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皮特·蒙德里安（PietM ond rian）（图55）是荷兰最具影响力的世界级艺术大师之一，他的艺术创作和理论为几何抽象绘画奠定了基石。他将原色和水平、垂直的几何图形相搭配，试图通过纯粹的色彩与形式传达出世间万物的本质。他的艺术正如他所说：“如果我们不能释放我们自己，我们可以释放我们自己的视觉”。事实上，他不仅释放了我们的视觉，也释放了我们的心灵。蒙德里安用他的艺术为我们架起了一座沟通事物现象与本质的桥梁。

1872年3月7日，也就是荷兰复活节（3月4日）之后的3天，蒙德里安出生在荷兰中部一个叫做阿姆尔弗特(Amersfoort)的地方，这样一个特殊的时间，或许会引起我们的设想“这是哪位大师转世了呢”。蒙德里安的家庭也很有意思，他的父亲皮尔特·康乃尔斯·蒙德里安（Pieter Cornelis Mondriaan,1839—1915）是一个不折不扣的清教徒，同时也是一个非常有艺术天分的小学校长，他的父亲在艺术领域小有成就。蒙德里安父亲的创作热情深深地感染了他，而他父亲也就有意无意地充当了他的启蒙老师。信仰背景和他父亲精心的教导为蒙德里安以后的发展打下了坚实的基础。

时隔8年，蒙德里安跟随家人来到了温特苏黎捷克（Wintenswijk），他在这里的一所学校完成了学业。仍然是在这里，他立志要成为一名画家。但是他的家人认为画家是一个不稳定的职业，这个行业充满了未知数，于是要求他必须先拿到当一名绘画教师的资格证书，这样他的生活才能有一个基本的保证，继而为他长久的从事绘画事业提供一个持久而稳定的物质来源。于是蒙德里安便开始全力考取绘画教师资格证书，在这过程中，他的父亲以及他的叔叔福尔兹（Frits Mondriaan,1853—1932）精心的辅导他。福尔兹是一位出色的海牙派画家，因而这时蒙德里安的画风是写实浪漫。经过不懈的努力，蒙德里安在1889年取得了小学绘画教师资格证书，3年后又取得了中学绘画教师资格证书。

在拿到绘画教师资格证书之后，他的家人认同了他想成为画家的理想，蒙德里安从此真正踏上了艺术之路。为了深入的学习，蒙德里安选择远离家乡，去一所心目中最有前途的学校。1892年，他来到了荷兰最大的城市——阿姆斯特丹，在著名的国立艺术学院学习，在这里，他接受了系统的学院派的训练。这时的蒙德里安对艺术的追求如饥似渴，国立艺术学院所有不同的班级，他都上过课。在这里，他之前所取得的绘画教师资格证书对他获取生活来源起到了很大的作用，这段时间他靠担任家庭教师和在博物馆担任临摹员来维持生计。在国立艺术学院，要求学生具备深厚的文化底蕴和高超的古典绘画技法，正是这种高水平的要求，使得蒙德里安在这里练就了深厚的写实功力。在国立艺术学院学习期间，蒙德里安加入了乌特列支为骨干的"爱艺社"，1893年蒙德里安在这里第一次公开展览了他的作品。

我们可以从《有水道的风景》看到蒙德里安这段时间的深厚功力，这幅画采用金字塔式构图，坚实而稳定，和谐而统一。此画虽是用水彩画成，但这幅画并不缺少厚重感，我们感到的是浑厚。刚刚日出的天空蓝中泛着一些红，显出些许的空灵，大地则在阳光的照射下温暖可亲，土地的松弛感表现得非常到位，大片森林的葱郁又和中间三棵树的灵动相呼应。这种松紧有度的节奏就像一曲美妙的抒情曲。弱化的太阳使画面的色调更趋于统一，大地和树林的黄则是在冷中给人以温暖的感觉。

1896年蒙德里安以优异的成绩从国立艺术学院毕业。毕业后，蒙德里安在阿姆斯特丹参加了两个当地的艺术家画会。在这两个艺术家画会中，蒙德里安广泛和其他艺术家交流，博采众长，他的绘画更加成熟。这两个艺术画家会也使得他认识了许多的朋友。

1900年，蒙德里安完成了一幅《自画像》，浓浓的眉毛，炯炯有神的眼睛，高挺的鼻梁，粗率的胡须，我们从这幅画可以感受到当年英气逼人的蒙德里安。整幅画的笔触相当的豪放，整体的深褐色的基调又使这幅作品稳重，这幅画给人的第一印象就是庄重而大气，气派又内敛。脸庞在深褐色背景的衬托下，画家的坚定刚毅的气质油然而出。粗犷的背景与衣服与笔触相对柔和的脸庞相对比，又透露出画家的几分温和。这时期的蒙德里安依旧保持着学院派的画风，但已经开始了在艺术领域的一些新的探索。

1903年，蒙德里安31岁，他以《静物》一画在一家艺术家画会获得大奖。正是这次获奖，更加坚定了他从事职业画家的道路。

在这之后的几年里，蒙德里安主要创作风景画，为了拓宽自己的思路，蒙德里安四处搜索素材，可谓是"搜尽奇峰打草稿"。他经常在莱茵河和阿姆斯特河附近活动，也在荷兰北部的欧里村和日德兰进行写生。这些大量的户外写生使他获取了丰富的创作素材，也使他对这些地方的风土人情有了更加深刻的理解，所以他创作的作品既有浓厚的地域特点，又有深厚的文化韵味。蒙德里安可谓是“读万卷书，行万里路”。

田园、大地、河流、风车、森林以及荷兰的国花郁金香都是他创作的核心物象。这期间他的作品具有传统荷兰绘画的风格，同时开始受到印象主义、象征主义以及表现主义等的影响。或许是刚从国立艺术学院里走出来，蒙德里安非常重视画面的构图，并赋予作品深刻的感情。即使他的创作方法还有浓重的传统味道，但他与别人仍旧有很大不同，独树一帜。

1906年，蒙德里安创作了《杜芬德瑞特的房屋》，这幅画是用蜡笔完成的，整体的黄色调给人一种温暖的感觉。房屋明净而安逸，河水清澈而灵动，树木高耸而坚挺。这幅画的内容几乎是“小桥流水人家”，但没有“断肠人在天涯”的痛楚，反而我们感到的是一种世外桃源的恬静，一种回家的温馨，而树的坚挺与房子的挺立则让我们感受到画家的坚毅。黄色的天、黄色的树、黄色的房屋、黄色的河水、黄色的大地，但这许多的黄并不显得的多余和杂乱，同一种颜色极为富于变化，温暖中带着宁静。物象在水中的倒影有些夸张，正是这种倒影使得画面的黄色色调更加明显。这种夸张的倒影也是蒙德里安刻意追求画面和谐的结果，河水的黄与大地的黄浑然一体，加强了画面的和谐与统一。这幅作品并没有强调物象的立体感，空间感不是很强，平平的树干、平平的房屋、平平的大地，树被简化为交错的树干和树枝，房屋被简化为无定河墙壁，大地被简化成一块黄绿色，河水则基本是这些东西的倒影，这已经透露出一种几何化的趋向。

1907年，蒙德里安因受到了象征主义的影响，其传统的绘画风格开始转变，他更加注重色彩的运用，从此他的作品在色彩上开展了一次大的变革。这一年，蒙德里安创作了《风车》。这幅画与他之前的作品有很大不同，这也使他脱离了海牙派，而与那个时代欧洲所盛行的野兽主义、表现主义相交融。这幅画更多的具有野兽派的影子，具有大胆的色彩、简练的造型、和谐整体的构图以及强烈的装饰性。《杜芬德瑞特的房屋》的黄色基调已经很强烈了，但在这读作品面前，也只能说是柔和。整幅作品的颜色基本就是两种：红色和蓝色。这幅作品的平衡，颜色的运用起到了很大的作用，红与蓝的对比与交叉使整幅画显得稳定而和谐。主体物风车诸多的细节也被简化掉，几乎只留下一简单的外轮廓，天空也被简化成为一些曲线，山川和大地就是几个简单的几何图形。这种简约并不是一种简单的简化，相反这使得作品的主体物风车更加伟岸、更加壮丽，矗立在天地之间的风车像英雄一样守卫着这片土地。正是这种简练使得这幅作品的装饰性很强，和谐而统一、壮丽而稳定。这幅画和马蒂斯的《舞蹈》有着几分相似，都是这样纯粹的红色，都是把天和地归结为这样简单几何形体，画中的风车和《舞蹈》中的人一样，矗立于天地之间，在阐释着什么叫做伟大。

1908年，蒙德里安首次来到了荷兰艺术家的度假胜地日德兰（Zeeland）,在这里他认识了诸多的好友，其中比较著名的是图洛普（Jan Toorop）和史路之特（Jan Sluijter）。图洛普是荷兰新印象派的代表画家，史路之特是主张新一代画家脱离海牙派的领军人物。蒙德里安因为认识了这两位重量级的人物，他的绘画视野更加的开阔。在这里，蒙德里安接受了一些新的技巧，不仅仅是技巧，他的思想也有了很大的转变，他认为人类的感觉和思维与自然界的力量是紧密相关的。蒙德里安在这期间的作品在视觉的张力和广度上有了很大变化，这时期他的创作多以树和风车为主。

1908年，蒙德里安创作完成了《红树》（The Red Tree），这幅作品的画法明显受到了梵高的影响，颜色被简化为象征着明朗的红色与象征着晦暗的蓝色。此幅作品改变了画家原来写实的手法，而采用短、粗线条表现树的形象，整体向上的线条展现出一种蓬勃的朝气与活力，弱化树叶更突出了树干的坚挺。树枝繁杂而不乱，用深蓝色加强暗部形成一种立体的效果，画家细心地观察与严谨的构图使这幅作品显得自然而生动。蒙德里安从用三维语言表现空间转变为用二维语言表现空间，这种红色与蓝色的对比不仅用来塑造树的形象，更具有象征与呼唤的深意。将自然界丰富的颜色简化为红色与蓝色，使自然界的美丽回归到最纯粹的境地。

1909年，蒙德里安对通神论开始感兴趣，并在5月25日加入了“荷兰通神论者协会”（The Netherlands Theosophical Society）。前面提到，蒙德里安的父母是清教徒，而这次加入这个协会，蒙德里安正式脱离了父母的信仰，他的思想开始有了一次大的变化。在这之前，蒙德里安和他父母一样，是清教徒，认同我们看到的物象是"真实的真正视觉"，这些物象是造物者创造出来的，因此画家应该按照事物本来的面目描绘。但现在蒙德里安接触到了通神论、新柏拉图主义和多神论思想，他开始去发现自己，去思考整个世界的奥秘，去思考人的真正价值。通神论有这样一种思想：世界本来的面貌早已被某种力量所破坏或蒙蔽。所以艺术家不应描绘物象的外在面貌，而应探索其本源，追寻人与神的绝对境界。除此之外，通神论者掀起一股反对偶像崇拜的浪潮，认为对一切事物形式的再造都是对原来事物的破坏。这也预示了蒙德里安今后的一个发展方向，创造的作品不应该是描绘物象原来的外貌。这也预示着新造型主义的开始。

这一年蒙德里安与斯伯尔、史路之特在阿姆斯特丹市立美术馆共同举办了一次展览，这次展览使得蒙德里安被公认为荷兰出色的新艺术家之一，声名大振。1910年，蒙德里安加入了圣路卡斯陪审团画会，他的作品经由这个团体的展出后，进一步建立了声誉。之后他成为"现代艺术圈"创始人之一。这个机构是一个前卫艺术团体，蒙德里安从此成为荷兰新艺术的领导人之一。

1911年，蒙德里安创作了《红磨坊》，这幅作品是蒙德里安思想发生变化后的代表作。这幅画与《风车》有某些相似之处，但与风车相比，形式更加简洁，颜色更加纯粹。天与地归结为统一的蓝色，磨坊归结为更纯粹的红色，两种颜色的对比更加强烈。这也反映了通神论中人的纯粹与自然的互相暗喻。蒙德里安开始重视对人的终极价值的思考，整个磨坊也像是人在矗立在那里。这时他的用色已经与野兽派的用色有了很大不同，这种用色和笔触更多的反映了蒙德里安的思考。

1911年，“现代艺术圈”举办了一次国际艺术展，这次展览集中展示了当代巴黎和阿姆斯特丹最前卫的艺术家的作品，其中就有立体派大师毕加索和布拉克的作品。蒙德里安在亲自看到立体派的作品后，受到了极大的震撼，他从此步入了立体主义时期。

在看过立体派的作品后，蒙德里安在1911年12月来到了巴黎，在巴黎，他赶上了立体主义的高峰。为了表明其绘画生涯新的开始，他把名字中"M ond riaan"中的第二个"a"去掉。蒙德里安一直想全面把握直觉感受到的事物的印象，而立体主义和他的追求正相吻合。立体主义追求事物的客观性，而蒙德里安一直想真实的表现自然。因此，蒙德里安广泛的运用立体主义的表现方法，将颜色限定在黄、褐、棕等色调，把物象归结为几何形体。他按照自己的方法，将所有物象都用简单的抽象符号按规律表现出来，并且设法将这种简单的抽象符号变得更加简单和纯粹。

1912年，蒙德里安创作了《开花的苹果树》，这幅作品采用集中式的构图，中间非常繁密，越向四周越显得疏松。这种集中性通过半圆形的外形表现出来，而这种构图主要是受到了立体主义的启发。蒙德里安这个时期树的造型都是像这幅作品一样，用一种网状的图形表现出来。此画的颜色只有纯粹的红、黄、蓝三种原色，这透露着画家想用最简单的符号来表现事物本源的思想。

渐渐地，蒙德里安发现立体主义“不承认自己所发现的合乎逻辑的理论：他们并不把抽象发展成自己的最终目标，去表现纯粹的真实性。我觉得，唯有纯造型性（造型主义，Plasticism），才能完成这一点”（1942年蒙德里安所述）。这种“造型性”和“真实性”是蒙德里安一生的追求。“造型性”是指色彩和形式，“真实性”是指这种色彩和形式的真实。

蒙德里安并未停留在《开花的苹果树》时期只用弯曲的抽象符号来表现事物，曲线、钝角、锐角逐渐淡出他的画面，主要用纯粹的水平线和垂直线来表达事物，而颜色也减到更少、更为纯粹，颜色多为淡蓝、粉红以及褐色。蒙德里安十分重视形式的构成，颜色的地位则相对较弱。

1913年蒙德里安创作了《线与色的构成》，从这幅作品中，我们可以看到蒙德里安创作的转变。在这幅作品当中，我们几乎见不到曲线，代之的是长短不同的直线，这些线条构成了大大小小的几何图形。在这些几何图形中，颜色与前面的《红磨坊》有很大区别，原来那种鲜艳的纯色已被柔和的浅蓝、浅黄、浅粉色代替，而这些颜色显得极为和谐。相对于颜色来讲，蒙德里安更重视这些线条构成的几何形式，而这些形式也变得更加抽象化。

蒙德里安在纯熟的用立体主义的方法创作后，领悟到了立体主义的精髓，并且将立体主义重视画面结构的核心进一步发扬。蒙德里安采用立体主义的形式，并在其中精心安排自己对色彩的领悟，在绘画领域继续更深层次的探索。和立体派重视物体的结构相比，蒙德里安更加重视整幅画的构图的和谐，更加重视绘画本身，重视在作品中表达自己对世界本源的思考。

1913年蒙德里安在巴黎举行独立展览后，获得了更广泛的声誉。人们称赞他出色的发扬了立体主义的内涵，而相对立体主义他又更深刻的探索了世界的本质。1914年蒙德里安又在柏林举办了个人展览，这次展览再一次让他获得了美誉，蒙德里安在国际画坛上开始声名鹊起。然而就在这个时候，他的父亲得了重病（实际上蒙德里安的父亲于第二年去世），蒙德里安焦急的返回了荷兰。我想现在的许多画家，在自己声誉确立的关键时期如果遇到类似情况，一般都会托父母于别人。我们或许能精通蒙德里安的技法，然而他的人品确是学不到的。蒙德里安返回荷兰后，他进入了自己绘画之路的又一个重要时期——罗伦时期。

1914年，蒙德里安回到了荷兰，之后一战爆发，他无法返回巴黎，这样他就把立体派的画风带到了荷兰。蒙德里安定居在阿姆斯特丹附近的罗伦。在罗伦的这段时间里，蒙德里安主要探索“绘画中的新造型”。在罗伦，蒙德里安认识了许多好友，这其中有四位几乎影响了他的一生，他们是：史利吉浦、许恩马克斯博士、列克以及杜斯伯格。

蒙德里安最早认识了史利吉浦，史利吉浦是蒙德里安作品的首个收藏家，对蒙德里安的成功起到了很大的作用。之后蒙德里安又认识了许恩马克斯博士，许恩马克斯博士既是一个政治家，又是一个神学家，他的著作《世界新形象》（The New Image of the World）深深地影响了蒙德里安的思想，同时也影响了蒙德里安艺术中的神秘与象征因素以及他的色彩主张。许恩马克斯认为“未来世界的新形象可以借着画面来落实这个期望”。这是一个乌托邦，但蒙德里安深受这个观点的触动，这甚至是蒙德里安创造“新造型主义”的一个直接原因。

列克是罗伦的一个画家，列克主要以几何图形的方式进行创作。他和蒙德里安有一个共同点，那就是极力探索如何简化物象到其本源的艺术元素，列克的作画方法对蒙德里安有很大的影响。1915年，蒙德里安认识了风格派的另一位干将——杜斯伯格，杜斯伯格和蒙德里安不同，没受过正规的学院派教育，但其自学成才，并且在多个艺术领域都有建树。杜斯伯格由于刚刚退伍，满怀激情，非常想创立一个前卫的艺术杂志。

1917年10月，蒙德里安、杜斯伯格、列克和胡扎共同创办了一个前卫的刊物——《风格》杂志，从此“风格派”正式诞生了。《风格》杂志主要介绍、发表与蒙德里安和荷兰有关的“新造型主义”作品，这本杂志在欧洲产生了巨大的影响。蒙德里安在1917年在这本杂志上发表了许多的著述，其中包括《绘画中的新造型主义》，这篇文章在他1920年回到巴黎后增订在《新造型主义》一书中，该书被认为是抽象艺术的重要文献。风格派的艺术与人们的生活紧密相关，从许多方面来证实抽象的概念对日常生活的重要性。这种观念对于人们的认识产生了巨大影响。蒙德里安精辟的归结了一个“抽象生活”的概念，以符合当代生活的特点和其艺术的思想性。蒙德里安认为现代文明使人们离自然越来越远，一些机械、工业的发展是我们的生活充满了抽象。蒙德里安和风格派的成员开始重新定义艺术的功能，他们认为艺术不再是反映事物的外表，而应该给万事万物一个新的抽象的视觉形式，因而他们的任务是用他们的艺术品引导人们走向未来的和谐世界。这期间，因为他们的思想几乎一致，所以风格派的几个创始人，在风格派创立之初的创作形式均是一系列的色彩平面构成。

风格派有着共同的原则，那就是用几何式的语言来表现事物抽象的本质。他们把自然界的事物简化为色块和线条，他们的线条在一定程度上还受立体主义的影响，简洁洗练。风格派对色彩也有新的理解，色彩不仅有装饰的作用，更为重要的是可以分隔空间，而这个观念还对20世纪的现代建筑产生了很大影响。

1914到1915年，蒙德里安创作了一系列的《海堤与海》，其中以《海堤与海·构成十号》最富有代表性，蒙德里安以此为主题主要是想表现海堤与海岸交界处的波浪的情景。蒙德里安把富有韵律的波浪用抽象的交叉或者不交叉的长短线条表现出来。这幅画已经很具抽象的元素，但依旧保持着立体主义椭圆形的构图，这所有的长线或者短线都指向中心，而画面的四角几乎没有表现。蒙德里安是一个勇于创新的大师，1916年，他创作了《构成·一九一六》，这幅画已经摆脱了立体主义的元素，这幅作品是蒙德里安画风的一个重大转折。此作将颜色和线条完美的融合在一起，整幅作品的构图也非常完美。立体主义时期，蒙德里安主要采用一些浅色系的近乎灰的色调，而《构成·一九一六》开始采用鲜亮的颜色，这种颜色的鲜亮又不同于《红磨坊》中的纯粹与单一，显得柔和、饱满、丰富，色彩在他的作品中的作用开始加强。

1917年后，蒙德里安开始探索平涂色彩与悬浮的矩形的结合，这些彩色的矩形有时是连接的，有时是分离的，疏密有致地排列在白色或者浅色的背景之上。这些矩形相互对比形成一种空间的深度幻觉。《色彩构成A》背景是一块浅灰的色彩，在这之上悬浮着大小不一的矩形色块以及长短不同的浓重的黑线，这种色彩的冷暖配置以及平行的结构让我们感到这仿佛是空间中的几组色块。

逐渐地，蒙德里安发现分离的色面可以产生一种深度感，以及前景和背景的差异感，但这就破坏了他一直追求的统一性。于是，1918至1919年间蒙德里安创作了许多组织矩形格子的作品。最开始，他在一个浅的底色上布置轮廓线浓重的原色矩形。这些棋盘式的作品仍然有不统一的感觉。后来他用浓重的线条贯穿这些矩形色块，这样画面就统一了，从而实现了他表现万物的理想。这时起，蒙德里安已经进入一个完全抽象的创作时期了。

蒙德里安简练的概括了他几何抽象艺术的原则：“借由绘画的基本元素——直线和直角（水平与垂直）、三原色（红、黄、蓝）和三个非色系(白、灰、黑)，这些有限的图案意义与抽象相结合，象征构成自然的力量和自然本身”，并用“新造型主义”指代这一原则。“新造型主义”从表面上是对色彩与线条的组合，而其更深层的内涵则是反映了艺术家对未来的要求与渴望。而这则主要有以下两个原因：首先，个人主义的思想在当时泛滥成灾，拜金主义盛行，社会上产生了许多不和谐的现象，生活中面临着前所未有的问题，艺术家想通过对万物本质的追求而达到一个和谐的社会，使人类永远幸福和谐；其次，这段时间正值第一次世界大战，这次战争是人们的固有思想发生了巨大的变动，之前人们沉醉于工业革命带来的果实，然而工业文明的果实如果用于战争，将带来灾难性的后果，人们对1919年，蒙德里安与杜斯伯格产生分歧，杜斯伯格主张以对角线为基础来结构画面，蒙德里安则主张以水平的、垂直的线条为基础。第一次世界大战结束后，蒙德里安在荷兰由于没有归属感而回到了巴黎，继续他的新造型主义，蒙德里安步入了他的绘画之路的第四个重要时期，这个时期，他又在个人形式上进行了探索。

在巴黎期间，蒙德里安认识了画商罗森伯格，罗森伯格对蒙德里安的理论十分感兴趣，并且帮助蒙德里安出版了《新造型主义》这部著作，这其中包括前面提到的《绘画中的新造型主义》。随着这本书的出版和罗森伯格的大力帮助，蒙德里安的新造型主义思想在大众中得到普遍的传播。

1921年蒙德里安过上了近乎隐居的生活，致力于新造型主义的创作。这期间，蒙德里安创作的作品多是把水平和垂直的线条和鲜亮的红、黄、蓝原色构成的矩形色块结合起来。1922年，蒙德里安的50岁生日时，他的好友史利吉浦和欧德在阿姆斯特丹为他举办了一次回顾展览。1925年，蒙德里安认为杜斯伯格脱离了风格派的原则，所以断绝了与风格派的往来，这之后蒙德里安基本自己进行创作，再没有参加艺术团体。这一年蒙德里安创作了《菱形构成》，用以反驳杜斯伯格的对角线理论。他坚持只有水平线与垂直线才能使画面和谐统一的理论。1934年，蒙德里安和哈利相识，哈利之后收藏了许多蒙德里安的作品，蒙德里安去往美国也是在哈利的帮助下才去成的。1938年，由于慕尼黑危机，蒙德里安不得不离开巴黎，之后去往伦敦。在巴黎的这段时间，蒙德里安的新造型主义理论得到了更好的发展与传播。蒙德里安的作品在色彩上变得更加鲜亮，这时他更纯熟地掌握了线条与色彩的结合。

1930年，蒙德里安创作了《红、黄、蓝构成》，这幅作品鲜明地体现了他的艺术风格，这也是蒙德里安流传最广的作品之一。这幅作品用粗重的黑线将画面分割成大小不同但错落有致的矩形和直角，巧妙地通过布置线条的粗细使画面平衡而统一。在这些直角和矩形中，蒙德里安安排了红、黄、蓝原色以及灰色，形成一种和谐的抽象形式美。这幅作品在色彩的布置上和《菱形构成》不同，《菱形构成》大面积的颜色是灰色，而这幅作品主要颜色是鲜亮的红、黄、蓝三原色。红色占据了这幅作品的主要部分，在右上角形成一个视觉焦点，画家在左侧和下方布置更多的黑色线条，并用灰色把三原色隔离开来，于是画面就平衡了。这也表明蒙德里安对抽象艺术要素的掌握已经炉火纯青，他已经能非常自信的控制那些最肯定的颜色了。

1936年，蒙德里安完成了《白、黑、红构图》，这幅作品又与《红、黄、蓝构成》有很大的区别，灰色的面积占据了画面的绝大部分，黑色的线条也开始增多了，这幅作品强调的是各部分的比例。除左上角的一个黑色矩形色块和底部的一个红色色块，这幅作品基本依靠线条的设置来建构。这些线条构成了大小不同直角和矩形，这些线条有根据矩形面积的大小而粗细不同，形成了一个复杂的比例，因而在这些直角和矩形中的色彩在稳定统一中给人一种动感。

1938年，发生了慕尼黑危机，蒙德里安不得不离开了巴黎，定居于伦敦。在这里，蒙德里安加入了"圆团体"（Circle Group），他的艺术思想在伦敦开始传播。

在伦敦的这段时间，蒙德里安最开始依旧沿用在巴黎时的创作方法，然而随着第二次世界大战的爆发，蒙德里安作品中鲜亮的色彩消失了，黑色的线条主宰了画面，当我们看到他这期间的作品时，能够明显地感受到蒙德里安的忧郁。第二次世界大战爆发不久后，德军开始空袭伦敦，蒙德里安被迫离开了伦敦。1940年，他来到了纽约，开始了画家最后一个但也是最辉煌的时期。

1940年9月，蒙德里安由于二战的战火而来到了纽约，在这里，蒙德里安大受触动，他的思想又有了一次重大变化，他的创作也进入了一个辉煌的高峰期。蒙德里安对美国的现代艺术产生了巨大的影响，他不仅支持几何抽象，还鼓励美国的新一代在艺术领域进行新的革命。出现在20世纪40年代的抽象主义者对蒙德里安都极为尊敬，哪怕是与蒙德里安的艺术创作原则背道而驰的人。

纽约由于没有像欧洲老牌国家那么久远的封建王朝的历史，这里的思想异常的开放，生活节奏很快，所以前卫艺术在这里很受欢迎。蒙德里安在加入“荷兰通神论者协会”后，他一直在思考着世界的本质；在看到工业文明给人类带来巨大的灾难后，他对世界充满了忧虑。而美国并未受到战火的洗礼，工业文明在这里基本是一种正面的影响，蒙德里安对世界又恢复了信心。蒙德里安认为现代的大都会就是抽象生活的另一种表现方式，这种表现方式比自然地本源更能激发他的灵感。纽约是一个几何形的大楼林立的地方，水平垂直的街道纵横相接，而蒙德里安一直所追求的世界本源几乎就是这样的构造。于是乎，蒙德里安认为在这里，自然已被人类的思想所掌握。

大都会的这种文明给蒙德里安很大的触动，而他的作品也变得更为鲜亮、光明。蒙德里安在立体派时期和罗伦时期的创作形式在这里被赋予了新的精神内涵。蒙德里安这段时期的作品，原来的那种浓重的黑色线条已经被彩色线条或者断断续续的明亮的彩色色块所取代，他的画风由沉郁转变为鲜亮而活泼的律动。蒙德里安在纽约的创造力也到达了新的巅峰。

在1942—1943年间，蒙德里安创作完成了《百老汇爵士乐》，这幅作品也是蒙德里安的绘画生涯完成的最后一幅作品。蒙德里安一直迷恋纽约的曼哈顿中心城区，这里严格按照方网状规划，到处是拔地而起的摩天大楼。蒙德里安试图通过这幅作品反映他在这里的生活经验。画面的核心内容——百老汇是纽约一条南北走向的大街，也是世界最为著名的商业街之一（我们仅从其长度与宽度就能感受到这条的街的气派，此街长25千米，最宽的地方有45米，最窄的地方也有22米），这条大街布满了商场、银行、影剧院、夜总会等建筑物，蒙德里安用爵士乐的节奏把这里丰富多彩的建筑物用抽象的方式表现出来。这幅作品已经没有了之前的粗重的黑色线条，取而代之的是大小、颜色不同的鲜亮的矩形色块，这些矩形色块跃动于浅灰色的底面之上，象征着音乐的跳动，使我们感到一种强烈的节奏感和韵律感。画面很好地表现了百老汇的繁华与喧闹，我们在其中仿佛能感受到飞驰而过的汽车、熙熙攘攘的人群和闪烁迷离的霓虹灯。作品充满了音乐性，蒙德里安的艺术又走向了一个新的高度。

1943年（一说是1944年），蒙德里安开始创作《胜利爵士乐》，这幅作品也是蒙德里安生前未完成的最后一幅作品。蒙德里安一生经历两次世界大战的痛楚，这期间第二次世界大战已进入后期，蒙德里安希望战争早点结束。这幅作品就是蒙德里安希望战争胜利的一个反映。《胜利爵士乐》与《百老汇爵士乐》的创作方式基本相同，但这次蒙德里安使用了菱形构图，而且结构更为复杂，色彩也更为丰富。它和《百老汇爵士乐》一样，都反映了蒙德里安对美国大都会的感受。

1942年，在他快要过70岁生日的时候，纽约的华伦泰·杜德森画廊为他举办了一次个人展览。第二年，蒙德里安在这里举办了他艺术生涯的最后一次展览。这一年蒙德里安搬到了纽约艺术区的，他的《百老汇爵士乐》和《胜利爵士乐》就是在这里创作的。然而不幸的是，1944年1月，蒙德里安被诊断出患有严重的肺炎，1944年2月1日，这位几何抽象派大师离开了人世。

就在蒙德里安去世后不久，纽约、阿姆斯特丹和巴塞尔分别为他举办了大型的展览，以纪念这位几何抽象艺术的奠基者。作为一位兼具思想深度和理论修养的艺术大师，他的艺术实践和主张不仅为二战后几何抽象艺术的发展指明了方向，而且也改变着20世纪人们观看世界和理解艺术的方式。由于亲眼目睹了两次世界大战给人类带来的巨大灾难和痛苦，他试图用艺术为人类重新建立一个和谐美好的世界，让人们在艺术中回归秩序和理想。正是这种强烈的社会责任感促使他一生淡泊名利，在艺术上锐意探索，创造出简单而纯粹的“新造型主义”风格。直到今天，当我们缅怀这位大师时，我们不仅为他的艺术而折服，也为他的伟大人格所倾倒。