全屏显示专题章节

19世纪，欧洲文学艺术领域里掀起的浪漫主义运动，直接促进了诗歌、戏剧、音乐等的繁荣。在有深厚歌剧传统的法国和意大利，许多著名的歌剧作曲家在其各自的创作中形成自己的个性特征，作品呈现出多元化和充满生机活力特色。

19世纪20年代后，随着欧洲歌剧的发展，法国作曲家的歌剧创作进入兴盛期。在各种思潮及各种文化的交汇融合的社会大背景下，无论是歌剧的内容还是形式，都比已往的法国歌剧更加丰富和新颖，这个时代涌现出大批优秀的歌剧作曲家，并呈现出各自的个性风格特征。

19世纪法国歌剧领域中出现的几种风格主要有：大歌剧、抒情歌剧、轻歌剧等；著名的歌剧作曲家有：梅耶贝尔、古诺、比才、奥芬巴赫等。

大歌剧（G rand Opera）

大歌剧产生于19世纪20年代末，盛行于19世纪三四十年代。大歌剧以场面宏大、布景豪华、风格宏伟而著称。内容上，多表现历史英雄的豪情和近乎夸张的情感；音乐上也有鲜明的特点，如宣叙调均由管弦乐队伴奏，不用说白，剧中的芭蕾舞、大合唱和群众场面均追求宏大壮阔之美，因而带有“只顾追求效果”的弊病。

第一位法国大歌剧作曲家是丹尼尔·奥柏（Daniel Auber，1782年- 1871年），其代表作是《波尔蒂契的哑女》。而19世纪法国大歌剧的主要代表则是梅耶贝尔（Giacomo Meyerbeer，1791年- 1864年）。梅耶贝尔是德国作曲家，出生于柏林一位银行家的家庭，从小跟随克列门蒂学习钢琴，因为有较高的音乐天赋而被称为钢琴神童。1813年前后开始涉足歌剧领域，早期写作德国式歌剧，但未获得欢迎和认可。梅耶贝尔于1815年前往意大利，研究并学习歌剧，期间以罗西尼为榜样，写作意大利式歌剧。后来听从德国浪漫主义作曲家韦伯（Carl Maria Friedrich Ernst von Weber，1786年- 1826年）的劝告放弃这一样式。1826年，梅耶贝尔定居法国，综合了德国、法国、意大利歌剧的因素，创作以宏大场面为特征的大歌剧。代表作有《恶魔罗伯特》、《胡格诺新教徒》、《非洲女郎》等17部。

《恶魔罗伯特》1831年11月22日在巴黎大歌剧院首演，引起极大反响。作品取材于一个传奇性故事：罗伯特是魔鬼贝特朗和一位人间妇女所生，在魔鬼父亲的驱使下做了许多坏事。当他被驱逐到西西里时，爱上了公主伊莎贝拉，但他始终在贝特朗的控制下。后来罗伯特在伊莎贝拉的劝说下，把恶魔父亲给他的一枝施有魔法的绿柏枝折断，终于解除了魔法，一对情侣终成眷属。作品著名唱段有伊莎贝拉的咏叹调《罗伯特，我爱的是你》，罗伯特和贝特朗的二重唱《我们约会的地方》，终场时伊莎贝拉、罗伯特和贝特朗的三重唱。

《胡格诺教徒》（1836年）取材于历史上天主教屠杀新教徒的宗教事件：新教贵族拉乌尔曾救助过天主教贵族圣·布里斯伯爵的女儿瓦伦婷，并彼此相爱。玛格丽特王后为弥合两大教派的敌对局面，竭力促使二人结合。但瓦伦婷此前已与天主教贵族纳韦尔伯爵有了婚约，拉乌尔认为这是瓦伦婷对自己的不忠，拒绝成婚。天主教派以拉乌尔忤逆为由暗害他，但被瓦伦婷发觉并告知了新教派，粉碎了一场阴谋。不过瓦伦婷却不得不与纳韦尔成了亲。拉乌尔知道了真相后非常悲痛，冒险与瓦伦婷相见，无意中得知天主教将屠杀新教的情报。拉乌尔不顾生命危险把这一消息告诉新教派领袖。大屠杀开始后，拉乌尔和瓦伦婷在相许终身之后同归于尽。这部歌剧的音乐多次直接采用《坚固的堡垒》等新教歌曲，让路德赞美诗在音乐中占据重要地位，表现新教派的情感和场景，使歌剧中的人物形象鲜明丰满，并强化了宗教的氛围。

轻歌剧（Operetta，或谐歌剧、趣歌剧）

轻歌剧的内容多取自日常生活，结构短小。早期多是独幕剧，后发展为多幕剧，形式上有独唱、重唱、舞蹈、对白，格调明快、通俗易解、诙谐生动、旋律优美，音调多取自当时城市流行音乐。轻歌剧的代表人物是雅克奎斯·奥芬巴赫。

奥芬巴赫（Jacques Offenbach，1819年- 1880年），德裔法国作曲家，生于科隆附近的多伊茨，1833年移居巴黎。1833至1837年就读于巴黎音乐学院，师从哈莱维学习作曲，同时在巴黎喜歌剧院乐队演奏大提琴。1849年至1855年担任法兰西剧院指挥，1855年至1862年担任孔特剧院经理，后将其改为巴黎滑稽剧院。19世纪60年代是奥芬巴赫创作的繁荣期，写作了大量体裁多样的作品，最出色的是轻歌剧。为后来法国的轻歌剧创作发展奠定了基础，并对此后的许多歌剧作曲家有重要影响，被称为“法国轻歌剧之父”。奥芬巴赫的轻歌剧代表作有《地狱中的奥尔菲斯》、《美丽的海伦》等。

抒情歌剧（Lyric Opera）

抒情歌剧是伴随喜歌剧和大歌剧的形成发展而逐渐产生的一种歌剧形式。在内容上，抒情歌剧多取材于文学名著，如莎士比亚、歌德等人的作品，都是作曲家喜爱的题材；在风格上，作曲家偏重的是对人物的生活与感情的描写，失去原作深刻的哲理思想，但对人物形象、感情却有极其细致的刻画；在规模上，抒情歌剧介于喜歌剧和大歌剧之间，显出一种新颖绮丽的艺术特征。

抒情歌剧的代表人物是法国作曲家夏尔·弗朗索瓦·古诺、乔治·比才。

古诺（Charles Francois Gounod，1818年- 1893年）1818年生于巴黎，18岁时在巴黎音乐学院学习作曲，1835年获罗马大奖。古诺一生创作了12部歌剧，其中最优秀的是《浮士德》、《罗密欧与朱丽叶》。

歌剧《浮士德》取材于德国文学家歌德的同名戏剧的第二部分“爱情悲剧”一场，描写了老年浮士德正要结束自己生命时，又重返青春寻找爱情的悲情故事。这部歌剧篇幅比一般的喜歌剧要大，但又没有大歌剧的鸿篇巨制。它以生动的剧情、优美的曲调、富有诗意的抒情气氛著称。音乐注重了对人物性格的细致刻画，如表现玛格丽特的纯朴热情的咏叹调“从前有个国王”、“珠宝之歌”，表现魔鬼梅菲斯特的阴险、虚伪的“金牛歌”。此外还有许多日常生活画面场景，如第一幕的“牧歌”、第二幕的“士兵合唱进行曲”等。以城市浪漫曲和舞曲为基础，又借助法国语言音调结构，创造了一种简洁朴素的抒情音调。在这部作品中，管弦乐对戏剧情节的发展及人物的刻画也起到很大作用。

比才（Georges Bizet，1838年- 1875年）1838年出生于音乐家庭，父亲是声乐教师，母亲也有很高的音乐造诣。10岁时，比才进入巴黎音乐学院学习钢琴和作曲。1857年，他获得了著名的罗马奖学金，从而有机会赴罗马进修。通过在罗马的三年学习，比才认定自己的前途在于歌剧创作。当他回到巴黎后，他的创作道路也遇到了不少困难。他的歌剧《采珠者》上演后受到评论界的攻击。1872年，比才应邀为法国作家都德的话剧《阿莱城的姑娘》配乐，话剧上演时并不成功，而比才的配乐却以组曲的形式流传下来，被公认为是一部杰作。

歌剧《卡门》是比才的最后一部作品，也是他最心爱的作品。这部歌剧今天已被列入世界上最优秀的歌剧剧目之中，在各国连续上演，广受赞誉。作品取材于法国批判现实主义作家梅里美的小说《嘉尔曼》，共四幕。故事发生在1820年左右的西班牙，讲的是吉普赛女郎卡门与农村出生的小士兵霍赛的爱情经历，卡门与霍赛是出身教养、生活观念、感情性格都完全不同的青年恋人，卡门是热情坦率、酷爱自由、泼辣刚强、浪迹天涯、狂放不羁、宁愿为自由而死也不愿受任何束缚的吉普赛姑娘，而霍赛是一个农村出身的、奉公守法、意志薄弱、优柔寡断的小士兵。为了讨得卡门的欢心，霍赛离开军营，和卡门一起与走私犯为伍。当他发现卡门不再爱他，而爱上了英勇善战的斗牛士埃斯卡米洛时，霍赛便把卡门杀害了，以凶杀结束这场爱情。

比才的《卡门》最大的艺术价值，在于为歌剧舞台塑造了个性极为鲜明的人物形象。他用音乐鲜明地刻画性格各异的人物形象：吉普赛女郎卡门、农村出身的小士兵霍赛、善良质朴保守的农村姑娘米凯埃拉、斗牛士埃斯卡米洛、走私犯们等等。歌剧中创造性地运用西班牙民间风格的音调、节奏来渲染出鲜明的地方色彩和民族风情，音乐很典型化，爽朗而富有激情，有很强的感染力。比才继承了意大利、法国歌剧的优秀传统，以流畅悦耳的歌唱为主线。歌剧的结构依旧采取传统的分曲方式，乐队配器简洁并富有色彩。歌剧中采用主导动机手法，音乐与戏剧紧密结合，使全剧连接成一个不断发展的整体。

歌剧《卡门》朝着现实主义的方向发展，作品有着鲜明的现实主义倾向。它所表达的人物的复杂感情和相互关系非常真实，富于个性。这种独特的音乐风格，不仅震动了当时的法国，也直接启发了后来意大利真实主义歌剧的兴起。

二、意大利歌剧

18世纪的意大利在政治上丧失自己的独立性，一直遭受欧洲强国的欺凌，直到世纪末法国资产阶级大革命唤醒了意大利人民的民族意识和爱国热情，他们为争取自由和独立而努力。所以，19世纪意大利的浪漫主义运动，是与民族独立的解放运动紧密联系的，产生许多以此为主题的文学作品，并给音乐注入了新的生机。

从18世纪始，意大利的歌剧由于僵化和做作失去统治欧洲歌剧舞台的地位，逐渐被德国和法国所取代。但歌剧作为一种综合艺术，最能唤起民众感情且最反映社会风尚和思想感情变化等。对于19世纪意大利音乐家来说，要发展民族音乐文化，首先必须复兴歌剧，拯救歌剧的危机。19世纪意大利出现的伟大歌剧作曲家有：罗西尼、贝利尼、唐尼采蒂、威尔蒂、普契尼等。

焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼（Gioachino Antonio Rossini，1792年- 1868年）出身贫民，幼年曾随乡间戏班的父母在意大利波隆纳地区的各个村镇演出。1806年，罗西尼进博洛尼亚音乐学院学习大提琴和作曲，创作了一系列的声乐曲、宗教音乐、室内乐等。从1810年起，罗西尼先后受威尼斯、米兰、罗马、那不勒斯等地的歌剧院的委托，写出许多部歌剧。从1810至1823年的13年间，他共创作了34部歌剧。较著名的歌剧有正歌剧《唐克雷迪》、《阿尔米达》、《湖上夫人》，喜歌剧《意大利少女在阿尔及尔》、《试金石》、《塞尔维亚的理发师》等。1824年，罗西尼到巴黎任该市意大利歌剧院音乐监督，并成功上演了《威廉·退尔》等4部歌剧。1829年之后，正值创作盛期的罗西尼不再创作歌剧，此后的30余年间，除了《圣母哀悼曲》及一些小品外，几乎没再写什么重要作品。

罗西尼具有天生的喜剧舞台意识，《塞维利亚的理发师》是他创作的最优秀的喜歌剧。这部歌剧突出了抒情、谐谑、喜剧性极强的性质。剧中的人物都有精彩的演唱段落，音乐充满活力，优美欢快的旋律不断涌出，起到刻画人物性格和形象的作用。

这部歌剧选自博马舍的以费加罗为主人公的戏剧三部曲的第一部。剧情大意为阿玛维瓦伯爵是一个热情洋溢的青年，他深爱着美丽活泼的姑娘罗西娜。但罗西娜受到严格看管，没有自由，她的监护人老医生巴尔托洛企图和她结婚，从而得到财产。音乐教师巴西里奥虽然是老谋深算，但是看见钱立刻背叛。费加罗在剧中虽然只是一个平民理发师，他可是小城塞维利亚最忙碌的人，全城的男女老少都离不开他，他足智多谋、聪明能干，非常热心助人。在费加罗的精心设计和帮助下，伯爵和他心爱的姑娘罗西娜有情人终成眷属。

歌剧的第一幕费加罗的唱段“给城里的忙人让路”，以一种快速、自然流畅的诙谐风格将费加罗的形象展示出来，是意大利喜歌剧中明亮快速的、急口令似的范例。罗西娜华丽的谣唱曲“甜美的歌声”，展示了罗西尼擅长的花腔技巧，这也是意大利歌剧的独特魅力所在。音乐教师巴西里奥的“让谣言四处传播”，运用了“罗西尼渐强”的手法，即多次反复同一乐句，每次加强力度，提高音高，造成一个极大的渐强。比喻谣言开始像微风，像流水，安安静静、无声无息，渐渐地，一个传一个，很快就会像炸弹猛烈轰炸，闹得满城风雨。这是罗西尼最常用的一种制造轰动效应，激起观众喝彩的手法。歌剧中乐队部分相对简单，但织体清晰透明，风格轻巧活泼，随时插入以烘托气氛。

1813年，罗西尼创作了正歌剧《唐克雷迪》，这是他写的第一部英雄性的歌剧，被誉为意大利第一部富于战斗性的歌剧。之后，罗西尼又创作了歌剧《摩西在埃及》。这是一部悲剧情节的歌剧，以以色列先知摩西的故事为题材，同样反映了现实的民族情结。

正歌剧《威廉·退尔》是罗西尼根据德国诗人席勒的同名诗剧改编的，讲述了13至14世纪瑞士人民反对奥地利统治者的历史故事，歌颂了瑞士人民反抗异族统治，争取独立自由的斗争精神。这部歌剧的创作正值法国1830年革命前夕，罗西尼为适应法国听众的欣赏趣味，使这部歌剧具有当时盛行的法国大歌剧特征，场面很宏伟，戏剧性的情节交织着浪漫的爱情，剧中有许多优美的旋律。这部歌剧由于演出时间过长，后来便很少上演。但是歌剧的序曲，却受到人们的普遍欢迎，成为音乐会上经常演出的曲目之一。

温琴佐·贝里尼（Vincenzo Bellini，1801 年- 1835年）出生在意大利南部西西里的卡塔尼亚，祖父和父亲都是当地的音乐教师、作曲家。贝里尼从3岁开始学习音乐，6岁开始作曲，是一个早熟的音乐天才。1819年，贝里尼到那不勒斯的塞巴斯蒂阿诺音乐学院接受专业音乐教育。1830年至1831年，贝里尼以惊人的速度完成了两部正歌剧的名作《梦游女》和《诺尔玛》，在米兰斯卡拉歌剧院上演。1833年，他又奔赴伦敦、巴黎上演这两部歌剧。1835年，贝里尼最后一部歌剧《清教徒》在巴黎首演，这部歌剧融合了意、法两国的歌剧风格，又有最优秀的歌唱家来演出，因此引起空前的轰动。1835年8月，贝里尼生病逝世于巴黎。

贝里尼短暂的一生中创作了10部歌剧，其中重要的歌剧作品有《梦游女》、《诺尔玛》、《清教徒》等。贝里尼歌剧的创造力最鲜明地体现在他的旋律中。他的旋律减弱了罗西尼式的花腔，而是清丽柔婉、气息宽广悠长，纯朴舒展、自然流畅、委婉曲折，传达出人物细腻的感情，也显示出他的音乐特有的诗意、柔情，带有深情浓郁的浪漫情调，被世人誉为“意大利的夜莺”。贝里尼还非常重视音乐与诗词的关系，总是使歌剧中语言的重音和旋律的重音相一致，讲究音乐与语言的完美统一。但是，贝里尼的歌剧中管弦乐写法比较简单，仅起到为歌唱旋律伴奏的作用，甚至有时被认为苍白单薄。

《梦游女》是贝里尼的代表性作品之一。歌剧讲述了善良纯洁的姑娘阿米娜患有梦游病，梦游到了品质正直的鲁道夫伯爵的房间里，因而和新婚的丈夫埃尔维诺之间产生了误会，受到冤枉。后来在伯爵和阿米娜的养母的说明下，事情终于澄清，一对恋人幸福地和解。第一幕中阿米娜为表达心中的喜悦唱的咏叹调“今天是我的好日子”，以及第三幕中阿米娜梦游时唱的祈祷歌“我真不敢相信，你那样快的凋谢了，啊，花啊！”都是清新自然的唱段。误会消除后，她唱的那段“我心中充满喜悦”是难度极高的技巧型唱段。

歌剧《诺尔玛》以古代高卢人和统治者罗马人之间的政治宗教矛盾作为背景展开，叙述女祭司诺尔玛对罗马总督波利翁忠贞不渝的爱情。后来总督波利翁移情别恋于年轻的修女阿达尔吉萨，抛弃了诺尔玛和两个孩子。在总督波利翁马上就要成为祭神的牺牲品时，诺尔玛说：“现在只有我能救你，只要你答应我放弃阿达尔吉萨。”然波利翁宁肯死，也不愿放弃阿达尔吉萨。诺尔玛妒忌成怒，说一定要把阿达尔吉萨判处死刑！接着诺尔玛宣布：要把一个破坏纯洁、背叛祖国、不知廉耻的修女，作为神的牺牲品杀掉。众人问是谁，波利翁很担心是阿达吉尔萨，没想到诺尔玛说出的是自己的名字！她对波利翁说：“不管你的态度对我有多么冷漠，我对你的爱一定能让我们永不分离。”波利翁这时才感到诺尔玛对他的爱是博大而深沉的，于是发誓要和她一起死去。最后他们一起走上火刑台。第一幕中，诺尔玛对月神的祈祷“圣洁女神，光芒四射”，是一首渴望爱情、祈祷和平的谣唱曲，格外深情动人，是意大利歌剧中的名曲。诺尔玛和阿达尔吉萨共诉友谊和爱情的一段很长的二重唱，炫耀了装饰性的技巧，美妙动听。她们两人和总督波利翁在第一幕结尾式的三重唱，饱含了热情和戏剧性。歌剧《诺尔玛》的序曲被贝里尼标记为“辛丰尼亚”（Sinfonia），很具有戏剧效果，在音乐会上经常演奏，是贝里尼的歌剧中最广为人知的序曲。

在贝里尼1835年逝世后，唐尼采蒂成为意大利歌剧创作的主要人物。唐尼采蒂（Gaetano Donizetti，1797年- 1848年）出生在穷苦的贫民家庭，9岁时到家乡的大教堂培养唱诗班的慈善音乐学校学习音乐，后来进博洛尼亚音乐学校学习作曲，创作过一些室内乐、管弦乐和歌剧。唐尼采蒂是一位多产的作曲家，他创作有70多部歌剧、大量的清唱剧、弥撒以及钢琴作品、室内乐等，其中歌剧是他最主要的创作领域。他创作的歌剧包括各种类型，有意大利正歌剧、半正歌剧（semiseria，一种体现意大利浪漫主义歌剧风格的体裁，在正歌剧严肃的剧情中加入喜剧的滑稽因素和浪漫的场景或情感）、意大利喜歌剧、法国喜歌剧。唐尼采蒂的众多歌剧中，较著名的正歌剧有《拉美摩尔的露其娅》。喜歌剧以《爱的甘醇》、《唐·帕斯夸尔》、《军中女郎》、《宠姬》最为著名。

唐尼采蒂和贝里尼一样，都很遵循意大利歌剧的传统审美习惯，注重以美妙动听的旋律来抒发感情。然而唐尼采蒂并没有摆脱当时流行的意大利、法国歌剧的弊病，过于迎合歌星炫技的欲望，过多地追求感官的享受、愉悦，因而缺乏更深刻的内涵表现。

喜歌剧《爱的甘醇》讲述了在19世纪的意大利农村，乡村青年内莫里诺为了赢得年轻漂亮的姑娘阿迪娜的爱情，从一个售假药的江湖医生那里买了一瓶“爱的甘醇”，其实是葡萄酒，但他确信其药效。后来果真有很多姑娘青睐于他，但是原因并非由于“爱的甘醇”，而是因为内莫里诺的伯父去世，内莫里诺将继承一笔巨额资产。姑娘阿迪娜开始并不欣赏内莫里诺，但她得知内莫里诺为赚到再买一瓶“爱的甘醇”的钱决定去当兵时，她被感动了，萌发了对他的爱慕。音乐在欢快热闹的气氛中结束。歌剧中最著名的唱段是第二幕内莫里诺感人而抒情的咏叹调“偷撒一滴泪”。

朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi，1813年-1901年）家境贫寒，出生在意大利农村，父亲是一个饭馆的小老板。街头流浪艺人的音乐以及婚礼等一些节庆场合演出的音乐，是他最早的音乐启蒙。1832年，威尔第去米兰考音乐学院被拒绝，理由是称其缺乏音乐才能，有一副纯朴的伦巴第农民相貌，这成为他终生难忘的一件事。威尔第随后自己拜师学习，求学的过程中，威尔第遇到了生命中的贵人，一位富有的赞助者赏识威尔第，他不仅赞助威尔第学习，后来还将女儿嫁给了威尔第。威尔第跟随当时著名的音乐活动家、斯卡拉歌剧院的指挥拉维尼阿学习作曲，深入学习了意大利和外国优秀作曲家的古典作品，作曲技术进步飞速。他还靠抄谱来学习和研究以往大师们的创作技法，唐尼采第的歌剧他几乎全都能背得很熟。

1836年，威尔第创作完成他的第一部歌剧《奥贝托》（Oberto，1836年），但并没有上演。他创作的第二部歌剧也没有成功。直到他的第三部歌剧《纳布科》（Nabucco，1842年）上演后，获得了极大成功。随之而来的一部部优秀的歌剧相继诞生，《弄臣》（Rigoletto，1850年～1851年）、《茶花女》（La Traviata，1853年）、《游吟诗人》（Il Trovator，1851年～1852年）、《假面舞会》（Un Ballo in Maschera，1858年）、《西西里晚祷》、《命运的力量》（La Forza del Destino，1861年）、《唐·卡洛斯》（Don Carlos，1866年）、《阿依达》（Aida，1870年）、《奥赛罗》（Otello，1886年）、《法尔斯塔夫》（Falstaff，1893年）……

除了对歌剧倾心，威尔第作为农民的儿子，他对土地很有情感，几乎是音乐史上唯一一个喜欢务农的人。威尔第长寿，活了88岁。在他去世时，当时的意大利为他举行了民族英雄式的葬礼，数十万的人群跟在灵车后面，人们怀着真挚、崇敬的心情为他送葬。因为在意大利人民争取自由民主、争取民族解放和统一的斗争中，威尔第以音乐为武器作出了巨大的贡献。在送葬的行列中，再次响起《纳布科》中的合唱曲“飞吧，思想，乘着金色的翅膀”，这首鼓舞着人们冲向自由的合唱，奔腾咆哮、气势雄壮，表达了无数人民对这位伟大作曲家的深切怀念和哀思。

在歌剧题材方面，威尔第的歌剧既关注体现爱国和民族情感的题材，也重视文学戏剧名著，包括席勒、小仲马、雨果、莎士比亚等人的作品。他钟爱这些名著中所表现的强烈的戏剧性及冲突对比。威尔第认为舞台表演必须服从故事情节和情感发展，在他看来，舞台表演、人物唱段都是活生生的情节，是随着人物内心状态和情感的变化而展开的。他的唱段完全改变了传统歌剧为了炫耀技巧而使唱段与情节分离的不良倾向。他的歌剧基本仍采取传统分曲结构创作，但使各分曲、各场之间保持有机的联系，克服了传统歌剧中互不连贯、支离破碎的特点。威尔第的歌剧以声乐为主，并不忽视管弦乐队的作用，乐队与声乐相辅相成，揭示戏剧冲突和人物情感，克服了意大利歌剧乐队粗糙、苍白无力的缺点。此外，他的歌剧还创造性地运用了主导动机手法。

威尔第早期的创作，受到意大利前期作曲家罗西尼等人的影响。许多作品都与政治有关，反映了和专制主义进行斗争的精神，并采用戏剧和文学经典为题材，代表作有《纳布科》、《伦巴第人》（Lombardi，1842年）、《麦克白》。威尔第中期的歌剧描写了许多平民百姓，反映了他对被压迫人民的同情和歌颂，以及对剥削者、专制主义的揭露和抗议，代表作有《弄臣》、《茶花女》、《游吟诗人》、《假面舞会》、《命运的力量》。晚期作品代表着威尔第创作的高峰，主要作品有《阿依达》、《奥赛罗》、《法尔斯塔夫》。

歌剧《茶花女》根据法国作家小仲马（1824年- 1895年）的同名悲剧改编。讲述了巴黎上流社会的名妓薇奥莉塔与青年阿尔弗莱德相爱。得知阿尔弗莱德父亲反对原因后，为了阿尔弗莱德的前途着想，薇奥莉塔离开了他，重返交际场。误以为薇奥莉塔变了心，阿尔弗莱德当众羞辱了薇奥莉塔。本来就患有肺病的薇奥莉塔从此一病不起。后来，阿尔弗莱德父亲向他言明实情。懊悔的阿尔弗雷德又重新回到薇奥莉塔身边，但此时的薇奥莉塔已病入膏肓，最终死去。作品中表现出对当时上流社会门第观念的抨击揭露，同时表达出对女主人公的深深同情。“饮酒歌”是歌剧的第一幕。使用乐队伴奏烘托领唱与合唱，再现出巴黎上流社会的豪华宴会场面，同时又传达出阿尔弗莱德和薇奥莉塔的一见钟情。歌曲中洋溢着对爱情的赞美，充满着热情和活力。

1870年，意大利民族复兴运动终于迎来了民族的独立，建立了君主立宪制的意大利王国。然而，意大利的资产阶级革命进行得并不彻底，统一后的国家经济政治基础很不牢靠。意大利人民，尤其是意大利的农民阶层仍没有获得自由、解放，遭受着资本主义和封建主义的双重压迫。这时出现了一些同情这些劳苦大众悲惨遭遇的作家，他们专门描写这些社会底层小人物的命运，力求真实地反映他们的生活，揭示社会的黑暗面。他们力求社会、环境、事件的“真实”，却缺乏对事物本质的概括，这一类作家的作品被人们称为“真实主义文学”。

真实主义文学的盛行对意大利的歌剧产生了直接的影响。有两位作曲家从真实主义文学中受到了启示，他们开创了“真实主义歌剧”的新天地，他们是马斯卡尼（Mascagni，1863年- 1945年）和列昂卡瓦洛（Leoncavallo，1857年-1919年），代表作品有：马斯卡尼的歌剧《乡村骑士》（Cavalleria Rusticana，1890年）、列昂卡瓦洛的歌剧《丑角》（Pagliacci，1892年）。真实主义歌剧主张取材于现实生活，特别是描写社会底层的小人物，热衷于着力刻画妒忌、争纷、情杀等场面，力求用简洁、明快的手法，组织起强烈的戏剧场面。

普契尼（Giacomo Puccini，1858年-1924年）和前两位作曲家处于同一时期，但艺术成就高于他们。他出生于音乐世家，祖辈几代人都是教堂乐师。他曾在米兰音乐学院学习，志向是作曲。毕业不久，普契尼创作了自己第一部歌剧，并大受欢迎。随之而来的是当时知名的意大利出版商与之签约，他从此衣食无忧。

普契尼的歌剧和真实主义歌剧有一些共同点，他的歌剧并不完全属于真实主义歌剧的范畴。普契尼本人出身贫寒，对社会底层人民的生活很有体会，因此他同情小人物的处境。他的歌剧中的主人公大多是下层小人物，尤其突出对受欺凌、受迫害的女性人物的塑造。普契尼歌剧中的咏叹调旋律优美动人，并没有华丽的炫技，完全符合角色的性格，朴实、平易近人、动人心弦，很能反映出他最擅长刻画的温柔亲切、哀婉动人、生离死别的感情状态，在这个领域普契尼是无与伦比的大师。乐队处理也十分细腻，独具特色的手法是用器乐来重复人声的歌唱，俯拾即是，也很注重用乐队来营造恰当的环境气氛。

普契尼的歌剧代表作有《艺术家的生涯》（La Boheme，1896年，又名“绣花女”、“波西米亚人”）、《托斯卡》（Tosca，1900年）、《蝴蝶夫人》（Madama Butterfly，1904年）、《图兰多》（Turandot，1926年）等。作品中的著名唱段有《艺术家的生涯》第一幕中诗人鲁道夫的咏叹调“冰凉的小手”，第一幕中女主人公咪咪演唱的“人们叫我咪咪”；《托斯卡》第二幕中托斯卡的咏叹调“为艺术、为爱情”，第三幕卡瓦拉多西演唱的“星光灿烂”；《蝴蝶夫人》第二幕中乔乔桑演唱的“晴朗的一天”；《图兰朵》第三幕中卡拉弗王子的咏叹调“今夜无人入睡”等。

韦伯与德国浪漫主义歌剧

德国作曲家韦伯（Carl Weber，1876年-1826年）出生于德国奥尔登堡的厄丁，父亲是城镇的剧院经理兼乐师，母亲是小剧团的演员歌手。韦伯从小就随父母的巡回剧团到处演出，不仅熟悉了剧院的舞台，也在各地接触到了丰富的民间音乐，对他后来的创作起到很大作用。1804年，韦伯担任布勒斯劳歌剧院指挥，有机会熟悉了歌剧的许多保留曲目。此后的10年间，韦伯创作了歌剧、交响曲、协奏曲、钢琴作品等，并以钢琴家的身份到各地演出。1813年，韦伯担任布拉格歌剧院院长，他扩大了歌剧院的演出曲目，提高了演出质量。1817年他任德雷斯顿宫廷剧院指挥，成功上演了一系列德国歌剧和法国歌剧，并写了许多钢琴作品。1820年，韦伯完成了德国浪漫主义歌剧的奠基之作《自由射手》。两年后韦伯在英国指挥演出时病逝，年仅39岁。

韦伯在西方音乐史上的地位，是由他的一部歌剧代表作《自由射手》（《魔弹射手》，1817年- 1821年）确立的，这部歌剧标志着德国民族歌剧、浪漫主义歌剧的诞生。这部作品的最大贡献在于反映出了德国的民族气质，即真实地体现了德国人民的生活、风俗、性格、信仰。舞台上出现的不再是贵族的宫殿，而是简朴的德国乡村的生活情景：以波西米亚的森林为背景，德国守林区的房屋、猎人们头戴插有羽毛的帽子、乡村姑娘身穿着花边裙子等。歌剧音乐中充满了浓郁的民间生活情调：猎人们雄壮的进行曲、村姑们民谣式的合唱、农民粗犷的舞蹈等。歌剧最诱人之处是第二幕中的“狼谷”一场，舞台上显现出阴暗茂密的森林和野兽出没的山谷。管弦乐队的音色得以充分发挥，以各种管乐器、定音鼓、弦乐震音、尖锐的不协和和声等，描写猫头鹰飞过、野猪奔跑、幽灵、怪兽、风暴以及鬼火的出现，烘托出狼谷中神秘、阴森的气氛。一些观众看到这里会不由得紧张得站了起来。

《自由射手》剧情选自德国古老的民间传说。剧情如下：青年猎人马克斯与守林官的女儿阿加特相爱，按照猎人的规矩，马克斯只有在射击比赛中获胜，才能和自己的心上人阿加特结婚，并成为未来的守林官，但是他在射击比赛初赛时失败。正当马克斯在为初赛失败懊丧万分的时候，猎人卡斯帕尔来到他面前引诱马克斯随他到狼谷炼造魔弹（有魔力的子弹，可以百发百中）。事实上，猎人卡斯帕尔这时已把自己的灵魂出卖给了魔鬼萨米尔，他面临着下地狱的命运，他引诱马克斯是为了在第二天比赛时让马克斯用魔弹射死阿加特，让阿加特做替身来为自己赎出灵魂。马克斯求胜心切，便答应猎人卡斯帕尔去炼造魔弹。他们炼造了7颗，前6颗可以百发百中，唯有第7颗要由魔鬼萨米尔支配（即打算让马克斯射死阿加特）。第二天正式比赛时，马克斯维炫耀自己的射击本领用掉了前6颗子弹，手中只剩下第7颗。他射出的魔弹飞向一只白鸽，而这只白鸽正是他心爱的阿加特的化身！危急时刻，有一位公正的隐士在一旁施法术使白鸽飞到猎人卡斯帕尔所在的树上，马克斯的枪声一响，白鸽飞走，子弹射中的是猎人卡斯帕尔，一对恋人得救！歌剧深刻地揭示了“善良”会战胜“邪恶”的真理。

《自由射手》的序曲是其中一个突出的成就。歌剧的序曲与剧情联系非常紧密，预示出歌剧的冲突和结局。一开始的慢板引子中圆号的音色表现出幽静的森林景色，而定音鼓、黑管、大提琴在低音区的动机则预示着不详的动机。序曲中采用了歌剧的主要主题，大致综合了歌剧的情节和气氛，如序曲中出现了第一幕中马克斯冲动而绝望的咏叹调的因素，以及第二幕中阿加特虔诚祈祷的旋律因素，剧中魔鬼萨米尔的动机等也都已在序曲中呈示。此外，韦伯首创了将“主导动机”（Leitmotiv）贯穿运用的先例，以特殊的减七和弦来象征魔鬼萨米尔的形象，在序曲中出现，并将这种动机的含义贯穿整部歌剧。

韦伯一生共创作了10部歌剧，除去《自由射手》之外，《欧丽安特》、《奥伯龙》也是韦伯的两部歌剧代表作，都以中世纪和神仙的世界为题。此外，韦伯还创作了合唱、交响曲、协奏曲等各种题材的作品。

理查德·瓦格纳（Richard Wagner，1813 年- 1883年）出生于德国莱比锡，不到半岁父亲就去世了。继父是个话剧演员，受其影响瓦格纳自幼便对文学、戏剧、音乐等有了浓厚兴趣。尽管如此，瓦格纳接受系统的音乐教育并不早，他11岁才开始学习钢琴。瓦格纳从小广泛阅读了各类书籍，对于霍夫曼、莎士比亚的著作以及费尔巴哈的哲学等都有着浓厚的兴趣，热爱阅读的习惯伴随瓦格纳一生。1831年，瓦格纳跟当时的作曲老师米勒、瓦利格学习和声、对位等作曲技法。之后他先后担任好几家歌剧院的指挥，接触到各种各样的歌剧作品，并通过演出实践熟悉了不同流派的歌剧风格。1839至1842年，瓦格纳居住在巴黎，穷困潦倒，创作了《黎恩济》（Rienzi，1837年～1840年）等歌剧。1842年瓦格纳返回家乡，同年10月，他的歌剧《黎恩齐》在德雷斯顿首演大获成功。此时的瓦格纳除去指挥之外，还创作了著名歌剧《漂泊的荷兰人》（Der Flegende Hollander，1841年）、《唐豪塞》（Tannhauser，1842年～1845年）和《罗恩格林》（Lohengrin，1846年～1848年）。

1849年，德雷斯顿爆发了革命，瓦格纳积极狂热地投入了德雷斯顿市民起义，革命失败后他遭受通缉不得不逃到国外，旅居瑞士的苏黎世长达十余年。在流亡期间，瓦格纳总结自己在19世纪三四十年代的创作，写出了理论创作《艺术与革命》（Art and Revolution，1849年）、《未来的艺术品》（The music of the Future，1850年）、《歌剧与戏剧》（Opera and Drama，1851年）等论文。这些文论中的思想、观点，尤其是关于歌剧改革的理论，成为西方音乐史上的重要研究文献。在这期间，他还完成了能体现出他的歌剧改革理想的四联歌剧《尼柏龙根指环》（Der Ring des Nibelungen）的前两部，他的乐剧创作思想开始付诸实现。

瓦格纳在50年代中期接触到叔本华（Schopenhauer，1788年- 1860年）的哲学，被这位哲学家的思想所深深吸引，思想上日益消极，感到自己所经历的一切挫折与绝望都证实了叔本华所描绘的世界与本质。瓦格纳所选择的这个信仰影响到了他以后的歌剧创作。歌剧《特里斯坦与伊索尔德》（Tristan und Isolde，1857 年- 1858年）就深刻反映出这种影响。1862年瓦格纳终于得以回国，他开始着手创作《纽伦堡的名歌手》（Die Meistersinger von Nurnberg，1862年- 1867年）。在这期间瓦格纳经济上再次陷入困境。年轻的巴伐利亚国王将其视为上宾，给予他很大的物质资助。1869年，瓦格纳创作完成了《尼伯龙根指环》。瓦格纳最后一部歌剧《帕西法尔》（Parsilfal，1877年- 1882年）是一部宗教神秘剧，深刻地体现了瓦格纳晚年时皈依宗教的消极世界观。1883年2月，瓦格纳因心脏病逝世于威尼斯。

瓦格纳认为音乐只是手段，戏剧才是目的，音乐要服从于戏剧。他认为最伟大的歌剧要选择历史、神话、传说作为题材，神话代表了永恒真理，对于德国人民来说，德国神话很容易理解。瓦格纳推崇古希腊戏剧，认为它是面向全民的戏剧，是将音乐、诗歌、舞蹈等艺术综合为一个整体的艺术。未来的艺术应该以古希腊戏剧为榜样，再次达到诗词、音乐、表演、舞台等各门艺术的综合。他把这种理想的新型歌剧称作“乐剧”。

在实践歌剧改革中，瓦格纳使用了多种具体手段。首先，他认为传统的分曲歌剧破坏了戏剧的连贯性。他主张音乐应该与戏剧紧密地结合在一起，不要被个别的曲子所打断。因此，他认为应该取消宣叙调、咏叹调、合唱等固定套式的段落，取消场景与场景、唱段与唱段之间的界限，音乐的发展应该是连续不断的，代之以“无终旋律”。其次，瓦格纳为了使“综合艺术”的内部更有机地统一起来，他借鉴了韦伯的“主导动机”手法并进一步发展，就是以一段短小的动机或主题来代表特定的人物、事件、物体、地方，甚至是气氛、情感。作品所描写的对象第一次出现时，一般由管弦乐队奏出代表该对象的动机，以后每当其出现，均重复这一动机，并可根据剧情的需要而变形，可以扩大、缩小或是片断化，不同的动机还可以用对位形式结合。再次，瓦格纳的乐剧突出了半音体系和声及连续不断的转调。乐剧中重视管弦乐队的重要作用，将其提高到很高的地位，使之具有交响性，由伴奏的职能改为表现的职能，表现人声和诗歌不能表现的一切，并对戏剧的发展起推动作用。瓦格纳每一部歌剧的脚本都由他亲自动笔，先写成散文再改写成韵文，最后才进行音乐创作。正是在这个充分准备的过程中，与歌词融为一体的音乐才能酝酿而生，使他的歌剧充分体现出音乐与歌词之间的密切联系。

瓦格纳的浪漫主义歌剧代表作有《黎恩齐》、《漂泊的荷兰人》、《汤豪赛》、《罗恩格林》，乐剧有《尼伯龙根的指环》、《特里斯坦与伊索尔德》、《纽伦堡的名歌手》。

【作品选介】《尼伯龙根的指环》

作品选材自古代的纳维亚神话“尼柏龙根之歌”，包括“莱茵的黄金”、“飞驰的女武神”、“齐格弗里德”、“众神的黄昏”四大部分。

故事描写的是，在莱茵河的河底安放着黄金的宝库，由三个侍女守卫，如果谁能窃走黄金，并把它炼成指环，他就可以获得统治世界的权利。但是，只有对爱情断绝念头的人才能获得这种权利。雾魔阿尔伯里希大叫着：“我永远摈弃爱情！”接着钻到河底，抓走了黄金，准备去炼成指环。莱茵河的仙女们绝望地叫喊着。神王浮旦又用诡计从阿尔伯里希手中诈取炼成的指环。后来，指环又落到巨人发夫纳的手中，他变成一条龙，隐藏在森林的洞穴里，日夜守护着指环。

为了防止雾魔来袭击神界，神王浮旦与智慧爱神爱尔达生出9个智勇双全的女武神，以保卫神界。但如果要使神界真正免除灾祸，还要从巨人手中夺回指环，无私地奉还给莱茵河的仙女。因为指环上带有雾魔阿尔伯里希可怕的诅咒：“凡得到指环的人必遭毁灭”。神王浮旦化为凡人，他与凡女结婚，生下一男一女，男孩取名叫齐格蒙特，女孩叫齐格琳德，兄妹俩在两地长大，互不相识。这对孪生兄妹非法结合生下一个儿子，取名齐格弗里德，雾魔阿尔伯里希的弟弟米梅收养了这个孩子。米梅想利用齐格弗里德夺得指环，然后再害死他。

齐格弗里德长大后，杀死了巨人发夫纳，也杀死了想害他的米梅，他带着指环冒险游历。女武神布伦西尔德与齐格弗里德相爱，但又受雾魔阿尔伯里希的儿子哈根的利用，他们合谋杀死了齐格弗里德。后来，布伦西尔德发现她自己和齐格弗里德都是牺牲品，就决心以死来追随她心爱的人。布伦西尔德用爱将神界归于毁灭，哈根也被莱茵河的仙女拖进了洪流。指环又归还到莱茵河的河底。

这部巨型的歌剧需要连续上演四个晚上，15个多小时的音乐中运用了200多个主导动机，包括剧中人物、自然现象、情节事件、情绪心理等。“飞驰的女武神”第三幕间奏曲是音乐会上经常上演的曲目。