同浪漫主义诗歌、绘画一样，浪漫主义音乐侧重于作曲家主观的生活体验、内在心灵世界的描绘，强调个性与个人情感的表现，追求富于幻想的、鲜明的音乐色彩。他们喜欢传奇性、虚构性的题材和音乐形象来体现作曲家的艺术理想和生活愿望。大自然的景色和魅力，是他们经常获得创作灵感的源泉之一，带给他们丰富的艺术想象。触景生情或借景抒情，是他们的创作特点之一。

浪漫主义音乐和古典音乐传统有着体裁形式、作曲技法的继承关系，仍保持主调和声风格的创作原则，沿用各种定型的曲式结构与表现手法，但作曲家们突破古典乐派拘泥于形式的束缚，大大地丰富题材的表现内容，旋法、节奏、和声、复调和配器手法都有很大的发展。舒伯特、舒曼、勃拉姆斯和奥地利作曲家胡戈·沃尔夫（Hugf Wolf，1890～1903）的艺术歌曲及声乐套曲；门德尔松、舒曼、柏辽兹和李斯特等的标题交响曲、交响诗、音乐会序曲以及标题性的随想曲、狂想曲、器乐小品集和小品套曲；肖邦富于浪漫色彩的波兰舞曲、玛祖卡舞曲、圆舞曲、夜曲、叙事曲、前奏曲、谐谑曲和奏鸣曲等钢琴作品；帕格尼尼具有标题性的小提琴随想曲和变奏曲；韦伯、罗西尼、梅耶贝尔和瓦格纳不同类型的歌剧；勃拉姆斯、布鲁克纳、马勒、理查·施特劳斯和拉赫曼尼诺夫的抒情性、悲剧性或带有宗教色彩的交响曲及管弦乐作品。他们都从各种不同的音乐体裁形式方面呈现出19世纪欧洲浪漫主义音乐的风格特征。

随着资本主义生产的发展、工业革命的推动，各种乐器制造工艺技术有了不断的改进，大量生产出廉价的、演奏技法灵活的弦乐器和管乐器，而且各种乐器制作日趋精致，特别是木管乐器安进手键装置，铜管乐器加上活塞，演奏运用更灵活，使表现力与音色更丰富起来。欧洲各国大城市普遍建立公开售票的音乐厅（Concert Halls，专门举行音乐会的场所），管弦乐队（Orchestra）相继变成固定的职业性的组织，规模扩大，表现力提高。管弦乐的写法技术（Orchestration，即配器法）在音乐创作中占据着重要的位置，为作曲家们提供更加丰富多彩而变化多样的音响表现手段，可以用来表现各种情感和气氛，描绘具有艺术想象和魅力的音乐形象、意境。

这时期，钢琴的制造有很大的改进，采用铸铁的音板结构和更粗而结实的琴弦，使琴的音色更浓厚而辉煌，具有独奏乐器丰富的表现性能。特别是钢琴加上踏板装置（Pedal），使琴弦相互之间发生共鸣，产生一种和声混合色彩感的音响效果，开拓作曲家们的音乐想象力和创作灵感。肖邦、舒曼和李斯特等，在钢琴踏板的运用上开辟了前所未有的表现领域，促进了钢琴音乐新技巧的发展。

同时，欧洲主要的城市先后建立音乐院校或在大学里开设音乐专业课程，使中产阶级、平民阶层的子女有更广泛的学习音乐的机会，培养出更多、更好的音乐家，涌现出不少具有高度技巧和艺术修养的演奏家、歌唱家、作曲家。在浪漫主义思潮影响下，有相当多的作曲家在他们的作品里采用自由展开而舒畅的抒情旋律和具有强弱拍变化的丰富节奏，不拘于调性功能体系的不协和音的变化和声，富于感情色彩和音色变化的配器手法，着意于表现作曲家本人难以抑制的激情或主观意念的自我体验，描绘出渴望、思慕、向往、痛楚、孤寂的主观感受的精神状态。这种重情的音乐风格正是浪漫主义“情感论”美学在音乐领域的反映。

在浪漫主义音乐作品中，艺术歌曲和钢琴音乐小品是最具有抒情风格吸引力的两种表现形式，既适合于音乐家在音乐厅或文艺沙龙演出，又适合于业余音乐爱好者在家庭里自己演唱、演奏，是拥有钢琴的上层市民阶层、中产阶级家庭里最普及的两种音乐体裁形式。