第五节：情感与色彩的奏鸣——夏尔丹的静物画

课程主讲：金小民

章节主讲：牛富强、徐心卉（研究生）

夏尔丹（Chardin，Jean-Baptiste-Siméon 1699～1779），法国画家。1699年11月2日生于巴黎，1779年12月6日卒于同地。法国18世纪市民艺术的杰出代表，早年入学院派画家P.-J.卡泽的画室，后为N.-N.科伊佩尔的助手。1728年静物画《鳟鱼》（见下图）展出，一举成名 ，被接纳为皇家学院院士。他的画能赋予静物以生命，给人以动感。晚期以家庭风俗画为主，表现第三等级“小人物”的日常生活，画风平易、朴实，具有平和亲切之感，反映了新兴市民阶层的美学理想。

正当法国的主流艺术沉溺于学院主义和罗可可艺术温情与优雅之时，夏尔丹的名字似乎显得不太和谐，但是，历史并没有遗忘这位家道中落、贫病交加的老者，反而倍加垂青于他和他笔下时时透着迷人光彩的艺术。

夏尔丹一生钟情于静物和风俗画。1724年,涉世未深的他应约为一位外科医生画了一幅广告画，尽管这幅画题材、构图背离了外科医生订画的初衷，却意外地吸引了许多观赏者。这位外科医生诊所一反过去的冷落，转为门庭若市了。医生对夏尔丹的尊敬倍加。夏尔丹也因此名扬遐迩。

1728年，夏尔丹创作完成了具有独特风格的《鳟鱼》《小吃部》等一系列静物画，更加声名鹊起。同年，由于这两幅作品的成功，夏尔丹被吸收为皇家美术学院的成员。这一时期作品中物品都不多，简洁明快，散发着浓郁的田园气息。就画面的处理而言，这些早期静物作品明显地吸收了卡拉瓦乔、伦勃朗等大师对光线、明暗及阴影的表现手法。

初期的静物画除了果品、食具等内容外，尚有《乐器与鹦鹉》（见下图）、《艺术的象征》、《科学的象征》等作品，这些作品往往通过具体的物品来体现某种象征意义，体现了18世纪法国启蒙运动崇尚科学与理性的人文色彩，与欧洲早期同类题材中追求“虚空之虚空”的静物画在处理手法上可能存在某种相似之处，但在境界的追求方面有着迥然不同的审美情趣。

50年代到60年代随着绘画技巧更加成熟，夏尔丹的静物画创作也进入了又一个旺盛期。这一时期的作品仍然保持着他原有的静谧、朴实的意境，尽管，他声称自己的所作所为是一种“职业与技艺”，即放弃那种凭借艺术灵感的表现手法，而倾向于一种不见高潮、平铺直叙的创作方法，足以说明夏尔丹在技巧上已经达到出神入化的境界。例如那些水汪汪的、饱含着蜜汁的桃子、品莹剔透的葡萄，都无一不体现了画家对自然界的颂扬,体现了现实生活中的丰富多彩和美妙完善的情与景。

然而绘画毕竟是在一种有限的二维空间里进行的艺术形式，因此在图式与手法上总是万变不离其宗，完全有可能出现某种相近的或相似的东西。当我们悉心观看夏尔丹的静物画时就会发现，几乎所有的画面都存在这样的特征:被用于置放物品的桌面（台面)的边缘总是呈一条水平线横贯画面，使画面趋于一种十分平和亲切的状态，这条横线常常通过与主体物(水杯、陶罐、酒瓶等）的垂直线来增加画面的内在稳定性。这条“横线”虽然贯穿了画家的一生，却没有使我们感到单调。

夏尔丹也是一位拨弄色彩的能手，他那丰富的色彩表现力与现实生活息息相关的真实性的完美再现是举世公认的。塞尚认为，夏尔丹是按物体的真实色彩关系画在画布上的首创者，并作出了突出的成就，因为夏尔丹已观察到所有物质都与光及环境相互影响，并认识了这种关系的内在秘密。尤其是在使用白色及冷灰色时，这种成就格外显著。在他的画面上常常能看到银灰色与白、红、蓝、淡黄色的和谐相处，所产生的效果非但不强烈反而显得沉着与柔和。狄德罗对夏尔丹的色彩十分推崇，称他为“伟大的色彩家”。

夏尔丹对透明色的运用同样令人折服，他没有将古典绘画中的层层罩染法机械地照搬过去，而是从观察中发现对象色彩的微妙变化。所以他笔下的李子、葡萄等的皮层下面似乎可以触摸到果肉柔软、富于弹性的质地，以及果汁的滋润感。越到后期，色彩的运用越是精彩，画中的每件物体都溶入你中有我、我中有你的相互映衬之中，成为一个和谐的整体，难怪19世纪法国印象派画家德加在夏尔丹的杰作面前自叹不如地说“夏尔丹的白色我怎么也学不到手。”的确，夏尔有着自己的色彩观，即色彩必须服从于整体，服从于感情的需要。他几乎从不在色彩上层层加叠、增厚，也不用感情激越的笔触，因此，品味他的静物画我们常常因阔笔挥洒或轻抹慢拖的色彩变化产生日不暇接的感觉，也许这正是复尔丹的魅力所在。

知识扩展：巴伯罗·毕加索

巴伯罗·毕加索（西班牙语：Pablo Ruiz Picasso，1881年10月25日-1973年4月8日），出生于西班牙马拉加，西班牙画家、雕塑家，立体画派创始人，20世纪现代艺术的主要代表人物之一，是少数能在生前“名利双收”的画家之一。

 1889年，毕加索完成第一件油画作品《斗牛士》（见下图）；1894年，首度展出作品；1895年，毕加索进入巴塞罗那的隆哈美术学校；1897年，他又进入马德里的皇家圣费南多美术学院就读。油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖。

蓝色时期

1900到1903年，是毕加索人生的低潮。1900年，毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为“蓝色时期”，是他第一次形成自己的风格。这个时期作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化（如《熨烫衣服的人》），避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重、强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象（如《两姐妹》（见下图））。这种线条具有情感的重量。画家后来的作品大多具有这种富于表现力的线条的特点。这些特点是从观察人的动作和姿势中得到的。

玫瑰时期

1904年春，毕加索在巴黎蒙马尔特区永久地定居下来，随着他迁居巴黎，与菲尔南德·奥里威尔的同居，他的蓝色风格时期也宣告结束。柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去（如《扇子女人》），很快成为他画布上主要的颜色（《花篮女人》（见下图））。那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。

 “玫瑰红时期”就这样开始了，毕加索的油画进入了全新的世界，一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界，于是也有人称之为“马戏团风格”（如《马上的姑娘》）。在这时，毕加索的声望使他得到了与众多女人接触的机会，在这个充满欲望和希图的时代，他用公牛一般的意志统辖着他的女人们（如《玫瑰色的裸女们》）。

艺术转折

在1907年，毕加索从事一件有重大意义的作品的创作，这件作品是他的经验总结，并且标志着他未来的活动朝现代派方向发展的开端。这部作品就是《亚威农的少女》（见下图）。《亚威农的少女》彻底否定了文艺复兴时期以来视三度空间为主要目的的传统绘画。毕加索断然抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，这一点在当时来说，是人类对神的一种亵渎行为。同时它废除远近法式的空间表现，舍弃画面的深奥感，而把量感或立体要素全体转化为平面性。这幅画既受到塞尚的影响，又明显地反映了黑人雕刻艺术的成就。强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”

立体主义

不久之后，毕加索创立了立体主义。这个时期的观点是：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。按照传统的透视法，只有一个固定的感觉，多重透视的画法是不允许的。毕加索开创的这种立体主义的造型方法，就是要通过画面同时表现人（有脸有背）的所有部分，而不是像传统画法那样以一个固定视点去表现形象。

超现实主义

很快，毕加索步入了他生命中最神秘的“超现实主义”探索，当撕裂的造型（如《格尔尼卡》）、深邃和凶残（如《女主角》）代替了以往的忧郁或是怪诞的时候，毕加索的生活也陷入了一个个的旋涡。女人们在这个狂暴、贪婪的男人身上渴望着分享他的艺术灵感与名气，但她们得到的却只是虚无而残酷的现实。相对感情而言，毕加索更看重她们的身体，为了使她们在使他娱兴之余成为他听话的创作工具（如《哭泣的女人》、《自我陶醉的女人》），他甚至使用了许多令人瞠目的低级手段。