声乐的演唱方法

任务描述

声乐的演唱方法，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的演唱训练，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。

本任务通过具体的实训项目帮助大家了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。

任务分析

完成该任务的具体思路如下：

活动1. 了解声乐演唱方法的分类

活动2. 了解美声唱法的基本知识

活动3. 了解民族唱法的基本知识

活动4. 了解通俗唱法的基本知识

活动5. 了解原生态唱法的基本知识

活动6. 音乐实践

了解声乐演唱方法的分类

 

美声唱法(欧美传统唱法)、民族唱法(这里特指中国学院派民族唱法)、通俗唱法（欧美通俗唱法)、原生态唱法(中国“原汁原味”的民族唱法)代表着四种不同的演唱方法和风格。专业领域历来在这四种唱法分类的科学性乃至四种唱法孰优孰劣上颇有争议。

美声唱法源于欧洲。伴随着欧洲传统音乐历史的发展进程，欧洲传统声乐艺术无论是在实践上，还是在理论上，都形成了较为统一和完备的教学与演唱体系。“美声”的提出和界定早已得到人们的认同。

民族唱法是建立在中国民族民间音乐的土壤上，尤其是建立在中国民歌、民族戏曲和说唱声乐艺术基础上的，具有浓郁民族特色的演唱方法和风格。关于这种方法和风格的具体界定，“土”与“洋”的关系，以及民族声乐体系的形成和完善等方面，学术界历来有不同的观点和看法。

通俗唱法的名称依托于“通俗音乐”这一大的音乐范畴。其演唱方法、演唱者、演唱场合及欣赏者等方面均有其他音乐形式无可比拟的大众化色彩。由于种种原因，人们(尤其是从事音乐艺术的专业人士)对其在艺术性、技巧性和科学性等方面仍存在各种不同的看法和争议。

原生态唱法是区别于学院派民歌唱法的一种说法，学院派民歌唱法大多吸收了一些西洋唱法，但这样下去，我们真正的中华民族的元素就越来越少了。原生态唱法是一种原始的、未加工过的唱法。原生态唱法是对民族文化的肯定与发扬，很多的音乐学者就提倡一些原始的、原生态的东西，提倡真正的民族风格。

其实，即便是同一种方法和风格，由于声乐艺术自身的特殊性，如人的发声系统“自然状态”的复杂性和个体差异，歌唱“感觉”(包括“内感觉”和“外感觉”)的极强的主观性和抽象性，使其无论在教学还是演唱中都存在着很大的观念差异，体现出较强的个性和主观色彩，难以用较为客观的标准统一起来。

事实上，在现实音乐生活中，越来越多的人(包括专业工作者和大众)都对前三种唱法的提法及其各自的风格特征予以认可。在我国，中央电视台连续多年组织的全国性的美声、民族、通俗唱法青年歌手电视大奖赛，就是一个例子。从大奖赛在各省、市、自治区的选拔、专业及业余歌手踊跃参赛、专家教授欣然参评、广大群众积极参与和支持的火热场面中，可以看出人们对三种唱法的态度。但是，在另一方面，学术界仍普遍存在的“美声”与“民族”(或称“土”“洋”)之争，以及当前我国太多数音乐艺术院校对通俗唱法的拒绝和不认同态度等，又表明了有关三种唱法的各种争论还将继续下去。

鉴于以上所述，这里不对四种唱法给予结论性的定义，仅就其方法和风格的形成、一些基本特征等作一简单介绍，以供参考。

了解美声唱法的基本知识

 

美声唱法，来源于意大利文Bel canto，意为完美的歌唱。对于美声唱法，人们有各种各样的解释和理解。一般的理解是指18世纪到19世纪初的那种雅致、优美的意大利歌唱方法。它的起源可追溯至17世纪意大利的佛罗伦萨。而美声唱法这一术语的使用则始于19世纪中期。  

在欧洲文艺复兴时期以前，音乐艺术以声乐为主体。当时的歌曲都为单旋律，演唱采用自然发声方法。至文艺复兴时期，复调音乐逐渐发展，声部的划分、歌曲音域的不断拓宽、音值的长短变化等，都开始对演唱提出技巧上的要求。歌唱者在演唱时，须能在扩大的音域以及长短变化的音之间上下连贯，控制气息，自如地运用声音。  

意大利歌剧的产生极大地促进和推动了声乐艺术的发展。美声唱法技巧和风格的形成主要建立在歌剧不断发展的基础上。意大利歌剧注重音乐与语言的有机结合，其语言建立在元音的基础上。元音开口形状较大，子音流畅，演唱在元音上结束等，在歌唱中具有客观的语言优势，使得声音在避免喉音的同时，易于形成共鸣，产生清纯饱满、宽阔柔韧、明亮的音质；在训练和演唱中，更加讲求精湛的技巧；在艺术处理上，注重声音的优美、明亮、圆润、丰满和抒情。

在演唱方法上，美声唱法要求保持口咽管道的开放和喉型的稳定，以保证气流的流畅贯通和声音的纯净圆润、铿锵有力，追求具有强烈光亮度的“声音集中点”。重视口、鼻、胸式、腹式、胸腹式呼吸的协调，强调气息的支持，要求自然放松。强调共鸣的作用。歌唱者必须恪守这一发音模式，在服从共鸣的前提下，保证吐字的运用自如。无论大音量时的声音饱满、坚实，还是音量控制下的轻柔、优美，均要求保持统一的口型和歌唱位置，保证各音区之间的转换自如、音色统一。

在欧洲声乐艺术的发展过程中，形成了若干学派和风格，主要有意大利学派、法国学派、德国学派、俄罗斯学派等。其中，以意大利美声学派的风格最为令人瞩目，成为欧洲声乐艺术风格发展的主要趋向。

18世纪以来西方美声学派出现了许多代表人物，如被称为近代声乐之父的曼努埃尔·加西亚(西班牙)、弗朗西斯科(意大利)、乔凡尼·关培尔蒂父子(意大利)、都普列(法国)、布伊(法国)、斯布里尔(法国)、威廉·莎士比亚(英国)、莉莉·雷曼(德国)等。20世纪有卡鲁索(意大利)、鲁夫(意大利)、卡拉斯(美国)、苔巴尔迪(意大利)、卡巴耶(西班牙)，以及当代世界著名声乐大师帕瓦罗蒂(意大利)、多明戈(西班牙)、卡雷拉斯(西班牙)等。

了解民族唱法的基本知识

 

    中国民族声乐艺术作为中国灿烂民族音乐文化的重要组成部分，其历史可谓源远流长。民歌是民族声乐艺术的源泉。历经诸如《诗经》、楚辞、乐府、唐诗、宋词、元曲中的歌唱和说唱形式，以及明、清戏曲唱腔的发展，中国民族声乐无论在形式、内容上，还是唱法和技巧上都得到了极大的丰富和提高。

    20世纪以来，尤其是五四运动以后，民族声乐艺术在原有的基础上借鉴欧洲声乐理论和技法，涌现出一大批优秀的时代作品，在演唱上体现出鲜明的民族风格和时代精神。在抗日战争和解放战争期间，革命文艺工作者将新民族、新秧歌和新歌剧等形式结合起来，将鲜明的民族特色与强烈的时代特征结合起来，推动民族声乐事业不断跃上新的台阶。

    新中国建立后，经过20世纪50年代的“土、洋”之争，20世纪60年代、70年代的坎坷曲折，改革开放后的重获生机、蓬勃发展，民族声乐在探索“洋为中用”、“土洋结合”，创造中国民族声乐学派等方面，取得了突出的成就，涌现出一大批优秀的民族歌唱家和民族声乐教育家。这一切，都促使民族声乐艺术的探索和研究无论从理论上还是实践上都达到了新的高度和水平。

    中国民族声乐的内涵和定位十分复杂，其演唱风格和方法也在探索之中，但总的来说，表现为以下几个主要特征：

    1．歌唱的咬字吐字  

    民族唱法讲究“字正腔圆”，其中，特别强调咬字、吐字，故将“字正”放在“腔圆”的前面，以表明发音要服从吐字。关于这一点，在我国历代具有代表性的声乐艺术论著中都有精辟的论述。如明代魏良辅在其论著《曲律》中有“曲有三绝，字清为一绝，腔纯为二绝，板正为三绝”的说法，将“字清”列为三绝之首。这表明，在歌唱艺术中，清晰明确的语言(歌词)是抒情达意，与听众进行内容和感情交流的关键所在。清代徐大椿的《乐府传声》中有“凡曲以洁朗为主，欲令众人所知唱之为何曲，必须字字响亮……一字符音，必有首腹尾，必首腹尾已尽，然后再出一字，则字字清楚说”的说法。在将“字清”作为首要标准的基础上，艺术家对字的读音提出了进一步的要求。魏良辅在《曲律》中还说：“五音以四声为主，四声不得其宜，则五音废矣。平上去人，逐一考究，务得中正，如或苟且舛误，声调自乖，虽具绕梁，终不足取。”表明字是以声调来表达意思的，声调不准确，字意则错。故平仄声调须十分准确。可以这样认为，以咬字吐字的声(喉音、舌音、齿音、牙音、唇音)、韵(开口呼、齐齿呼、撮口呼、合口呼的韵母发音，合称为四呼)、调(平、上、去、入四声)为特征的汉语发音，是民族唱法特色韵味的主要因素，由此形成的清晰、准确的歌唱语言乃是民族唱法的重要审美标准和风格的主要特征之一。

    2．歌唱的呼吸和发声

    尽管民族声乐将咬字吐字作为演唱中的首要因素，但仍然认为单一的吐字技巧是不存在的，正确地掌握和运用歌唱中的呼吸、气息技法，被看做获得优美歌声的重要因素。故有“关气者，音之帅也，气粗则音浮，气弱则音薄，气浊则音滞，气散则音弱”之说。唐代段安节在《乐府杂录》中阐述：“善歌者，必先调其气，氤氲(指气息)自脐间出，至喉乃噫其词，即分抗坠之音，既得其术，即可致遏云响谷之妙也。”这表明，在歌唱中，呼吸作为发声的动力和支持点具有重要的作用，而采用正确、良好的歌唱呼吸和发声方法，能够达到“唱若游云之飞太空，上下无碍，悠悠扬扬，出其自然，使人听之，可以顿释烦闷，和悦性情，得者以之，故日‘一声唱到融神处，毛骨悚然六日寒”’(明代朱权《词林须知》)的完美效果。    

    3．歌唱的行腔    

字正腔圆是民族声乐艺术的一个基本演唱要求和标准。关于“腔”的概念，有不同的解释，既可以理解为“腔体”，也可以解释为中国戏曲中的“行腔”、“转腔”。在表现手法上，主要体现在连音、颤者、滑音及其他各种装饰音的运用和音的力度变化上。“腔圆”是用是民族唱法风格形成的又一主要因素。我国音乐家周大风先生研究总结了民族声乐的行腔技巧，将其归纳为28个种类：①收口腔(字重音轻) ；②喇叭腔；③橄榄腔；④保腔，音的时值饱满；⑤强腔；⑥夯腔，尾

音处突然特强，如砸夯一般；⑦上滑腔，即飞腔；⑧下滑腔；⑨抛腔；⑩顿腔，一音或音连续⑪打腔，类似于上倚音；⑫推腔，类似于下倚音；⑬双打腔，类似于上双倚音；⑭双推腔，类似于下双倚音；⑮颤腔；⑯掉腔，指尾音的下滑；⑰迟腔，强位置上滞后演唱；⑱分腔，把子、介、元音逐渐唱出；⑲咽腔，即哭腔；⑳断续腔，声音停顿与连续相间；21点头腔；22惯腔；23圆滑腔，即连腔，把几个音、几拍甚至一个乐句唱得圆滑，以弧线连接；24气泡腔，在气泡音中吐字；25耳语腔，经过前面的铺垫后，突出子音的轻唱；26韵音断腔，即一字过门后，多次接该字的韵母再唱；27磨腔，即连续的推腔；28泛腔，即在某一音的真声唱后，突然高八度假声唱。    

    以上归纳，较为全面地反映了民族声乐艺术在行腔上的总体特征。这些行腔技巧，在各种戏曲中予以运用和体现；在歌曲中，也在不同的歌曲风格，如戏曲化的歌曲、民族歌剧咏叹调、民歌等得到不同的运用。恰如其分的行腔运用与歌唱中声、气、字技巧的结合，充分表明了民族唱法在演唱技能和方法上的实用性和科学性，展示出其独具特色的审美标准和价值，形成了民族唱法和风格的主要特征①。

如何将民族声乐传统与现代声乐艺术的发展更好地结合起来，是民族唱法所面临的重要课题之一。

             了解通俗唱法的基本知识

通俗歌曲的产生可以追溯到19世纪末美国的“蓝调”(Blues，布鲁斯)音乐。经过爵士乐士摇滚乐、美国西部乡村音乐和欧洲通俗音乐等欧美主要通俗音乐时期音乐形式的变化、发展，通俗歌曲形成了比美声和其他音乐形式更为庞大而变幻无穷的世界。进入20世纪以来，随着科技的进步以及视听传播媒体技术的发展与普及，通俗歌曲成为现代都市和乡村大众文化生活的一个不可忽视的部分。

在我国，新时期的通俗音乐开始于“文革”结束以后的年代，对其产生深刻影响的有20纪70年代末、80年代港台风行的“校园歌曲”和其他通俗歌曲，以及80年代初的美国乡村歌曲等。同时，自1977年起，我国大陆歌坛开始涌现出大量的优秀通俗歌曲，如《洁白的羽毛寄深情》、《年轻的朋友来相会》、《我们的生活比蜜甜》、《妹妹找哥泪花流》、《军港之夜》、《大海啊，故乡》、《乡恋》、《金梭和银梭》等。这些歌曲以旋律优美、贴近生活、亲切感人、易于传唱等特点，深受广大群众的喜爱，为弘扬改革开放的新时代精神，表现人民生活的崭新风貌发挥了很大的积极作用。

如何看待通俗唱法，涉及一个美学标准问题，如果完全以美声唱法的美学标准为依据和准绳，通俗唱法几乎是一种“白声”，元方法可言；而从不同的角度和标准来看，这种“白声”则会被认为是有“磁性”、有“特个基础上去发挥、去表现它的感情和技巧；低音区像叹气，中音区像说话，高音区像向远处喊人”，表明通俗唱法有其自身的方法和技巧要求。

据研究，与美声唱法色”、亲切自然的声音，它“立足于说话的自然基础上，并且永远是在这相比较，通俗唱法在风格和方法上大致有以下一些特征：

(1)歌唱强调自然与个性特色，不像美声那样规格化。形成自然与个性特色的主要因素是“感觉+方法”。

(2)在体现“声情并茂”这一歌唱艺术准则上，对“情”的要求更甚。美声唱法的技巧难度和音色美化追求往往能够在一定程度上弥补一些演唱者“情”的不足；而对于通俗唱法来说，在“自然与个性”的基础上，更注重情感的直接表现。换句话说，就是感觉好比嗓子好和技巧好更为重要。

(3)歌唱时下巴放松，不压喉咙。在美声唱法中，喉头要保持稳定，不允许向上，而通俗唱法则无此禁忌。

(4)吐字的唇舌动作与自然的语言相比较为夸张，在“开放”的状态下“宽”出来。

(5)在口形要求上，美声唱法是垂直(竖)和水平(横)意识的综合；通俗唱法的目形则是“横”的，声音的位置靠前，使声音得以充分展现。

(6)声带的张力较小。在声道和腔体的调节上，要求声道顺畅，不受堵塞，不需有意识地追求共鸣的空间和作用。

 (7)强调气息的支持和运用，这是感情表现和一切方法技巧的前提和支柱。气息的支持不需要美声唱法那样强的阻抗。

以上是对三种唱法风格特征和方法的分别简述。将三种唱法放在一起，从演唱的生理角度进行比较，有关专家指出，在声道的调节上，传统美声唱法要求喉咙充分打开；民族唱法和通俗唱法则只要求声道不堵塞，不强调喉头向下。在气息上，传统美声由于音量的要求，使用上下腹的对抗较大，而在民族唱法和通俗唱法中，则只要求气息通畅即可。在吐字上，传统美声唱法是服从共鸣前提下的吐字，即吐字服从发音；民族唱法则特别强调吐字，将“字正”放在“腔圆”前面，以发音服从吐字；通俗唱法在吐字上则要求完全的“说话式”的自然，无需考虑共鸣问题，也不像民族唱法那样过分强调声韵学①。

应该说，作为人类共同创造的声乐艺术，无论哪种唱法，都从不同的方面，以不同的演唱方式和风格体现了人类的审美需要和价值，表达了人类共有的美好思想和情怀，受着人类共有的生理和相应的心理条件制约，它们之间有着作为“声乐艺术”必然的共性。但是，由于每种唱法都有各自产生、形成、变化和发展的土壤和环境，以及由此形成的美学思想和标准的制约，各种唱法之间又不可避免地存在风格与方法上的差异，有着各自不同的审美“生存”价值和审美群体。同时，我们还应认识到，任何唱法都在不同的历史时期和各种条件下不断地演变和发展，人们的审美需求和标准也在不断地发生变化。从这一意义上讲，有关“唱法”的各种讨论必将继续进行下去，这种讨论对声乐艺术的进一步发展有着积极的促进作用。

了解原生态唱法的基本知识

原生态唱法，顾名思义，就是我国各族人民在生产生活实践中创造的，在民间广泛流传的“原汁原味”的民间歌唱方法，它们是中华民族“非物质文化遗产”的重要组成部分。

民歌是各族人民智慧的结晶，是各个历史时期人民生活的生动写照。这些歌曲直产生于民间，并长期流传在农民、船夫、赶脚人、牧羊人以及广大的妇女中间，反映着时代生活的方方面面，可以说是各个历史时期人民生活的生动画卷。这些歌曲由大众口头创作，并在流传中不断地得到丰富和发展，歌词越加精练，曲调渐臻完美，具有很高的艺术价值。民歌的语言生动传神，它并不是将简单的生活语言直接拿来，而是讲究韵律，讲究比兴等传统的诗歌手法，源于生活而高于生活，是百姓的杰作，是大众语言的精华。

我国民歌的种类极为丰富，主要有内蒙古的长、短调牧歌，河套及周边地区的漫瀚调、爬山调，陕北和山西西北部的山曲、信天游，甘、青、宁地区的花儿，新疆的十二木卡姆，陕南、川北的姐儿歌、茅山歌，江浙一带的吴歌，赣、闽、粤交会地区的客家山歌，云、贵、川交界的晨歌、大定山歌、弥渡山歌，藏族聚居区的鲁体、谐体民歌，以及其他各民族的山歌等。据专家介绍，“原生态”这个词是从自然科学上借鉴而来的。生态是生物和环境之间相互影响的一种生存发展状态，原生态是一切在自然状况下生存下来的东西。原生态民歌是老百姓很自然地表达出的东西，而把很多民歌进行改编等则是原生态状况的变异，属于非原生态。现就原生态唱法的产生和发展作一简单的介绍。

原生态，近年在舞台艺术中越来越成为一个十分热门的词儿。2003年8月，杨丽萍领衔的以“原生态歌舞集”命名的《云南映象》在昆明首演后，便引起了各界的注意。《云南映象》后来遍演各地，成为一种“原生态现象”。“原生态现象”出现在国内的音乐领域，是从2004年开始的。当年8月，“全国民歌南北擂台赛”在山西左权举行，各地民歌手多姿多彩的歌声，让一些专家引进了原生态概念。随后，北京先后举行了多次“原生态演唱会”；随着央视音乐频道《民歌中国》栏目的开设，原生态这个名词被普遍运用，也逐渐约定俗成。当然，无论是情歌，还是山歌、号子，都是各民族多年来形成的民族文化结晶，随着人们生活状态的改变，现代人对先辈们形成的文化结晶进行保护和传承，显得更加迫切和重要。但是，原生态唱法作为一种演唱方法的种类划分，其性质必定与人们早就耳熟能详的民歌唱法有本质的区别。尽管许多歌唱家、音乐家反对唱法划分，认为违反了“你中有我，我中有你”的艺术发展规律，但民歌唱法的形成，顾名思义就是概括了中国各民族民歌的演唱方法。既然如此，就如民歌唱法相对于美声唱法、通俗唱法，从第十二届央视青年歌手大赛的歌手情况来看，所谓民歌唱法相对于原生态唱法，只是读过音乐学院的歌手和没有受到过专业训练的歌手之间“土”与“洋”的区别。事实上，世界各国包括中国的音乐家，都非常注重保护和保存本民族的传统音乐文化，在此基础上创造更多属于民族的音乐作品。且不说作曲大师们的经典作品中都能感受到鲜明的民族旋律，如今许许多多音乐家通过田间采风、乡村录音、山村体验，也创作了大批符合现代人审美观念、民族风格浓郁的音乐作品。曾创作过《让世界充满爱》、《同一首歌》、《黄土高坡》等歌曲的著名词作家陈哲，有感于民族文化失传的现状，十多年来埋头于偏僻山区致力于民族音乐的搜集、整理，他把这种浸透在各民族血脉之中的民歌，称之为“根源文化”。各地民歌中，虽然蒙古族的“呼麦”具有特定发声技巧，但大多数民歌呈千姿百态的状态，只能从基本风格上来区别，如信天游的高亢、云南民歌的明快、蒙古族民歌的悠长等，尚未得到深入、系统的研究分类。