这个问题涉及艺术品的价值评定。尽管艺术品的形式和内容千差万别，但由于本质(反映事物的主要特征或取决于中心人物)相同，就可以有共同的价值评判尺度。作者主要考察的是文学和造型艺术(绘画和雕塑)，并认为该原则适用于其他艺术品。他认为，艺术品的价值由它所反映的特征的重要程度、有益程度和集中程度决定。

我们可以换个角度来理解这个问题。既然艺术品反映事物的主要特征，而这个主要特征集中体现在中心人物身上。那么艺术品就可以和人建立起直接的联系，艺术品的价值就体现在人身上。换句话说，艺术品所表现的中心人物决定了它的价值。另一方面，作者将精神的等级定为文学作品的价值尺度，将肉体的等级定为造型艺术的价值尺度。而人是精神和肉体的统一体。所以，我们完全可以直接从人的角度去评价艺术品。

对于“特征的重要程度、有益程度、集中程度”这三个标准，我们可以更直观地用“真、善、美”加以理解。理由在于:(1)特征的重要程度是相对于其他特征而言;在同一事物的各个特征中，最重的特征就是事物的本质;艺术品的目的就是要突出这个最显著的特征，把握其本质，即最“真”实深刻的部分。(2)特征的有益程度是相对于特征本身而言，即特征是否有助于具备该特征的人或集团的生存和发展;有益于团体是利他行为，是“善”。(3)艺术品是由各要素组成的总体;通过对各要素的配置，艺术家对现实模型进行理想加工，以求将事物的重要和有益的特征表现得越明显越好，达到效果的集中;作品以此实现了现实与理想、作品自身各要素间的和谐，完成了“美”的升华。

这样，艺术品的价值等级就相当于中心人物的价值等级，就体现在中心人物的真、善、美方面，而中心人物是特定历史时期和社会群体的代表。中心人物的重要性是由他的代表性的普遍程度决定的，即在时间上所能代表的时期越长就越重要，在空间上所能代表的人越多就越重要，塑造他的作品也就越重要。中心人物的有益程度取决于道德上是否善良，这种善良影响的时间越长，惠及的人越多，塑造他的作品的价值就越高。作品的集中程度由自身各要素的配置而定，烘托中心人物的手法越娴熟，反映得越深刻，作品就越完美。这三个方面是紧密联系，缺一不可的:因为善，中心人物才能流传久远，才具有代表性，也就是最真实最深刻的;如果不是真实深刻和善良的人物，作品运用的手法再高明，也不具有多大价值;同时，真实深刻和善良的人物还必须借助艺术手段实现升华，即需要作品各要素的和谐完美。“真”体现了作品的历史价值，“善”体现了作品的思想价值，“美”体现了作品的观赏价值。由此，我们就能比较直观地深入评判艺术品的价值了。以文学和造型艺术为例:

文学作品的价值

文学作品的历史价值　价值最低的是表现肤浅特征的作品，如流行一时的文学，和时行特征一样持续三四年;歌曲、闹剧、小册子和短篇小说等可能仅持续一年;它所表现的是那种短时期的感情，只要风气稍有变动就会消失。价值更高一级的是一些略为经久的作品，如风行一世的作品，被当时的一代人视为杰作，但因为浮夸与做作而被后世遗忘，18至19世纪的法国诗人埃斯梅纳尔的作品就是如此。杰出作品的价值在于抓住了经久而深刻的特征，如表现了一个历史时期的主要性格，或者一个民族的原始的本能与才具，或者普遍的人性中的某个片段和一些单纯的心理作用。如《神曲》与《浮士德》是欧洲史上两个重要历史时期的缩影，一个诠释了中世纪的人生观，一个剖析了近代工业社会的人生观。又如笛福的《鲁宾逊飘流记》的主人公是个十足地道的英国人，浑身的民族本能可以在后世的英国水手和垦荒者身上发现:性格坚强，固执，有耐性，不怕劳苦，天生爱工作，能够到各个大陆上去垦荒和殖民，而且还代表人在脱离文明社会后所能受到的最大的考验。一部分作品还表现了几乎为人类各个集团所共有的感情与典型，例如《诗篇》、《仿效基督》、《柏拉图对话集》和《荷马史诗》。对于这些最伟大的作品，丹纳认为:“它们超出时间与空间的界限;无论在什么地方，只要有一个会思想的头脑，就会了解这一类作品;它们的通俗性是不可摧毁的，存在的时期是无限的。”

文学作品的思想价值　在最低的等级上是写实派文学与喜剧特别爱好的典型，一般是狭隘、平凡、愚蠢、自私、懦弱和庸俗的人物。亨利·莫尼耶的《布尔乔亚生活杂景》中汇聚了这些人物。此外，杰出作家因为写实和创造烘托效果的需要，也会刻画这一类人物，如塞万提斯的《堂·吉诃德》，巴尔扎克的《欧也尼·葛朗台》，福楼拜的《包法利夫人》中就有这类人物。但这些狠琐残缺的心灵终究会给读者带来疲倦、厌恶，甚至气恼与凄惨的感觉。如果对这种人物着墨过多，作品就会不受欢迎，亨利·莫尼耶的描写就令人生厌。在这一个等级之上的是一批坚强而不健全，精神不平衡的人物。莎士比亚塑造的高利奥朗、霹雳火、哈姆莱特、李尔王、麦克白、奥赛罗、安东尼、罗密欧和朱丽叶都是最悲壮最纯粹的人物，巴尔扎克作品中的于洛、格拉埃斯、高里奥、邦斯、路易·朗倍、葛朗台、高勃萨克、沙拉齐纳和甘巴拉，也属于这一类。这两位大师对人性的剖析很深刻，但由于对苦难和罪恶书写得太多，未免过于消极。再往上一级就是具有崇高情感和美丽心灵的完美人物。如莎士比亚和他同时的作家，创造过不少纯洁、慈爱、贤德和体贴的女性形象;巴尔扎克的作品中的玛葛丽德·格拉埃斯、欧也妮·葛朗台、特·埃斯巴侯爵和乡下医生，便是这一类的模范。但真正理想的人物要追溯到远古时代，那是史诗中的英雄:德国《尼伯龙根之歌》中的齐格弗里德，法国《纪功诗歌》中的洛朗，西班牙《歌谣集》中的熙德，伊朗《列王纪》中的洛斯当，阿拉伯的安塔拉，希腊的尤利斯和阿喀琉斯。比这个更高的是先知、救主和神明;描写这等人物的作品在希腊是荷马的诗篇，在印度是吠陀颂歌，古代史诗和佛教传说，在犹太和基督教中是《诗篇》、《福音书》、《启示录》、《圣方济各的小花》和《仿效基督》。

文学作品的观赏价值　文学作品的要素包括人物、情节和风格等。在文学的草创时期，尽管作家有的是灵感，但由于欠缺技巧，表现效果很差。中世纪初期的法国文学就是这样:当时的诗歌，如《罗兰之歌》、《勒诺·特·蒙朵旁》、《丹麦人奥伊埃》等，表现的是波澜壮阔的历史，但叙述枯燥，不会用韵，不会控制题材，不懂得删节，不会准备场面，加强效果等等，艺术成就远逊于《荷马史诗》。在文学的衰微时期，作家由于墨守成规，过于注重技巧，缺少创作灵感，也没有取得良好的艺术效果。欧里庇得斯时代的希腊戏剧，伏尔泰时代的法国戏剧，便是这个情形。形式和从前一样，但精神变了。在他们笔下，作品的各种要素不再向同一个效果集中。人物介乎两个角色之间，没有确定的性格，被塑造成双重面目，纯粹是拼凑起来的。在文学的繁荣时期，人物、风格、情节，三者保持平衡，非常和谐。索福克勒斯或埃斯库罗斯时代的希腊悲剧，有着充沛的感情，表现出了传说中的英雄与神明的庄严伟大，人的遭遇由主宰人生的宿命和保障社会生活的正义支配;遣词用句恰到好处。在拉辛的作品中，巧妙的雄辩，精纯高雅的台词，周密的布局，处理恰当的结尾，舞台上的体统，公侯贵族的礼貌，宫廷和客厅中的规矩和风雅，都互相配合，趋于一致。

造型艺术品的价值

丹纳认为，造型艺术(绘画和雕塑)的价值等级相当于人的肉体的等级。为什么造型艺术的等级不像文学作品那样，依照精神的等级而定，却要诉之于和精神联系较小的肉体器官呢?真、善、美的审美标准似乎并不适用于造型艺术。其实，作者并不排斥精神在肉体上的反映。他引用并赞同亚里士多德的话:“一个无论如何完美的身体，必须有完美的灵魂才算完备。”在列举肉体有益的特征时，他认为，除了肉体的健康、体格的完整和完美之外，还要“加上心灵，就是意志，聪明与感情”。作者不止一次地慨叹希腊雕塑“超越凡人的那种不朽的恬静”。他反对的是表现衣着、夸张的表情和病态的肉体的作品，因为那是肤浅和低俗的。作者推崇的是一种精神气质，非视觉所能直接感受到的，需要思想上的升华才能加以理解。这点类似于我国的山水画，画家有时仅凭黑白两色就能表现出“以山为德，以水为性”的意境，寓情于山水，实现天人合一。希腊雕塑通常只有一个色调，青铜或云石的颜色;雕像的眼睛没有眼珠;但正是色调的单纯和表情的淡薄构成了“高贵的单纯，静穆的伟大”。尽管前者描绘自然景观，后者塑造人，但都表达了人类的一种最崇高的思想境界。人的生理结构随着时间产生的变化不大，健康完美的肉体是一个固定的标准;而肉体所展现的气质是永恒的美，不随时间的流逝而泯灭。造型艺术所表现的是一般的人而非某一个人，它的价值在于肉体和精神的完美结合。这样，造型艺术的历史价值和思想价值就实现了统一，即肉体与气质的统一，真与善的统一。它只有一个唯一和最高的标准，造型艺术品的等级是和这个标准对比得出的，而不用像文学作品那样再划分出层次分明的历史和思想价值等级。

垂死的高卢人

造型艺术品的历史和思想价值。在最低的一级上是扭曲肉体和心灵的作品。如罗马帝国后期的雕塑，已经丧失了清明恬静与庄严高贵的气，尽显懊丧、迷惘与疲倦的神气;各个部分的器官凸显病态，代替了和谐的健康与活跃的精力。比这个更高一级的是气概不凡的形象，精力与体格完全发展的人，这样的人物见之于安特卫普派画家的作品。如在鲁本斯笔下，殉道者是雄赳赳的巨人和勇猛的角斗家，圣女的胸部像田野女神，腰身像酒神的女祭司。但其中还是肉欲占据优势，人还只顾到满足肚子，满足感官的庸俗生活，谈不上庄严高雅。最高的典型是一种既有完美的肉体，又有高尚的精神的人。例如巴尔托洛梅奥的《圣文桑》，安德烈亚·德尔·萨尔托的《圣母》，拉斐尔的《雅典学派》，米开朗琪罗的梅迪契墓的雕像和西斯廷的天顶画:那些作品上的人物非但康强壮健，经得起人生的打击;非但社会的成规和周围的冲突无法束缚他们，玷污他们;非但结构的节奏和姿态的自由表现出一切行为与动作的能力;而且他们的头、脸、整个形体，不仅是表达意志的坚强卓越，像米开朗琪罗的作品;更是表达心灵的柔和与永恒的和平，像拉斐尔的作品;或者说是表达智慧的超越与精微玄妙，像莱奥纳多的作品。可是无论在哪一个画家笔下，细腻的表情并不和裸露的肉体或完美的四肢对立，思想与器官也不占据太重要的地位而妨碍各种力量的高度协作，使人脱离理想的天地。尽管如此，造型艺术的巅峰之作不在意大利，而在雅典。从古代残迹中留下来的几个雕像，米洛岛上的维纳斯，帕特侬神庙上的石像，卢多维齐别墅中的于农的头，给人们展示了一个更高级更纯粹的种族。这些作品在清明恬静中更豪迈更庄严，动作更单纯更洒脱，各方面的完美显得更自然。与之相比，拉斐尔人物的柔和往往近于甜俗，体格有时显得笨重;米开朗琪罗的人物隆起的肌肉和剑拔弩张的力量，把内心的悲情表现得太明显。文艺复兴时期的艺术家正是将希腊雕塑奉为典范的。

造型艺术的观赏价值。造型艺术的要素包括肉体、线条和色彩。在意大利绘画的初创时期，对肉体的认识还受到技术条件和宗教传统的限制，没有用到绘画的主要元素。稍后，研究过解剖学的金银匠兼做了画家，画出了肉体的大致形态，但还不懂得线条、比例和色彩的运用，不能把现实的肉体化为美丽的肉体。这些技巧直到15世纪末才被掌握。在绘画衰微的时候，艺术家丧失了灵感，反而成为技巧的俘虏。如卡拉齐三兄弟徒然采取各派的特长，创造出的是些不伦不类的作品。他们缺乏将作品构成一个整体的独特感觉。他们东拼西凑，把不可能合在一处的效果汇合在一件作品之上。阿尼巴·卡拉齐和圭多的作品中的人物都是多个角色的拼凑，由于失真而成为失败的作品。在那时，许多画呈现出的面部表情多与身体的表情相抵触，如紧张的肌肉和强壮的身体配上安静和虔诚的表情，让人难以捉摸。在绘画的繁荣时期，作家不仅技艺高超，又有特别细腻的感觉，对各种手法运用自如，却又总能保持效果的统一。在达·芬奇的作品中，一方面是风流典雅的人物，带着不可捉摸的笑容，面部表情很深刻，心情幽怨而高傲，或是极其灵秀，姿态经过特别推敲，或是别具一格，造型夸张而生动;一方面是婀娜柔软的轮廓，韵味深长而带有神秘气氛的明暗，越来越浓的阴影所构成的深度，人体的细腻的层次，远景缥缈的奇异的美，这两组成分完全统一。

总之，艺术品的价值在于所表现的人的价值，在于真(历史价值)、善(思想价值)、美(观赏价值)，最有价值的艺术品是至真、至善、至美的。这就是我们对作者的方法论的通俗解读。