第二节 浪漫主义时期音乐的代表人物及作品赏析

一、舒伯特

舒伯特(1797—1828)出生于维也纳，自小即随父亲学习小提琴。 舒伯特9岁时便进入宫廷圣咏班，一直到16岁到了变声期时才离开，然后在父亲的学校中当一名教师。 但是，舒伯特一直希望自己能成为自由音乐家。1817年，在朋友们的帮助下，舒伯特终于开始了独立的自由生活，并全力投入音乐创作之中。 但这种自由的生活同时也意味着贫困潦倒，他靠朋友的接济才得以维持生活。 1828年11月19日，舒伯特因病去世，年仅31岁。

舒伯特一生共创作了600多首艺术歌曲，以及22首钢琴奏鸣曲、6部弥撒曲、13部歌剧、9部交响曲和大量的钢琴小品，其中流传最广的有带有自传性的声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》(共20首)、《冬之旅》(共24首)以及《A大调钢琴五重奏(鳟鱼)》《C大调五重奏》。

(一)《鳟鱼》

《鳟鱼》是舒伯特创作于1817年的一首艺术歌曲。 他用叙事手法表达了自己对在水中无忧无虑生活却忽然被渔夫捕获的小鳟鱼的无限同情，抒发了对自由生活的向往。

《鳟鱼》是降D大调，三部曲式结构。 乐曲以弱起节奏贯穿，旋律轻松、明快、活泼、优美。

第一部分和第二部分的伴奏音乐旋律自由流畅，描述了小鳟鱼在潺潺流水中嬉戏的场景。

歌曲的第一部分包括五个乐句，结构非常工整。 第一乐句和第二乐句的音乐活跃灵动，表现了悠闲游动的小鳟鱼的活泼可爱。

第三乐句叙事。 第四乐句继续表现鳟鱼的神态。 第五乐句在第四乐句的基础上变化重复，使乐曲第一部分的结构完整呈现。

乐曲第二部分的旋律是第一部分旋律的完全重复，只是歌词不同，描写了渔夫怎样使小鳟鱼上钩。 同时，作者希望河水变得无比清澈，以至于渔夫都别想用鱼钩把小鳟鱼钓上来。

乐曲的第三部分同样包括五个乐句。 第一乐句为降b小调，整个音乐发生了戏剧性变化。 第一乐句表现了河水被渔夫搅混后小鳟鱼被钓上岸时痛苦挣扎的情景。

第四乐句和第五乐句是第一部分最后八小节的再现。

乐曲前后呼应，结构完整统一。

(二)《第八b小调交响曲》

《第八b小调交响曲》是舒伯特的代表性作品之一，创作于1822年。 该交响曲只有两个乐章，而不像传统交响曲那样有四个乐章，因此又被称为《未完成交响曲》。 尽管如此，《第八b小调交响曲》的乐思发挥得非常完善，充分表达了感情，内容充实，结构十分完美。 实际上，这是一部已经完成了的交响曲。

《第八b小调交响曲》是一部带有悲剧色彩的作品。 乐曲通过对个人感情的倾诉，揭露了当时封建社会的黑暗统治，表达了创作者对美好生活的向往。

第一乐章为快板，采用的是奏鸣曲式结构。 引子低音弦乐首先演奏出阴暗、可怕的音调，宛如黑影一样笼罩整个乐章，令人无法呼吸。

呈示部的主部主题在弦乐器震颤似的音调伴奏下，通过双簧管和单簧管轻柔地引出悠扬如歌的旋律，曲调凄凉而痛苦，表现了创作者内心的悲伤和叹息。

副部主题优美、抒情、明朗、纯朴，极富歌唱性，表现了创作者对美好生活的渴望。

在呈示部结束时，副部的音乐显得更加热情，更具动力。

展开部通过阴暗、可怕的引子主题予以展开，主题显得耀武扬威，副部主题试图与之抗衡，但终因其力量微弱而被淹没。

再现部是呈示部主题的再现。 尾声中，不祥的引子再次出现，好像在告诉听者，主人公仍在承受着不幸命运的折磨。

第二乐章为慢板。 呈示部主部主题明朗且抒情，像一首优美的田园诗，表现了主人公投身于大自然中，试图忘掉现实的痛苦，求得暂时的解脱。

副部的旋律宁静且朴实，但是其中隐含着些许不安和忧愁。

再现部主、副部主题进行了极具特色的调性变化，表现了创作者的精神世界。

再现部之后，音乐结束在安详、恬静的气氛中，表现了主人公已忘却现实中的痛苦，在大自然的怀抱中得到了暂时的安宁。

(三)《小夜曲》

《小夜曲》是舒伯特于1828年创作的，其时舒伯特处境极为艰难，是其最后的时光，也就是逝世的那一年。 《小夜曲》是舒伯特作品中流传得最为广泛的一首歌曲。

《小夜曲》是《天鹅之歌》声乐套曲的第四首，是舒伯特在1828年用雷尔斯塔布的诗谱曲而成的。 《小夜曲》曲调浪漫而隽永，旋律如歌如诉，在模仿吉他音响的钢琴伴奏下显得无比真挚深情。

第一段音乐在恳求、期待的情绪中展开。 经过抒情而安谧的间奏后转调，情绪变得较为激动。 歌曲调性的转变表现了小伙子情绪上激动热情的变化。歌曲在此时出现第一次小的高潮：小伙子终于向心上人表白了。

但因为没有得到预期的回应，所以第二段中的歌词唱道：“用那银铃般的声音，感动温柔的心。”最后，在歌曲尾声小伙子的情绪更加激动，情感更加炙热。乐曲在此时运用前倚音美化旋律，三连音给人一种激动不安的感觉，达到全曲的最高潮。 “带来幸福爱情，幸福爱情!”小伙子的歌声，或者说是小伙子的真情最终感动了姑娘，他们沉浸在幸福甜蜜的爱情中。

(四)《军队进行曲》

《军队进行曲》是舒伯特于1818年前后创作的四手联弹钢琴曲，是其创作的三首同名进行曲中的第一首，也是流传得最广的一首。

乐曲为迅速的快板，一开始，六小节号角性的引子便高亢嘹亮地振奋了听者的精神。

接下来，乐曲奏出了进行曲的主要主题。

在后半拍开始的、极富跳跃感的伴奏音型的衬托下，乐曲轻快活泼，带有浓厚的诙谐欢悦的色彩。 这一主题在不同的调性上变化重复之后，转为G大调，再进入中间部，引出了歌唱性的中间部主题曲A。

中间部主题B由单主题的单三部曲式构成，转入同名小调，这是舒伯特常用的创作手法。 这种创作技巧使这一主题因为调式色彩的变换而变得更加诙谐。

中间部之后，乐曲依照进行曲常用曲式的惯例，在再现开头的号角性引子和乐曲第一部分主题后结束。

(五)《野玫瑰》

《野玫瑰》创作于1815年，是典型的分节歌，采用的是叙事歌曲体裁。 舒伯特以歌德的抒情小诗《野玫瑰》为基础，谱写了这首歌曲。 很多少儿合唱团都将《野玫瑰》作为常演曲目。

诗歌《野玫瑰》取材于民谣，歌德用拟人化的手法，描写了一个少年在原野上看到盛开着的美丽娇艳的红玫瑰，于是激动地跑过去，想将它摘回家。但是玫瑰不愿意，想用刺刺痛少年以阻止其粗暴的动作。 但最后，可怜的玫瑰还是被粗暴的少年摘走了。 虽然这个故事的情节很简单，但寓意却很深刻。 舒伯特运用流畅朴素的民歌式旋律，通过动听的音乐语言叙述这个动人的故事。 他谴责粗暴无礼的少年，赞美纯洁美丽的野玫瑰，表达自己纯洁的情感。

整首歌曲情绪明朗、活泼天真。 歌曲在简单的旋律线条中，运用临时变化音使调性迅速变换，给人亲切甜美、淳朴流畅的感觉。 歌曲中有两处自由延长记号，使人产生微微的忧虑。 两小节的尾奏表现了创作者对玫瑰的同情。

(六)《摇篮曲》

《摇篮曲》是舒伯特1816年在自己19岁时所创作的作品，也是广受人们喜爱的一部作品。

《摇篮曲》为慢板，采用复三部曲式结构。 乐曲中轻而徐缓的旋律异常甜美，营造了一个安详、温馨的意境，充满了无限的温存和爱意。 伴奏声部不断交替稳定和不稳定的两个和弦，表现了摇篮的晃动感，进一步烘托了乐曲平稳宁静的气氛。

以《摇篮曲》为主题改编的器乐曲很多，有些器乐曲采用主题与变奏，有些则在主题反复间插入对比的段落。 日本田中芙太郎改编的小提琴独奏曲就是在基本旋律反复间插入了对比段落。 因为它不受歌词的限制，所以更显得从容自如、抒情安逸，中间装饰性的华彩段极富幻想性。

二、门德尔松

门德尔松(1809—1847)，犹太人，出身于富豪家庭，从小即接受良好的音乐教育。 其父母花重金请柏林音乐学院院长采尔特、大文豪歌德等名人指导包括门德尔松在内的4个孩子。 为了培养门德尔松的指挥能力，父母甚至还请专业乐团到自己家里演出，以供其指挥练习。 门德尔松10岁时开始作曲，18岁开始写歌剧，担任过世界一流乐团的指挥，当过普鲁士国王的音乐总监，发起组织并创办了莱比锡音乐学院。在其苦心经营下，莱比锡音乐学院很快便享誉欧洲。 但紧张繁重的工作很快拖垮了门德尔松的身体。 1847年，与他关系最亲密的姐姐芬尼逝世，门德尔松受此打击一病不起，几个月后与世长辞，年仅38岁。 门德尔松是音乐会标题序曲的首创者，也是在音乐作品中最早描写仙境的作曲家。 舒曼认为门德尔松是19世纪“最有修养的艺术家”。

门德尔松一生共创作了13首弦乐队交响曲、5部大型交响曲、6部序曲、8首协奏曲以及若干室内乐作品、声乐作品和钢琴作品。

(一)《仲夏夜之梦序曲》

门德尔松在《仲夏夜之梦序曲》中，运用丰富的想象、优美抒情的风格和流畅的笔触，描绘了迷人的夏季月明之夜，美丽神奇的森林。 《仲夏夜之梦序曲》具有神秘气氛的夜景诗趣和诗意般的音乐背景，这使其拥有了一种幻想和仙境般的色彩。

在这之前，莫扎特、贝多芬等作曲家的序曲都是作为歌剧、戏剧演出的前奏而构思创作的，而《仲夏夜之梦序曲》却并非莎士比亚同名喜剧的配乐或前奏曲，而是第一部独立的、专为管弦乐队演奏用的序曲。

乐曲的引子通过木管乐器奏出四个缓慢、安详的和弦，并在长时间的延长中渐渐消失。 呈示部主部主题贯穿全曲，旋律轻盈灵巧，通过小提琴用跳弓演奏。

这部分音乐时而急速旋转，时而被突然出现的引子和弦切断，造成了幻觉般的活泼气氛，非常形象地表现了森林中的仙王和仙王后率领一群小精灵无忧无虑的轮舞情景。 呈示部主部第二主题以突然的强奏出现，带有进行曲的性质。 这个主题是一个描绘仙王和仙王后的主题，音乐庄严而明快。

呈示部主部第二主题与引子和第一主题形成了鲜明的对比，一经奏出便使音乐气氛变得豁然开朗。 接下来，第二主题与强奏的第一主题交织在一起，乐曲变得更为活泼欢快，将尽情欢舞的热烈情绪推至高潮。 突然，音乐弱了下来，进入短小的连接部。 在两支长笛二度同音反复的背景下，两支单簧管的波音音型与第一小提琴下行跳进的旋律交替出现，旋律温柔平静，很自然地将音乐过渡到副部。

呈示部副部优美的爱情主题平稳下行，在发展过程中，木管、钢管的跳跃音型不时插入，更增添了乐曲的戏谑风趣。

紧接着，乐曲进入呈示部的结束部。 在沉着有力的和弦之后，欢快的、舞蹈性的新主题出现了，活泼跳跃的旋律在进行中忽然出现了有力的切分和弦，进一步增强了乐曲的情趣。

在展开部，创作者将第一主题做了多次调性变换，并以时隐时现的手法，进一步描绘了虚幻神奇的境界。 突然，爱情主题的“破碎”片断在小提琴的中低音区出现，情绪忧郁。

由引子开始，再现部在主调上再现了第一主题、副部爱情主题、结束部的舞蹈性主题。 再现的爱情主题告别“破碎”的忧郁情绪，重新回到甜蜜圆满的爱情之中。

进入尾声之后，乐曲的爱情主题进一步发展。 主部第二主题再次出现，将音乐推向喜剧性高潮，然而乐曲到此并没有结束，轻盈灵巧的主部第一主题接踵而至，又一次出现，并将庄严明快的第二主题在木管乐器的和声背景下，由小提琴用连音在高音区奏出，旋律极为安详柔和。 之后，引子的四个和弦再次出现，将人们带入虚幻莫测的意境，美好的梦幻渐渐消失，在寂静神秘的气氛之中全曲结束。

乐曲首尾呼应，给人以完美统一的印象。

(二)《威尼斯船歌》

门德尔松的《无歌集》曲集中有三首以《威尼斯船歌》为题的乐曲，这其中以作品三十号第六首最为著名。

乐曲采用的是三部曲式结构。

一开始，左手弹奏出六小节由分解和弦构成的缓慢而流畅的伴奏音型，就像是水波粼粼，轻舟荡漾。 之后，右手奏出恬美、宁静、抒情而略带伤感的旋律，像是将听者带入了水上名城威尼斯。

中段右手在主旋律的下方加入了平行三度陪衬声部，使音调更加丰满，情绪更为热情，将乐曲推至高潮。

一个描绘水光粼粼的长颤音和下行音调之后，前面的主题再次出现。

尾声通过连续的切分节奏表现了微波的荡漾状态。 右手奏出的长颤音就像是水光之粼粼。 之后音量越来越弱，小船逐渐地隐没在薄雾之中。

(三)《春之歌》

《春之歌》是门德尔松所创作的无词歌中最著名的一首。

无词歌是根据乐曲题材和形式特点写作的小型器乐曲，一般都有一个歌唱性的旋律，再配以抒情歌曲常用的伴奏音型。 无词歌听似歌曲，却没有歌词。无词歌这种钢琴曲体裁由门德尔松首创，是浪漫主义标题性抒情钢琴小品的代表。 门德尔松将声乐歌曲的体裁移植到器乐独奏曲中，并使其富有艺术性，这在当时是一种全新的创造。

无词歌使钢琴以甜美淳朴的曲调“唱”出了令人耳目一新的风格。 这种简单而精致的钢琴小品，不但表现了创作者丰富的创作技巧，也是创作者创作风格上的重要特点。 无词歌不仅能用于钢琴独奏，还能改编成管弦乐曲以及小提琴和其他乐器的独奏曲。

门德尔松陆续创作了15年的无词歌，分为8卷出版，每卷各6首，总共48首。 这些乐曲篇幅都不长，每一首都有歌唱性的旋律及伴奏，属于完整的歌曲形式，精致隽永，妩媚且富创意。 这其中，《春之歌》以其流畅动听的旋律、别致而通俗的风格、圣洁高雅的格调和深邃隽永的意境深受人们的喜爱并广为流传。

《春之歌》既渲染了宁静的气氛，又有微妙的色调变化，使乐曲始终都是一个完整统一的整体。 其强烈的艺术效果，将听者带入静穆而丰富多彩的春意之中。 《春之歌》的音乐形象淳朴且富有诗意，充满着对大自然和生活的无限热爱。 乐曲以简练的和声、章法严谨的曲式和流利生动的旋律取胜，音乐语言典雅、清新、自然。

乐曲为优雅的小快板，具有带伴奏的独唱曲特点。 分解和弦式的小琶音音型始终贯穿全曲，如涓涓溪水潺潺而过，有规律的和弦脉动加强了乐曲的流动性，活跃了气氛，烘托出春天的美好意境和蓬勃生机。

乐曲没有引子，一开始呈现了主题，在音乐上没有激烈的矛盾冲突和戏剧性发展变化，在丰富多彩的伴奏音型衬托下，既优美又极富歌唱性的主旋律被引出。

第一部分前八小节的主题，级进与小跳交替进行，抒情甜美，结构简单清晰，速度平稳，音乐风格温文尔雅、纤细且极富诗意。 半音上行的音型和带有推进感的附点节奏使乐曲旋律具有流动的歌唱性，流畅而极富动力，清新明亮，仿佛春风吹拂大地，万物复苏，生机勃勃，充满了喜悦之情。

第二部分的节奏舒展，旋律起伏增大，旋律柔和，流利明快，与第一部分在风格上形成对比。 第21小节的旋律就像是一股泉水在涌动不止；第23小节的音乐旋律恰如和煦的春风迎面吹来，又像灿烂的阳光照射大地，使人感到无比喜悦；第27小节显得无比清新动人，形成调性上的对比。 随着旋律的展开，音乐也被推至高潮。

第三部分再现了主题旋律的明媚和激动兴奋的情绪。 之后，在寂静安详的气氛中，音乐逐渐地弱了下来，使人沉浸在一种意犹未尽的美丽春光中。

再现部采用了扩充形式：第一乐句完全是主题旋律的再现；第二乐句在第一部分的基础上，补充再现了第二部分的材料，使结构得以扩大，达到戏剧性的高潮。 这种创作手法体现了曲式上的贯穿发展和结构上的平衡感，进而丰富了这种歌唱性钢琴小品的音乐魅力。

再现部结束后，又出现了七小节间奏，将乐曲导入尾声。

尾声由主题和连接段的音调衍化而来，起巩固主题的作用，在轻快的情绪中结束全曲。

(四)《芬格尔岩洞序曲》

《芬格尔岩洞序曲》是门德尔松于1830年创作的，又名《赫布里底群岛序曲》。 它是门德尔松在游览芬格尔岩洞之后，受海风和海浪冲击岩洞发出的奇异声响启发而创作的。 《芬格尔岩洞序曲》生动地描绘了赫布里底群岛大自然的景色，抒发了创作者对大自然和生活的热爱。 德国作曲家瓦格纳在听了这首序曲后，曾热情地赞许门德尔松是“第一流的风景画家”。

乐曲采用奏鸣曲式结构。

乐曲开始，即开门见山地呈现了海浪拍打岩石的固定音型。

这一固定音型贯穿整首序曲，反复出现，使音乐形象越来越生动。

主部第二主题通过木管乐器奏出，旋律舒展悠扬，极富歌唱性。

副部主题在小提琴波浪式音型的衬托下，通过大提琴和木管奏出优美如歌的旋律，描绘了阳光下的大海波光粼粼，巨浪“哗哗”地拍打着礁石，并发出阵阵回声。

发展部是主部第一动机的展开。 最后，乐曲在简短辉煌的尾声中结束。

(五)《乘着歌声的翅膀》

门德尔松于1834年以海涅的诗谱写的歌曲《乘着歌声的翅膀》旋律优美，曲风幽静甜美，是其流传最为广泛、最受欢迎的歌曲。 乐曲开始用钢琴伴奏，之后在分解和弦构成的轻柔伴奏的烘托下，优美流畅的旋律勾勒出一幅美丽温馨的风景画。 第一段和第二段是分节歌形式。

第三段音乐达到更高的意境，使听者展开梦想的翅膀，达到更宽广的梦想境界。

三、肖邦

肖邦(1810—1849)生于波兰首都华沙，7岁随一位有名的钢琴家学习钢琴，并师从华沙音乐学院院长学习作曲。

从1827年起，肖邦受到巴黎人民的热烈欢迎，此后便定居巴黎。 1838年，肖邦患了呼吸道疾病，此后一直饱受疾病折磨。 1849年10月17日，肖邦去世，死时不到40岁。

肖邦的主要作品包括24首前奏曲、27首练习曲、20首波罗奈兹舞曲、58首马祖卡、4首叙事曲、4首谐谑曲、2首幻想曲、21首夜曲、3首奏鸣曲及2部钢琴协奏曲等。

(一)《革命练习曲》

肖邦一生创作了27首练习曲，《革命练习曲》是肖邦练习曲中流传最为广泛、最受欢迎的一部。

1830年，肖邦离开波兰。 一年之后，在去巴黎的途中，他听到了华沙起义失败的消息，心情无比激动，在极端悲痛的情绪下，创作完成了这部作品。 可以说，这部《革命练习曲》的音乐形象极其鲜明，思想内容十分深刻，具有极高的艺术性。

乐曲从一个不协和的属七和弦开始拉开序幕，有惶恐不安之感。 之后，一组下行音型被引出，连续的十六分音符和跨度很大的分解和弦，描绘了汹涌的波涛和战斗勇士。 第一部分的旋律体现了创作者在现实中痛苦挣扎的情绪和坚定不移的斗争信念。

主题部分，主要描绘人民群众英勇斗争的形象，表现对牺牲者的哀悼。 主题不断重复、变化和发展，最终将乐曲推至高潮。

最后，音乐回归到刚毅的主题，乐曲以磅礴的气势终结在一个主和弦上，表达了创作者对祖国和人民最终取得胜利的信心永不会改变。

(二)《g小调第一叙事曲》

《g小调第一叙事曲》是肖邦受波兰人密茨凯维奇的长诗《康拉德·华伦洛德》的启发于1831—1835年创作的。 舒曼特别推崇此曲，称其“是肖邦最粗犷而最富有独创性的作品”。

乐曲采用自由奏鸣曲式结构。 序奏从容而庄严的上行音调拉开了英雄史诗的帷幕，也预示了故事的悲剧性结局。

呈示部主题是引子的延续，转向忧郁的音调，将听者带到了遥远的从前。

连接部的大幅度下行旋律和切分延长音，表现了焦虑不安的情绪。

副部主题优雅、文静、舒展，刻画了英雄的内心世界。

之后，乐曲转为a小调，再现第一主题后进入展开部。

展开部包括三个部分。 第一部分以主部主题为基础，运用不稳定音、力度的对比及不协和和弦，营造紧张气氛，预示英雄的悲剧性命运。

第二部分以副部主题为基础，旋律充满英雄气概，描写了英雄的威武形象。

第三部分以急速的音流和宏大的音响，将音乐推至戏剧性的高潮。

再现部倒装再现了呈示部。 乐曲充满激情，描绘了壮阔的戏剧场面，并在激昂慷慨的情绪中结束全曲。

(三)《降E大调华丽大圆舞曲》

《降E大调华丽大圆舞曲》是肖邦于1831年创作的，是一首组曲性质的钢琴曲，题献给女学生劳拉·波斯福德，后被改编为管弦乐曲。 《降E大调华丽大圆舞曲》是肖邦发表的第一首圆舞曲，因此又称《圆舞曲第一首》。 舒曼极为欣赏本曲，称其为创作者“身心都在跳跃的圆舞曲”。 《降E大调华丽大圆舞曲》曾被俄国舞蹈家、舞剧编导福金用作舞剧《仙女》群舞场面的配乐。 乐曲的音乐情绪蓬勃振奋，充满了节日舞会的欢乐气氛。

乐曲采用的是复三部曲式结构，包括五个部分。

第一部分开始呈示的小引子用同音反复，具有很强的节奏性，仿佛号角齐鸣，使作品蒙上了一种辉煌的色彩。

接下来呈现的圆舞曲主题热情奔放，充满了生命活力，奠定了全曲的基调。

第二部分的主题转为降D大调，运用向上大跳的音程和导音式的半音上行等表现手法，使旋律舒展畅达，渲染了华丽明朗的色彩。

第三部分主题继续保持在降D大调上，并运用休止符，使活泼的旋律具有灵巧细腻的特点。

第四部分转为降G大调，主题中半音进行的音调甜美舒畅，旋律温柔抒情。

第五部分再现了第一部分，再次描绘了豪华的舞蹈场面。 之后乐曲重现了各主题的片断，最终在热烈欢快的气氛中结束。

(四)《升c小调幻想即兴曲》

《升c小调幻想即兴曲》是肖邦于1834年创作的，但直到肖邦死后才发表。即兴曲是一种没有明显特征的音乐体裁，多指中小型器乐独奏曲，形式简单自由。 肖邦的即兴曲多采用快—慢—快的三段式结构写成。

第一段为快板，情绪激动，旋律包括一连串的十六分音符。

第二段为中板，旋律流畅，充满对过去美好生活的回忆和对未来生活的憧憬。

第三段再现了第一段音乐，但是情绪较第一段更加激动。 最后，乐曲渐渐归于平静，结束在中间段落的优美主题中。

(五)《雨滴前奏曲》

《雨滴前奏曲》原名《降D大调前奏曲》，又称《前奏曲第十五首》，是肖邦于1838—1839年创作的，为其钢琴曲集《前奏曲二十四首》中的第十五首。

法国女作家乔治·桑曾在她的《回忆录》中描述肖邦当时的创作情况，其中提到他在一个凄苦孤独的雨夜写下了一首描写雨滴的忧郁的前奏曲。 因此很多人认为《降D大调前奏曲》即《雨滴前奏曲》，认为乔治·桑所指的就是本曲。实际上，《降D大调前奏曲》除了中段外，格调均明朗而抒情，并没有凄惨雨夜的特征。 实际上，乔治·桑书中所指的应为《b小调前奏曲》，而非本曲。

乐曲采用三部曲式结构，慢板。 伴奏声部不断重复的属音生动逼真地描绘了单调的雨滴声响。 在一连串雨声的衬托下，乐曲第一部分主题被呈现出来。这一纯净明朗、如同夜曲的旋律饱含着幻想的诗情。

乐曲中间部转为升c小调。 中间部主题由雨声节奏变化而成，阴郁沉重，具有悲凉的浪漫色彩。

这一旋律使人联想到吟唱圣歌的僧侣行列。 最后，第一部分的主题乐曲再现，在清新、宁静而充满幻想的气氛中结束了全曲。

四、小约翰·斯特劳斯

在西方音乐历史上，有两个著名的作曲家都叫约翰·斯特劳斯，其中之一是被称为“圆舞曲之父”的老约翰·斯特劳斯(1804—1849)，另外一个是老约翰·斯特劳斯的儿子，被称为“圆舞曲之王”的小约翰·斯特劳斯(1825—1899)。

虽然老约翰·斯特劳斯早已享有盛名，在作曲、指挥、演奏小提琴等方面都颇有建树，但是他并不希望自己的孩子子承父业，因为他深知作曲家的种种艰辛。 他希望小约翰·斯特劳斯去当银行职员。 但是小约翰·斯特劳斯在19岁时，就组建了一支乐队，与父亲的乐队竞争。 小约翰·斯特劳斯一生共创作了400多首圆舞曲、16部轻歌剧、100多首波尔卡及其他舞曲。 著名的圆舞曲《蓝色多瑙河》是小约翰·斯特劳斯的经典之作。

(一)《维也纳森林故事圆舞曲》

《维也纳森林故事圆舞曲》是小约翰·施特劳斯于1868年创作的，同年6月在维也纳新世纪舞蹈大厅首演即大获成功。 《维也纳森林故事圆舞曲》以维也纳近郊的森林为背景，描绘了美丽的森林景象和迷人的舞蹈场面。 乐曲包括序曲、五首小圆舞曲以及尾声几个部分。

序曲的速度缓慢，旋律自由，表现了清晨的乡村，薄雾逐渐散去，一派和谐宁静的场景。

紧接着，音乐渐渐加快，圆舞曲的节奏渐趋鲜明，并且运用了奥地利民间舞蹈形式。

第一圆舞曲包括两个部分。

第一部分的曲调虽然简单，旋律却极为优美。

第二部分速度加快，曲调轻松活泼，犹如人们在快乐地翩翩起舞。

第二圆舞曲继续采用奥地利民间舞蹈节奏，旋律流畅而活泼。

第三圆舞曲包括两个音乐主题。

第一主题充分运用休止符，使旋律显得徐缓而悠扬。

第二主题描绘了人们在森林中快乐舞蹈的场面。

第四圆舞曲包括两个部分。

第一部分的主题鲜明。

第二部分的音乐旋律极富动感。

第五圆舞曲是全曲的高潮。

尾声回到了维也纳森林中，最后在快速、热烈的乐声中结束了全曲。

(二)《蓝色多瑙河圆舞曲》

《蓝色多瑙河圆舞曲》是小约翰·施特劳斯于1867年创作的，被誉为奥地利的“第二国歌”。 《蓝色多瑙河圆舞曲》依照维也纳圆舞曲的形式，有序奏、五首小圆舞曲和尾声三大部分。

序奏包括两个段落。 一开始，小提琴用碎弓奏出轻弱的震音，听者仿佛看到了云雾缭绕、寂静安宁的多瑙河晨景。 在这一背景下，圆号用主和弦的分解和弦形式奏出了乐曲的主要音调。

柔和的上行旋律、慢慢增强的力度，让人联想到充满诗情画意的河岸晨景；第二段落的速度加快，出现了圆舞曲节奏，象征着多瑙河在朝晖的沐浴下开始了新的一天。

乐曲情绪越发活跃，依次引出了五个小圆舞曲。 每个小圆舞曲都有两个相互对比的主题旋律。

第一小圆舞曲采用单二部曲式结构。

A段旋律由序奏的主要音调组成，抒情明朗的上行旋律、轻松活泼的三拍子节奏以及和主旋律相呼应的欢快的顿音，使乐曲充满了勃勃生机，就像是多瑙河上弥漫着春天的迷人气息。 该旋律是全曲的灵魂所在，生动鲜明地反映了奥地利人乐观向上的精神。

B段由八分音符的顿音和八分休止符交替构成，旋律欢快跳跃，轻松活泼。

第二小圆舞曲采用单三部曲式结构。 A段的旋律先抑后扬，使乐曲充满活力，显得健美爽朗，具有明显的回旋感，仿佛起伏的波浪，层层推进。 B段运用了色彩性的转调，音乐随之变得柔和娴雅，委婉动听。

第三小圆舞曲采用单二部曲式结构。 A段，第一小提琴用连续不断的平行三度音程和华丽的波音演奏，呈现出了优美典雅、端庄稳重的特点。 B段旋律极富流动性，舒畅兴奋，描绘了狂欢的舞蹈场面。

第四小圆舞曲采用单二部曲式结构。 A段从分解和弦的上行旋律线开始，具有妩媚清丽、优美动人的特点。 B段注重舞蹈节奏，旋律兴奋活泼、热烈奔放，与A段相映成趣，形成对比。

第五小圆舞曲采用单二部曲式结构。 在一小段间奏之后出现了轻弱的A段，乐曲用第一小提琴和木管演奏，采用了大跳的音程，跌宕起伏，旋律柔美而温情。 B段与A段具有对比性，采用顿挫跳跃的节奏型，旋律炽烈欢腾，用乐队的全奏描绘热烈欢腾的舞蹈场面，将乐曲推向高潮。

尾声重现第三、第四和第一小圆舞曲之后，出现了序奏中多瑙河水波荡漾的美妙回声。 在清澄的色彩中，长笛颤动出跳跃的鸟语，使听者沉醉于田园诗境中。 就在这时候，一阵急风骤雨般的音流忽然汹涌而至。

乐器最后在狂欢的音乐气氛中结束。

(三)《闲聊波尔卡》

《闲聊波尔卡》创作于1859年，是小约翰·施特劳斯创作的上百首波尔卡舞曲中最有演出效果的一首，又名《叽叽喳喳波尔卡》。 《闲聊波尔卡》通过生动的音乐语言，非常形象地描绘了舞会上的妇女们交头接耳、指手画脚、叽叽喳喳闲聊的情景。

乐曲采用复三部曲式结构，速度较快。 在三小节带有波尔卡节奏的引子之后，跳跃欢快的主题A出现。 乐曲充分运用倚音、大跳及休止符，使这一主题具有轻巧诙谐的特点，生动逼真地表现了妇人们闲聊时面部多变的神态。

主题B旋律舒展自如，与主题A形成对比。

乐曲的中部用木管乐器主奏，力度不强，音调风趣幽默，仿佛妇人们在神秘地窃窃私语。

再现部之后的尾声部分，创作者运用一连串的十六分音符及倚音、波音、顿音等装饰音技巧，辅之以忽强忽弱、忽高忽低的对比手法，惟妙惟肖地刻画了妇人们说笑中的不同语态声调、语言的轻重缓急以及故作神秘的停顿等，将乐曲推至高潮。 最后，乐曲在欢快而幽默的气氛中结束。

(四)《春之声圆舞曲》

与其他维也纳圆舞曲不同，《春之声圆舞曲》并不是单纯的舞蹈伴奏乐曲，而带有较纯粹的表演性质，而且乐曲中的各个段落也没有像其他维也纳圆舞曲那样标上小圆舞曲的顺序号。 在八小节精力充沛的引子后，乐曲呈示出贯穿全曲的主题A。

这一华丽而敏捷的旋律洋溢着生气勃勃的活力。 随后出现的倚音式的旋法，将前半句向上旋转的音调和逐步稳定下来的后半句的半音进行音调组合成一个整体。

出现在主题A之后的五个主题也同样充满青春的气息，具有委婉动人的特点。 主题B柔和委婉。

主题C轻捷明快。

主题D清新流畅。

主题E的第一部分华丽欢欣。

主题E的第二部分温存亲切。

主题F柔美舒展。

最后，在尾声部分再现主题A，在充满动力的欢乐气氛中结束全曲。

五、李斯特

李斯特(1811—1866)出生于匈牙利，7岁开始学习弹钢琴。 1821年，在贵族的资助下，李斯特一家迁往维也纳。 很快，李斯特在维也纳便小有名气。 为寻求更大的发展，1823年，李斯特一家迁往法国巴黎。

1847年，李斯特与俄国卡罗琳·塞恩-魏特根施坦公主相爱。 公主为了追求自己理想中的爱情，毅然抛弃丈夫和两个孩子，与李斯特生活在一起，并双双来到魏玛。 但是，他们的爱情并不为外人理解和接受。 因为与公主的关系遭到了人们的非议，李斯特不得不在1861年来到了罗马，希望罗马教皇为他们赐婚，但遭到了拒绝。 受此影响，李斯特和公主从此心灰意冷，并日趋消极。 之后，李斯特开始沉迷于宗教。

1869年，李斯特复出，到各地演出、讲学，受到人们的热烈欢迎。 1875年，他开始担任匈牙利首都布达佩斯音乐学院院长。

1886年7月31日，李斯特因肺炎病逝。

李斯特一生所创作的作品中，较为著名的有13部交响诗、19首《匈牙利狂想曲》、两部交响曲、数量众多的钢琴作品以及若干宗教作品、声乐作品等。

(一)《匈牙利狂想曲》

李斯特一共创作了19首《匈牙利狂想曲》，本书介绍的是李斯特于1847年创作的第二首《匈牙利狂想曲》。 乐曲体裁是匈牙利民间舞曲“恰尔达什”。

乐曲一开始是一个徐缓沉重的引子，带有宣叙调的性质。 强奏的装饰音与浓重的和弦相应和，使乐曲显得威严而沉着。

之后，乐曲的第一主题出现。 其沉重的节奏和压抑的旋律表现了匈牙利人民对民族不幸的痛恨，也表现了他们不屈的民族斗志。

第一主题在高音区发展变化后，乐曲进入具有舞曲风格的中间段落，轻快活泼的舞曲与之前徐缓悲切的音调构成鲜明的对比。

舞曲主题经过变奏，气氛变得越来越热烈。

突然，曲调急转直下，徐缓沉重的主题再次出现。 在这一部分中，创作者运用幻想曲的写法，通过多种不同形象与色彩的音调的自由变换，描绘了一幅色彩绚丽的风俗画卷。

乐曲的第二部分是急速的舞曲。 它通过前一部分的舞曲主题变化发展而来，又像是第二部分的引子。

之后，乐曲速度越来越快，气氛也更为热烈。 当情绪发展到高潮时，出现了第二部分的基本主题。

这一感情炽热、极富感染力的主题贯穿整个第二部分，并以多种变奏形式出现，描绘了一幅幅色彩绚丽的舞蹈场面。 狂放的舞步、飞腾的旋律加上急速的节奏，表现了匈牙利人民豪放、乐观、热情的民族特质。

当乐曲发展至高潮时，突然安静下来，随后急转直下进入欢腾热烈的尾声。乐曲以八度连奏的技巧变化再现了舞曲主题，最终在振奋人心的狂热气氛中结束。

(二)《钟》

《钟》是李斯特在1834年根据帕格尼尼的小提琴曲《钟》改编创作的钢琴独奏曲，是李斯特献给钢琴家克拉拉·舒曼的钢琴曲集《帕格尼尼主题大练习曲》的第三首。 据说，1831年3月，李斯特在巴黎听了帕格尼尼的音乐会之后，对其精湛高超的创作和演奏技艺惊叹不已，决心要成为“钢琴上的帕格尼尼”。 之后，他创作了全名为《依据帕格尼尼的“钟”而作的华丽的大幻想曲》，《钟》即以该曲为基础而创作出来的。

在《钟》里，李斯特将小提琴令人眼花缭乱的演奏技巧转化为更加出神入化的钢琴演奏技巧，并将轻盈活泼的小提琴主题转移至钢琴上，以各种不同的织体和技巧在各个不同的音区做了形式多样的变奏。 在这首乐曲中，听者可以从钢琴演奏中听到模仿小提琴演奏技术的断奏、跳弓。 这种表现方式在钢琴演奏中非常新颖，可称得上是前所未有的，如同音上的轮指、长串的半音阶进行、单手带旋律声部的颤音、连续的八度进行和左手远距离的八度大跳等，在当时都是惊世骇俗的，超出一般钢琴演奏家的能力极限，令当时的听众叹为观止。 钢琴曲《钟》所描绘的钟声鲜明、逼真，特别是钢琴高音区的音响，是任何乐器也无法相比的。

乐曲采用的是三段式结构，因各个段落多次变化反复，所以具有变奏曲和回旋曲的特点。 乐曲一开始是简练的前奏，之后很快在高音区出现了“钟的主题”，钢琴高音区清脆悦耳的音色和泛音奏法形成短促有力的音响，组成了一连串生动逼真的小钟的鸣响。 因为钢琴高音区的音色比小提琴更易于模仿钟声，所以钟声的效果更加明显。 接下来的主题继续运用钢琴高音区的音色特点，描绘不同节奏的钟声。

前奏前面有两个小节，由左右手交替演奏，两个音之间相隔八至十六度，用于模拟钟声。 《钟》的速度很快，相隔十几度的跳跃演奏起来很困难，这首乐曲也正是通过这种音与音之间的跳跃来模拟钟声的。 创作者用变奏的手法淋漓尽致地发挥了华丽的演奏技巧，形象地模拟了不同节奏的钟声。

第一主题在高音钟声的持续中，升g小调，帕格尼尼主题在低一个八度的音域中轻快地呈现出来。

第二主题为B大调，这原是帕格尼尼回旋曲中的中间段主题，李斯特创造性地将小提琴的四度跳跃转变成两个八度的跳跃音程，形成全曲中最大的跳跃音程。

两个主题的交替变奏构成了几个高难度的段落。

乐曲最后在辉煌华丽的气氛中结束。

(三)《塔索》

《塔索》是李斯特为纪念歌德诞辰一百周年而专门创作的，首演于1894年8月28日歌德诞辰纪念会上。

托尔夸脱·塔索是意大利文艺复兴时期的伟大诗人，一生命运悲惨，一度因神经错乱而被幽禁多年，晚年在意大利四处流浪。

《塔索》的音乐主题取材于意大利威尼斯的船歌，并以塔索的著名诗歌《被解放了的耶路撒冷》的开头几行为歌词。

《塔索》用主题及变奏的形式，结合三部曲式原则创作而成。 首先，乐曲用低音弦乐器演奏出慢速的引子。

以三度下行为特点的音调从《威尼斯船歌》旋律的句尾转引而来，旋律抑郁悲壮。 这一《威尼斯船歌》的曲调作为主题呈示时，是用大提琴和单簧管演奏的，歌腔哀伤严肃，仿佛是一首葬礼进行曲。

接下来，主题如同一首夜曲，叙述塔索生前一些比较明朗的日子，又像是一首坚定而雄伟的进行曲，表现出诗人的崇高气质。 之后，双簧管再次演奏出引子的音调，音乐很快形成一个高潮，表现了诗人受到众人欢迎的热闹场面。 然后，乐曲转入篇幅很大的小步舞曲式段落，其旋律美妙，极富魅力。

这一段使人联想起诗人在费拉腊公国的宫廷舞会上受到优待的场景。 紧接着，之前哀伤的船歌和夜曲式的旋律相继再现。 悲剧性的引子音调再次呈现后，铜管乐奏出号召性的音响，弦乐齐奏出向上、奔腾的乐句，船歌的音乐主题转而充满胜利、欢乐、热烈的气氛，表现诗人塔索死后所获得的荣誉。

六、韦伯

韦伯(1786—1826)，德国著名作曲家，自小便随父母的剧团在各地旅行演出，很自然地熟悉了舞台艺术。之后，他开始学习钢琴和作曲，并开始研究民间艺术。韦伯以德国民间题材创作的歌剧《自由射手》(又名《魔弹射手》)极具民族特色，音乐接近德国民谣，配器充满浪漫色彩，被公认为德国第一部民族歌剧。 这部作品的问世改变了意大利歌剧长期统治德国舞台的局面。 韦伯还创作了大量管弦乐曲、钢琴曲，其中最为脍炙人口的是钢琴曲《邀舞》。 韦伯的作品充分体现了浪漫主义情怀。

《邀舞》是韦伯在32岁的时候创作送给自己新婚妻子的生日礼物，又名《华丽回旋曲》。 1821年6月25日，韦伯在一次音乐会上亲自公开演奏了这部作品。

《邀舞》生动地描绘了19世纪欧洲上流社会中绚丽多姿的舞会场面。 乐曲从大提琴的演奏开始，描绘了一位男士的形象。 之后便是一段对话，表现的是一位风度翩翩的绅士向一位贵妇人发出邀请。 这时，音乐在木管乐器的高音区出现，好像贵妇人在婉言谢绝。 大提琴和木管乐器互相呼应，构成问答关系。

但绅士再次发出了邀请，语言更加生动，二人的谈话逐渐热烈起来。 最后，这位贵妇人接受了绅士的邀请。 舞会开始。

整个乐曲采用回旋曲式结构，包括四段舞曲和尾声。

第一段主题热烈，从急速的快板开始，表现了舞会热烈的气氛，描绘了二人翩翩起舞的场景。

第二段旋律流畅优美，表现了两人轻盈婀娜的动人舞姿。

第三段音乐摇曳旋转、舞步轻盈，蜻蜓点水式的节奏中，仿佛映照出双方含情脉脉的眼神。

第四段转为小调，音乐愈发激烈奔放，和第一段构成鲜明的对比。

乐曲的尾声部分，绅士优雅地送贵妇人入座并致谢，乐曲在对话中结束，首尾呼应。

七、舒曼

舒曼(1810—1856)，德国著名音乐家，师从著名钢琴家维克(1785—1873)，得以结识日后成为他妻子的维克的女儿克拉拉。 为了成为一位钢琴家，舒曼采用了极端严厉的、过于机械的练习方法，不幸损伤了手指。 不得已，他只好将全部精力转移到作曲方面，最终取得了伟大的成就。 他在莱比锡创办了《新音乐杂志》，发表了不少文章，阐述自己对音乐的独特见解，向社会介绍一些年轻有为的音乐家。

舒曼创作的作品主要包括艺术歌曲《桃金娘》《妇女的爱情与生活》《诗人之恋》，钢琴小品《蝴蝶》《狂欢节》《童年情景》《大卫同盟舞曲》，合唱《曼弗雷德》《弥撒曲》《安魂曲》《浮士德中的场景》，清唱剧《天国与仙女》，四部交响曲、四部序曲以及若干协奏曲、三重奏、四重奏、五重奏、奏鸣曲等。

舒曼的钢琴套曲《童年情景》中共有13首乐曲，分别是《异国和异国的人民》《奇异的故事》《捉迷藏》《孩子的请求》《无比的幸福》《重大事件》《梦幻曲》《炉边》《竹马游戏》《过分认真》《惊吓》《孩子入睡》和《诗人的话》。 其中的第7首歌曲《梦幻曲》主题简洁，旋律优美浪漫，充满梦幻色彩，仿若将听者带入了一个轻盈缥缈的童话世界。

第一段的主题好像是在沉思。

在主题的基础上，中段不断变化发展，就像是变化无常的奇幻梦境。

主题再次出现在最后一段，乐曲在极富诗意的旋律中结束。

八、普契尼

普契尼(1858—1924)，意大利作曲家，生于卢卡，卒于布鲁塞尔。 由于亲人的期望和母亲的鼓励，他进入卢卡音乐学院师从作曲家安杰洛尼学习作曲，是“真实主义”歌剧流派的代表人物。

普契尼的代表作包括《蝴蝶夫人》《托斯卡》《艺术家的生涯》《图兰朵》等，其音乐优美流畅，极具演唱性，特别注重乐队的作用。

《晴朗的一天》是歌剧《蝴蝶夫人》中巧巧桑所演唱的咏叹调。

歌剧《蝴蝶夫人》根据约翰·路德·朗的同名小说改编而成，主要故事梗概为：天真纯洁的日本姑娘巧巧桑(即蝴蝶夫人)为了爱情，背弃了宗教信仰，嫁给了美国海军上尉平克尔顿。婚后不久，平克尔顿返回美国，三年杳无音信。但巧巧桑深信他会回来。 不幸的是，平克尔顿回国后背叛了巧巧桑，另娶了一位美国夫人。 当平克尔顿最后回到日本时，巧巧桑将孩子交给他后自尽而亡。这是一部抒情性的悲剧，通过一个纯真、美丽的姑娘的悲惨命运，对自私自利、损人利己的资产阶级世界观进行了批判。

据记载，《蝴蝶夫人》的首演变成了一场观众的闹剧，他们的嘲笑和嚎叫声常常淹没了音乐，一些人甚至大喝倒彩，咒骂普契尼，演出最后不得不中途停下来。 普契尼对此虽感伤心失望，但他并未失去信心，而是分析失败原因，对《蝴蝶夫人》进行了较大的删改，并于1904年5月在意大利的布雷西亚再次公演。这次公演获得了意想不到的空前成功，一举使《蝴蝶夫人》成为普契尼最受欢迎、最具代表性的作品。 《晴朗的一天》出现在歌剧第二幕中，采用的是ABA加尾声的结构。

乐曲在高音区开始，然后婉转地回答。 带有东方色彩的旋律生动地刻画了美丽痴情的巧巧桑站在山坡上，眺望大海，盼望着爱人平克尔顿平安归来的急切心情。

乐曲运用咏叹调与宣叙调相结合的手法，将蝴蝶夫人幻想平克尔顿平安归来、与他幸福相会的心情描绘得非常生动传神。 乐队在这里也起到了极好的烘托作用。 当唱到“谁来了……”时，乐曲采用宣叙调风格，惟妙惟肖地表现了东方少妇害羞自尊的神情。

之后，A段主题在高音区再次出现，乐声中充满了激情。 乐队以全奏的方式起烘托作用，将蝴蝶夫人盼望平克尔顿归来的激动心情表现得淋漓尽致。

乐曲尾声，在最高音上，蝴蝶夫人面对着大海，发出了“我永远等他”的痴情呐喊。

九、威尔第

威尔第(1813—1901)，意大利著名歌剧作曲家。 他出生于一个农民家庭。家境贫寒，后受到别人资助才开始学习音乐，报考米兰音乐学院。 虽然因为年龄太大而并没有成功进入音乐学院学习，但失败却激励了他的斗志。 之后，他努力地自学音乐，将唐尼采蒂的作品背熟，并且依靠抄谱来学习前辈作曲家的创作技巧，最终凭借歌剧《纳布柯》一举成名。 威尔第一生主要专注于歌剧创作，一共创作了26部歌剧。

歌剧《茶花女》是威尔第于1853年创作的，根据小仲马的同名小说改编而成。 歌剧描写了巴黎名妓薇奥莱塔与贵族青年阿尔弗雷多的爱情悲剧，无情地揭露和批判了上层社会伪善无耻的行径。 《茶花女》是欧洲歌剧中最受人们欢迎的剧目之一。

《饮酒歌》出现在《茶花女》第一幕中：女主人公久病初愈，在薇奥莱塔家里设宴招待宾客。 阿尔弗雷多心情激动，举杯祝贺，唱起了这首《饮酒歌》，为青春和美好的爱情干杯，并向女主人公表达自己的爱慕之情。 薇奥莱塔随之巧妙应答，众宾客亦随声附和，气氛十分热烈。

《饮酒歌》采用的单三部曲式结构，节奏轻快活泼，旋律热情奔放，具有圆舞曲的典型特点，洋溢着青春的活力。

这首歌反复演唱三遍，前两遍是男女主人公的二重唱，第三遍则是众宾客的合唱，最后在欢乐热烈的气氛中结束。

十、比才

比才(1838—1875)，法国作曲家，生于巴黎，世界上演率最高的歌剧《卡门》的作者，9岁入巴黎音乐学院师从阿列维学习作曲。1863年，比才的第一部歌剧《采珍珠者》问世，之后优秀作品不断出现，其中影响最大的当属戏剧配乐《阿莱城的姑娘》和歌剧《卡门》。《阿莱城的姑娘》后被改编为两套管弦乐组曲，得以闻名于世。 歌剧《卡门》以现实主义的手法，描写了社会底层普通平民的生活。 歌剧的音乐具有鲜明的民族色彩，生动的节奏、精致的旋律以及富有表现力的管弦乐，增强了歌剧的戏剧性。 《卡门》被誉为19世纪法国歌剧的最高成就。

歌剧《卡门》取材于梅里美的同名小说，共四幕，生动形象地塑造了热情泼辣、追求个性解放的吉普赛女郎卡门。 《卡门》中每个人物的音乐都各具特色，旋律美妙动人，具有强烈的戏剧性和浓郁的西班牙民族风格。

《卡门序曲》采用回旋曲式结构。

第一主题是第四幕斗牛士上场时的音乐，反复出现，情绪热烈、欢乐、明朗，营造了狂热的节日气氛。

第一插部活泼明朗，极富儿童情趣，是剧中斗牛士上场前儿童合唱的曲调。

第一主题再次出现后，第二插部得以呈现，乐曲亦由A大调转至F大调，旋律昂扬、节奏铿锵。 重复时，乐队提高八度演奏，生动地表现了斗牛士的威风凛凛。

第二插部结束后，第一主题再次出现，最后在欢快热烈的气氛中结束全曲。

作为独立的音乐会曲目演奏时，《卡门序曲》一般在此结束。 但在完整的歌剧里，还有一段速度较慢、带有不祥气氛的主题，预示着歌剧的悲剧性结局。

十一、勃拉姆斯

勃拉姆斯(1833—1897)，德国著名作曲家。 他在很年轻的时候就已经创作了很多优秀作品，备受舒曼赏识，与舒曼夫妇结下了深厚的友谊。 1853年，舒曼在其主编的《新音乐杂志》上发表《新的道路》一文，极力向人们介绍和推荐当时还默默无闻的勃拉姆斯。 而舒曼的夫人克拉拉在舒曼逝世后，继续鼓励和支持勃拉姆斯，成为其创作的重要精神支柱。 勃拉姆斯创作的作品主要包括4首交响曲、4首协奏曲、2首序曲，以及部分弦乐四重奏和匈牙利舞曲等。

《摇篮曲》是勃拉姆斯的代表性作品，在世界上广泛流传，如一首脍炙人口的民谣一样深入人心，是摇篮曲中最为出色的作品之一。 这首《摇篮曲》带有明显的民歌风格，旋律优美动听，和声清晰，曲式简洁，营造出一种安静而祥和的氛围，真切地表达了母亲对孩子无尽的、深情的爱。

《摇篮曲》是勃拉姆斯于1868年创作的，据说这首感情真挚的摇篮曲是勃拉姆斯为了给法柏夫人次子的诞生表示庆贺，而为法柏夫人特意创作的。 法柏夫人是维也纳著名的歌唱家。 1859年勃拉姆斯在汉堡时，曾听过她演唱一首鲍曼的圆舞曲。 当时的勃拉姆斯为其优美的歌声所深深打动，所以在创作这首《摇篮曲》时，就借用那首圆舞曲的曲调，加上切分音的变化作为伴奏，描绘了母亲轻拍着宝宝入睡的情景。 其恬静、优美的旋律堪比一首深情迷人的抒情诗。

乐曲为降E大调，采用的是典型的分节歌形式和四句式乐段结构。 歌词营造了一种安静、甜美的氛围。 创作者使旋律和歌词完美地结合在一起。 乐曲的前两句较为平淡、安逸，好像要将人们带入梦幻般的世界，第三句将全曲推至高潮。 最后，乐曲在安静的氛围中结束，孩子也已逐渐进入甜蜜的梦乡。

《摇篮曲》中那摇摆的韵律、徐缓的旋律，再加上装饰音的运用，表现出母亲那充满无限温存的柔情，描绘出一幅慈祥的母亲对孩子万般呵护的动人画面，讴歌了人类最崇高的情感——母亲对孩子无私的爱。

十二、瓦格纳

理查德·瓦格纳(1813—1883)，德国作曲家、指挥家、剧作家、诗人。 可以说，在19世纪下半叶和20世纪初，瓦格纳影响了整个欧洲音乐。 除此以外，瓦格纳对19世纪的文学、戏剧，甚至政治、道德观等，均产生了极为重要的影响。

《婚礼进行曲》是瓦格纳所有作品中最具抒情性、最为大众所欢迎和熟悉的作品，这首作品因经常被用作婚礼音乐而得名。

《婚礼进行曲》出自瓦格纳的歌剧《罗恩格林》。 《罗恩格林》取材于一部古代史诗，其主要故事情节为：来自天国的圣杯武士罗恩格林英勇善战，他帮助人间的艾尔莎公主将企图篡夺王位继承权的仇人杀死，同时也使公主的弟弟摆脱了魔法的束缚。 罗恩格林与艾尔莎公主深深相爱，结为夫妻。 但是，罗恩格林毕竟是一名天国的圣杯武士，他无法将自己的姓名和来历告诉自己的爱人。 单纯痴情的艾尔莎公主在仇人的怂恿下，无法控制自己内心强烈的好奇心，背叛了曾经信誓旦旦的誓言。 最后，罗恩格林只得重返天国，而无辜的艾尔莎公主在最后离别的一刻来临时，唯有含泪目送爱人徐徐升天。

《婚礼进行曲》出现在歌剧的第三幕中，是一段混声四部合唱曲。 新婚夫妇即将步入洞房，一群老妇人簇拥着艾尔莎公主前行，而国王和众大臣则引导着圣杯武士罗恩格林。 此时，音乐响起，开始是乐队平缓的序奏，之后庄严的合唱也加入进来。 乐队一直用极富歌唱性的音型附和着连绵不绝的合唱声部。

乐曲的终止非常巧妙，旋律徐缓悠扬，好像期待中的幸福随着缥缈的乐音将永远陪伴着一对有情人。 乐曲优雅浪漫，庄严而又不失气魄。 可能正是因为《婚礼进行曲》音乐本身的浪漫和庄重，所以现在很多婚礼都在新人双双步入结婚殿堂以及婚礼进行中演奏或者播放瓦格纳的这首歌曲。

《婚礼进行曲》包括三个主题。 第一主题从辉煌的号角开始，旋律热烈隆重。

第二主题的气氛依然热烈。 中段的旋律柔美甜蜜，给人以幸福感。 第二主体的最后再现了第一部分的两个主题，发展到乐曲的尾声。

瓦格纳的《婚礼进行曲》已成为世界性的婚礼仪典进行曲，与门德尔松的《婚礼进行曲》齐名，常在婚礼上一并使用。