工艺美术

工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。工艺美术是与人们生活关系较为密切的一种美术形式，通常分为实用工艺和观赏工艺两类。实用工艺主要指经过艺术加工的生活实用品，如一些染织工艺、陶瓷工艺、家具工艺等。观赏工艺则指专供观赏的陈设品，如一些名贵的象牙雕刻、玉石雕刻和装饰绘画等。

实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、住、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品，这类工艺品以审美为其首要价值，手工技艺性很强，实用价值已不明显或完全消失，如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。

（四)建筑艺术

  建筑是建筑物和构筑物的统称，是人类用砖、石、瓦、木、铁等物质材料在固定的地理位置上修建或构筑内外空间，用来居住和活动的艺术。建筑艺术按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。以其功能性特点为标准，建筑艺术可分为纪念性建筑、宫殿陵墓建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产建筑等类型。

 从总体来说，建筑艺术与工艺美术一样，也是一种实用性与审美性相结合的艺术。建筑的本质是人类建造以供居住和活动的生活场所，所以，实用性是建筑的首要功能，不过随着人类实践的发展和物质技术的进步，建筑越来越具有审美价值。

(五)工业(与环境)设计美术

工业(与环境)设计美术是20世纪80年代末出现的一门新型学科，是艺术与科学技术相结合的边缘学科，是社会大工业生产的必然产物。为满足人们日益增长的物质与精神需要，小至螺丝钉、机器零件，大到生产工具、巨型交通工具乃至建筑群、区域环境规划，都成了工业与环境设计关注的对象。工业(与环境)设计美术，反映着一个国家生产水平与物质文化水平，是社会文明的标志，工业设计美术有“大美术”之称。目前，主张将工业(与环境)设计美术作为现代美术独立门类的人，则把“工艺美术”的涵义解释为“传统手工艺美术”，将其现代工艺设计和建筑艺术，纳入“工业(与环境)设计美术”的门类。

三、美术作品的构成

就美术的形式来说，美术是一种造型艺术，它是以笔、墨、颜料等为工具，以纸、金属、石、黏土等物质媒介为材料，通过线条、色彩、阴暗、透视、构图、凸凹等造型语言，创造出直接可感的，具有一定体积、质感、空间感的美术形象。美术所创造的形象既是现实生活的反映，又包含着画家对现实生活的审美感受和评价。每一种艺术形式都有自身的表现形式，美术也通过基本的要素构成其表达形式，达到进行信息交流的目的。美术作品的基本构成要素主要包括三类：造型、构图和色彩。

（一)造型

造型是美术作品的最基本元素。造型的古义可以从广义和狭义两个层面进行理解：其广义指一切艺术形象的塑造；狭义指美术创作中对物体外部形象特征的把握与刻画，主要体现在绘画、雕塑、建筑艺术、工艺美术等艺术种类中。美术作品的造型是从狭义层面进行理解的。

美术造型是指用线条和块面等组成画面形态的基本要素所表现出的物体外部形象。达·芬奇说过；“绘画科学首先是从点开始，其次是线，再次是面，最后是由面规定着形体。”造型要素主要有点、线、面、体块与空间、光与色、质地等。点是最小的视觉单位，有机地运用点的组织，可以使画面产生疏密有致的变化、富有节奏感；线可以看做是点运动的痕迹，有方向和运动感；体块是由长度、宽度和深度构成的主体形，空间是指物体阃的远近层次关系和包容关系；光与色所彰显的色彩能使画面获得真实感，不同倾向的色彩还能给予我们不同的视觉和心理感受；质地是指物体表面的触觉性或这种质地的视觉表现。在艺术造型中，如能很好地利用这些要素，将使美术作品更具有魅力。如2008年北京申奥标志的造型就极有特色：总体呈现多斜线式，富于运动感；斜向拉长气势连贯的五环，蕴含多重寓意，包括飞跑的人、打太极拳姿势、北京蓬勃发展的形势、奥运团结向上宗旨、中国结等。

美术造型的基本要素来之于生活，但不是对生活的复制。“艺术源于生活。但不等于生活。”在从事美术创作时，艺术家会根据特定表现目的的需要，选择适合自己个性、兴趣的美术表现形式。就表现形式的明显特点而言，分成具象造型和抽象造型两种基本形式。具象造型与抽象造型的区别在于：前者具有客观的现实形象，而后者则不能看出任何客观的现实形象。具象造型又可分为写实造型和变形造型。写实造型指忠实客观地描绘事物的真实面目的造型，客观物象基本上按我们日常所见的样子被反映出来。变形造型则是运用夸张、省略等方法，表现人对事物的主观认识和情感。尽管变形造型反映的对象与我们日常所见不同，但我们仍可认出它们，是处于“似与不似之间”的艺术形式。抽象造型在古代艺术中就已出现，而现代抽象则主要通过抽象的线、形、色的不同组合表达人的主观情感。

(二)构图

 美术创作与欣赏离不开构图，构图也是美术教学不能缺少的内容。所谓构图是指创作者在一定空间范围内，对自己要表现的形象，进行组织安排，形成形象的部分与整体之间，形象空间之间的特定的结构、形式。或者说，构图是造型艺术的形式结构，包含全部造型因素与手段的总和。在不同类型的美术种类中，构图称呼并不一样，例如绘画的“构图”、设计的“构成”、建筑的“法式”与“布局”、书法的“问架”与“布白”等都是指构图。

 构图是绘画的重要手段之一，包含着丰富的内涵，如艺术形象的空间位置、空间大小、各部分之间的组合关系、形象与空间的组合及分隔形式等。构图显示了作品内部结构与外部结构的一致性，反映了作者思想感情与艺术表现形式的统一性，也往往是艺术作品思想美和形式美之所在。为此，构图能力在美术创作中，构图分析在美术欣赏中，都占有相当重要的地位。进行美术作品构图可以分为两个步骤。首先，要确定构图的形式线和基本形，如分割画面的线条、表现画面形象主体组合的基本形状。这些形式线和基本形成为构图的主要构成形式因素由于形式线和基本形与世界上各种自然现象或人的形态相似，便具有丰富的感情联想性，因此，构图的形式线和基本形也是形象产生美感的主要因素。其次，要探求构图所运用的形式美法则，如对称、重复、对比、比例、节奏等。以《米洛的维纳斯》所显示的构图特征为例：体形呈“s”形弯曲，自然优美；脐点为全身的黄金分割点，喉头为上身的黄金分割点，膝为下身的黄金分割点，比例非常优美；肩宽与臀宽之比也多黄金化；身体均衡地承受光的投射。再如达·芬奇在《最后的晚餐》中采用向心构图，以耶稣为中心，分成两组人物表现弟子不同的神态和心理活动，尤其刻画了犹大那种恐惧、心虚、狡猾等心理特点。特别是画面中人物一律面对观众排列，使观众有如参与其中、产生身临其境之感。

(三)色彩

色彩是美术作品中情感的语言要素。色彩是由物体反射的光通过人的视觉而产生的印象。通过美术家的美术处理，再与其他的造型手段结合起来，色彩能引起观赏者的生理和心理感应，触动情绪，从而获得审美感应。视觉所感知的一切色彩形象，都具有明度、色相和纯度三种性质，这三种性质是色彩最基本的构成元素。

色相即具有不同面貌的颜色。在可见光谱上，人的视觉能感受到红、橙、黄、绿、蓝、紫这些不同特征的色彩．人们给这些可以相互区别的色彩定出名称，当我们称呼到其中某一色的名称时，就会有一个特定的色彩印象，这就是色相的概念。正是由于色彩具有这种具体相貌的特征，我们才能感受到一个五彩缤纷的世界。

 明度是指色彩的明暗程度。不同色相的明暗程度是不同的。在无彩色中，明度最高的色为白色，明度最低的色为黑色，中间存在一个从亮到暗的灰色系列。在有彩色中，任何一种纯度色都有着自己的明度特征。例如黄色为明度最高的色，处于光谱的中心位置，紫色是明度最低的色，处于光谱的边缘。

纯度是指色彩的鲜艳程度，也叫色彩的饱和度。不同的色彩都具有一定程度的鲜艳度，比如绿色，当它混入了白色时，虽然仍具有绿色相的特征，但它的鲜艳度降低了，明度提高了成为淡绿色；当它混入黑色时，鲜艳度降低了，明度变暗了，成为暗绿色；当混入与绿色明度相似的中性灰时，它的明度没有改变，纯度降低了，成为灰绿色。

在绘画造型艺术中，凡是以色彩为重要表现手段的艺术品，都必须通过色彩配置，形成一定的对比，以引起观赏者的注意；同时又必须通过作者的艺术处理，使这种对比达到调和，从而产生较好的艺术效果。对比的方式有许多种，最基本的对比可以从色彩三要素中任何一方单独形成，如红与绿、橙与蓝等色相的对比；黄与青黄、浅绿与深绿的明度对比；鲜蓝与灰蓝、鲜黄与灰黄的纯度的对比。这些艺术处理也可以从三方面综合形成，如鲜艳的柠檬黄与橄榄绿布置，就同时兼有色相、明度和纯度的对比。另外一种对比是冷暖的对比：如红、橙、黄色因能使人联想到温暖，一般称之为暖色；绿、青、紫能使人联想到凉爽和寒冷，故称之为冷色。红与绿、橙与青、黄与紫又称互补色，它们的并置可产生强烈的对比。色调在一幅画中起着色彩支配作用，它在表现作品主题和意境上起着很重要的作用。如油画《开国大典》在色彩处理上，强调色彩的单纯，对比强烈。红地毯、红灯笼、红柱子及远处红旗的海洋与蓝天、绿树形成对比基调，使画面热烈而明快；金黄色的菊花与蓝天、白云的对比。既点明了秋高气爽的季节，又与黄色的灯穗相呼应，增强了华贵灿烂、富丽堂皇的欢庆气氛。四、儿童美术

儿童的美术活动引起了人们的广泛兴趣，许多学者对儿童美术的发展过程进行过研究。正如美国学者加登纳所言，“2岁的孩子抓起一支粉笔在其遇到的任何东西的表面上起劲地涂抹着。3岁的孩子则画出大量不同的几何形状，其中包括谜一般的曼陀罗形状——把一个十字形置于圆圈式方块之中。4—5岁的孩子则在再现对象方面进行不停的创造与再创造……这些画生机勃勃，表现力强，体现出对形式的牢牢控制和突出的美。我们可以毫不夸张地说，儿童绘画经历了他们自身的一个完整的生命循环。仿佛他们刚刚脱离了襁褓的幼儿自身，又开始创造起自己的后代一样——这是一个完全不同的世界，这个世界里存在着标记、形式、对象、场景及幼稚的艺术作品。谁也没有去教这些孩子们如何去于——但同样令人惊讶的是，每一个正常的按其自己的速度发展起来的幼儿似乎都要经历这样的过程。”美国美术教育家凯洛格对一百万张儿童画进行了研究，归纳了儿童从动作到有意义表征的发展过程。

（一）美术与学前儿童成长

1．学前儿童的美术作品标志着儿童个体发展的程度

学前儿童美术能力的发展是有顺序与阶段性的。国内外许多学者都对学前儿童美术能力的发生与发展进行过研究。其中美国学者凯洛格就对约100万张儿童画进行了研究与归纳，使我们看到幼儿绘画的发生是从最初的涂鸦线——图形——图形的组合——圆圈与太阳——蝌蚪人——到人以外其他的初期图形的成长历程。他的研究涵盖了儿童从两岁至四五岁左右能握笔开始到画出生动的图画的这段时期的发展阶段。还有许多学者的研究贯穿了从幼儿至成人阶段美术能力的发展与演变。其中特别是美国著名美术教育家罗恩菲尔德的儿童画发展阶段研究与瑞士著名心理学家皮亚杰的儿童认知发展规律的研究结果有着惊人的对应性。

从研究中我们认识到儿童的美术能力发展是有顺序与阶段性的。如同婴儿“三翻、六坐，八爬”的生理规律一样，儿童美术能力的发展也是要经过1岁半左右的涂鸦阶段——3岁左右的象征阶段——5岁前后的图式阶段——8岁以后的写实阶段，每一阶段各有其典型的表现特征，且和身心的发展相吻合，因此每一阶段的表现内容、能力状态很难通过教学进行超越。不分国界与性别，所有身心正常发展的儿童，其美术能力发展的顺序是惊人一致的。因此，透过儿童的画我们看到的正是某位儿童的发展程度，反映了他此时的感觉、记忆、认知、思维等状态．他的肌肉协调性、操作能力、控制能力等的发展水平，这使教师与父母能更好地了解儿童，客观合理地对待他们的作品与表现。同时我们也应该认识到，儿童美术能力的发展被归纳为几个阶段，这对教师来说是很有帮助的，但是儿童的发展是连续的、生动地，而这些标签式的理论提供的仅是一种理解一般发展模式的有趣方法，切不能生硬地加以使用。

2.美术是学前儿童学习、认识世界的另一种语言

从一名儿童幼年开始的绘画作品集中，我们会看到其生活与成长的点点滴滴，像一本日记一样，有回忆、有记录、有倾吐、也有发泄。绘画既是他自我表现的另一个舞台，也是他倾吐内心的另一种语言。在这里，儿童得到重复与再现的满足，这也是美术之于他们的一个非常重要的意义，所以儿童天生喜欢画画。

在幼儿的早期绘画作品中，常常是不完整的图形，杂乱的线条，以及缺乏组织的画面，如同牙牙学语的孩子，发音、吐字模糊而又不完整；如同刚刚学习外语的成人，语法语句不甚通顺。对于儿童来说，这就是他们最初的美术语言。而且，同各种语言学习一样，当他们得到鼓励、教导和帮助，并经常使用它，他们就会慢慢擅长此种表达，并乐于用这种方式表达思想、宣泄情绪、想象，创造自己的多彩世界。而成人就能通过他们的画解读他们的思考与内心，走进他们的生活体验。因此我们要把儿童的画当作一种语言来解读，而不是仅仅苛求其如成人绘画般完整、清晰的效果。

例如：图1这张画．是一个儿童在观看了京剧表演后，画出给自己画上脸谱，穿上戏服在表演的画。虽然不是很美丽，但是这张画却道出了她的经历和她的愿望。

3.美术是对学前儿童实施审美教育的重要途径

爱美之心，人皆有之．但人的审美能力不是天生的。而是后天培养起来的。同时，美术作为一种语言、技能和文化，对它的理解和表现更是需要通过一定的学习来完成。对于年幼的学前儿童来说，无论是美术技能的掌握还是审美文化的影响，都是倚重其生动的形象和有趣的可操作性来达成的。我们要利用教育的艺术来唤起儿童对人类视觉艺术的热爱，在美术活动中将人类文化以生动优美的形式和内容潜移默化地传达给幼儿，使他们的眼睛、心灵和双手都为发现美、创造美作好准备。

从美术的角度讲，对幼儿实施审美教育主要包含两大方面的内容：一方面是对幼儿心灵的影响；另一方面是对幼儿美术能力的影响。

其一是通过对人类的各种美术创造物的理解与欣赏来陶冶幼儿的情操，丰富他们对美的见识。因为不论绘画、雕塑、建筑、工艺美术还是生活中的艺术造型与环境等，它们不仅是艺术家个人的创造物，而且也是产生它的文化制度和文化观念影响的产物，因此，这种审美影响的内容是十分丰富与多元的，往往涉及多个领域，既能激发儿童的审美情感，同时也会增进他们与这个世界的理解与交流，从而树立起健康的审美情趣。当然，这一方面主要是通过欣赏和成人的引导来完成。

其二是促使学前儿童学习多种美术技巧。体验各种美术工具、材料、形式与构成，在操作与摆弄的过程中增强动手能力，如执笔、画线、涂色、较为精确地剪纸、折纸、捏泥等。使美术语言能为幼儿的表达与创造意愿服务，并在自己和他人作品的感召下进一步产生对美的创作与追求。这一方面的达成，主要是通过美术操作方面的游戏与练习来完成。

4.美术是统合学前儿童个性与社会性．促进儿童身心健康和谐发展的有效途径

美术活动本身就是一种身心和谐的创作活动，儿童的美术作品，既折射出客观存在的现实世界，也掺糅了自身的情绪情感。在这里没有严格的对错好坏，它使得个人的表达、表现受到尊重与理解，成为儿童自己，儿童与他人之间安全沟通的方式之一，也因此促成儿童能更和谐地与人相处。著名美术教育家里德就曾经说过：“各类型的儿童，甚至有写实表现天才的儿童。不是用他们的画来表现知觉形象，也不是用它来表现被固锁的情感，而是用它作为一个探子，自发的伸向外在世界，起初是试探，但能成为个人适应社会的主要因子。”

案例：

一名两岁半的儿童在纸上画了一个“蝌蚪人”(图)，她仰起头看着妈妈，妈妈会说什么?套怎样回应弦子的“探子”呢?

请同学扮演妈妈的角色，做出你自然的回应，同时体会孩子会从你们不商的回应中产生对社会怎样的适应。

在这一主题上，早在几百年前，人类先哲柏拉图即在其著作中指出：“求得合理的和谐，身体的平衡和社会的统整，其方法就是——美育的方法。”

一件美术作品所反映出来的，不是单纯的技能操作或简单的欣赏认知，他是个体对人类文明的认识与表达，统整了一定时期背景下的一种文化，对它的理解与体验必然促进个体向更完善的社会人迈进。例如一些显而易见的事实：儿童在各领域的认知与情感都能通过美术形象性来呈现，从而促进各领域的学习效果；在集体美术活动中，儿童交流与合作的能力增强了；在美术创作过程中t专心、耐心、克服困难坚持完成工作的习惯在养成；在儿童们的作品被认可与接受的同时，他们也体察到自身的力量，更加自信；并借助美术表达使人类创造的天性得以最充分的延展。除此之外美术还是儿童宣泄不满、改造世界、获得心理平衡的最安全有效的方式，也因此被列入帮助残障人士与儿童恢复心理健康的艺术治疗范围。如此众多的优越性应该不难能体会美术帮助儿童向着健康完整的人迈进的意义，同时也要意识到，对于年幼儿童的教导者来说，如不能科学地驾驭儿童的美术活动，也将会造成对成长中幼儿的伤害。

美术活动微妙地连接着儿童个体与外界的作用与影响，使儿童不是仅在专一的领域里成长，而是在身体、感情、知觉、智慧、美感、心灵等各个方面统合的成长。在操作与互动中逐渐使身心向着真、善、美与知、情、意和谐发展的方向迈进，并能逐渐使儿童走向一个适应良好的生活。