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对于一部微电影来说，对白场景无法避免。如何导好对白戏将是导演需要面临的一项基本工作。通常来讲，拍摄一场对白戏需要考虑的方面包括：演员数量、演员位置、演员动作、演员视线以及摄像机调度等。如果换成提问的方式，这些内容将变成：

完成这场对白演员需要几个？两个？三个？还是多个？

他们在说话时所处的位置如何？

他们是以何种方式在说？站着？坐着？走着？还是边跑边说？

他们的语气怎么样？情绪怎么样？会做什么手势或动作？

他们的眼睛看向哪里？视线在什么时候相交？

谁处于强势？谁处于弱势？他们之间的关系如何变化？

这些统统都是导演需要考虑的问题。有的对白戏显得干巴巴的，枯燥、冗长；有的则显得跌宕起伏、张弛有度，让人不自觉陷入影片的情境当中。所以对白绝对不是简单地把台词念完就行，这里面有着非常丰富的变化。如果不落实到具体的例子上，我们很难回答类似“如何将一场对白拍得精彩绝伦”这样的问题。如果非要回答，大概也只好说“具体情况具体对待”了。

为了提供可行的操作理念，只能另辟蹊径，转而回答这样的问题：“拍摄对白的常见手段有哪些？它们的特点和表现力如何？”。我们把这些手段或者技巧总结出来，至于怎么用它们，就看导演随机应变了。

眼睛是心灵的窗户。处理对白戏的时候，演员的眼神非常重要。它可以实时反应出角色在谈话时的心理变化，也可以表现出人物关系的演变，还可以与观众形成交流感。

视线认同说的是这样一个规律：人与人之间交流时，与对方视线交汇的面积越大，对对方的认同感就越强；反之，则认同感越弱。这个规律既适用于角色与角色之间，也适用于角色与观众之间。如果几个角色之间关系比较亲密，他们在谈话时往往会互相看着对方；如果角色之间存在着隔阂，他们的目光不会产生交集。根据这一原则，聪明的导演总是会利用演员视线的转变来给对白场景增添信息量，同时也能够适时地展现人物之间的关系。

当然，拍摄时除了考虑人物角色之间的关系，还要考虑观众与角色的关系。如何让观众在这场戏认同角色A的情绪而在另一场戏认同角色B的情绪？除了剧本本身的内容外，一个非常实用的小技巧就是调度演员视线。原则与上面讲的相同——演员表演时越面向观众（即摄像机镜头），越能打动观众，让他们产生喜爱、疼惜、痛恨等复杂情绪。一个演员的背影、1/4侧脸、侧脸、3/4侧脸和正面所带给观众的心理刺激有着微妙的差别。

富有戏剧性的对话一定不是平淡无奇的。角色与角色之间的势能要此消彼长，可能前半段A更强势，占主导地位，经过一个节点之后变成了B更强势，A处于劣势。“不是东风压倒西风，就是西风压倒东风”，即便最没有冲突的拉家常式的对白，也要注意角色的主次，这样才能让人物的对白变得更具戏剧张力。

日常生活中，人们谈话时会附加很多动作。在电影中，这些动作就是对白戏的细节。如果两个人一直在对白，时间久了容易让观众产生视听疲劳，觉得这场戏特别“干”，缺乏韵味。适当地给演员设计一点动作细节，对于对白来讲既是必要的补充，也是很好的缓冲。

（4）停顿和节奏

停顿可以是双方一段时间的静默，也可以是一个事件将对话打断，还可以是后期剪辑时特意制作的一个升格的表情。如果是一段较长的对白，那么，在此处应用一下停顿的技巧就十分必要了。

这里专门提及“停顿”，是为了强调节奏对于对白场景的重要性。不像动作戏或者激情戏，对白戏的绝大多数信息是要通过语言来传达，这就非常容易造成观众的心理疲劳。这时候，如何控制节奏，让一场对白变得张弛有度，显得十分重要。

了解了这些观念上的东西，下一步就是拍摄。对于对白戏，好莱坞有着非常成熟的拍摄手法，就是人们常说的“三镜头法”，或者说“正反打”。这种拍摄方法会有三个常见机位（以两人对白为例），分别是1号、2号和3号。1号机位拍摄两人对话的全景或中间镜头，2号和3号机位分别拍摄各自的人物。根据机位和取景的差异，2号机位和3号机位又有两种不同的拍法，分为外反角（图2-4）和内反角（图2-5）。外反角用来拍摄人物的过肩镜头，而内反角则用来拍摄单人镜头。

大量的实践证明，这种对称式的拍摄方法调度起来很简单，效果不错，可以很好地展现一场对白的进度和细节，因此绝大多数电视剧人物的对白都采取该方式拍摄。有人批评正反打，认为是陈旧的工业化生产的拍摄方式，也有人从视听语言的角度评判它，认为对话双方都被2号、3号机位的镜头“分割”开来，不像双人镜头那样，可以在同一个空间实时看到人物对话的反应。

有意思的是，对正反打的这些争议似乎从没有影响对它的使用。原因很简单，“武术没有高低之分，人有强弱之别”——在创作领域，形式从来没有对错好坏，关键在于使用它的人。

主镜头的概念在之前有过提及，其实就是1号机位拍摄的镜头。

在实际拍摄过程中，时常听见导演或摄影指导这样说：“这个镜头请带一下某某某的关系”，或者“拍的时候带着那把枪的关系”。他们这里所说的“带关系”，就是指关系镜头。

关系镜头，顾名思义是表现某种关系的镜头，这包括演员与演员的关系以及演员与道具的关系。最常见的关系镜头是过肩镜头和过腰镜头——以一个人物的肩部（腰部）为前景拍摄对面的另一个人物。使用正反打系统时，外反角机位拍摄的镜头，通常都是关系镜头。

理解关系镜头的含义并不难，关键在于，关系镜头的特点如何？什么时候该“带关系”，什么时候又该“不带关系”？总体来讲，关系镜头可以在以下情况下使用：

①交代位置关系；

②表现人际关系：对立、亲密、轻松、紧张等；

③强调一个人物对另一个人物的重要性或依赖性；

④强调某一物品对人物的重要性；

⑤强调人物所处环境。

单人镜头通常是近景或特写，镜头中除了人物就是背景，不存在其他人物和道具。单人镜头看上去十分干净，而且通常没有空间的概念。人们无法通过一个单人镜头判断人物的位置、距离和所在的环境。从这个角度讲，单人镜头会将人物“孤立”起来。针对这些特点，单人镜头的作用如下：

①强调人物对外界刺激的反应；

②突出人物对自己内心的关注；

③孤立人物，暗示人物之间关系不和谐。

对主镜头、关系镜头和单人镜头的表现特点及作用有了一定了解之后，在设计对白戏镜头时，会更加有针对性，也能更好把握对白的节奏。

跟踪和追逐是最具戏剧性的电影情节之一。电影史上有很多被人津津乐道的跟踪段落（比如《法国贩毒网》里警探跟踪毒枭的段落），因此很多故事片导演乐于设计一些跟踪或追逐戏。在设计跟踪镜头之前，先得理清跟踪的细节，需要思考以下问题：

③采用哪种方式跟踪？步行、乘车还是其他？

④当事人会不会发现跟踪者？

⑥发现之后当事双方的反应如何？

⑦从头到尾观众知道些什么？

来看看《法国贩毒网》一段跟踪戏是如何解决这几个问题的。这一段落从法国毒枭走出酒店大门开始到毒枭乘上地铁甩掉警探结束，总共历时7分钟（表2-2）。

通过这样简单的梳理，不难发现，《法国贩毒网》中的这段著名的跟踪戏处理得非常细腻，情节张弛有度扣人心弦。理清的细节包括：

①在哪跟踪——街道、地铁站；

②谁跟踪谁——警探跟踪毒枭；

③采用哪种方式跟踪——步行；

④当事人会不会发现跟踪者——会；

⑤何时发现——可能在一开始，也可能是中途某个时间点；

⑥发现之后双方的反应——毒枭非常冷静，利用地铁甩掉了警探；

⑦从头到尾观众知道些什么——一开始观众不知道毒枭有没有发现警探，直到毒枭在地铁站反复试探警探，观众才逐渐确定毒枭发现自己被人跟踪。

在这几个问题设定的框架下，《法国贩毒网》充分调动观众的好奇心理，整个跟踪过程观众的心始终悬在半空：警探会不会跟丢？会不会被毒枭发现？最后的结局如何？可以说，这是一场非常精彩的跟踪戏，值得我们去推敲和学习。把这些问题想清楚之后，可以开始设计镜头（最好是先看景）。最简单的跟踪（或追逐）是一跟一，一个人跟踪另外一个人。当然也有一个人跟踪多个人，或多个人跟踪一个人的情况。不管哪种，一跟一都是基础，把这个搞懂，才能去设计更复杂的情况。在这里，我们把需要拍摄的镜头进行分类如下：

（1）跟踪者镜头拍摄跟踪者的行为和动作，时常使用背影镜头或特写镜头，以保持神秘感。

（2）被跟踪者镜头拍摄被跟踪者的行为和动作，时常使用“偷窥式”的视角进行拍摄。

（3）两人关系镜头关系镜头的作用是展现两个人之间的位置关系——跟踪者与被跟踪者距离多远。拍摄关系镜头时，通常使用俯拍的大全景，或者使用甩镜头。

（4）主观镜头模拟跟踪者和被跟踪者的主观视角，增强跟踪的气氛。

（5）空镜头根据剧情设定，拍摄一些环境的空镜头，以备剪辑需要。

在正式拍摄前，可以根据这五类镜头对故事板的分镜做一个梳理，并逐一拍摄，这样在片场就会条理清晰，提高拍摄效率。在拍摄时，除了要关注演员的表演和调度，还要注意跟踪的方向，确保前后镜头里的运动方向是清晰的。如果要改变跟踪方向，那么就需要及时采取措施，拍摄相应的越轴镜头。