声音的可视化与视觉的声音化

       声音是完全抽象的，许多动画艺术家通过“听”和“感觉”它，会产生虚幻的视觉思维，并把它转化为各自心中的各种图案和风景。包含思想和情绪的各种视觉语言符号在导演的安排下形成别样的运动，由此产生富有韵律的节奏，这成为他们表达心灵感受的最重要的画与音实验。

       奎氏兄弟（The Brothers Quay）创作的大量实验动画作品的灵感来源于音乐。他们常常先听到感兴趣的音乐，然后通过对此音乐产生虚幻的视觉思维，再确立创作的主题和生动的画面。他们的创作大多数没有剧本，只有模糊的概念情景，主要以真人实拍和偶动画结合，风格奇特、超现实，影片中的光影、物体的各种动作以及镜头的运动都是通过一个个音符的韵律而创作的，因此他们的作品呈现强烈的音乐感。例如奎氏兄弟的实验动画《鳄鱼街》（Street of Crocodiles，1986）是和波兰音乐家奥勒瑟克·霍斯克（Leszek Jankowski）合作的作品。奎氏兄弟拿到音乐，他们便开始听着音乐，让音乐指引故事的创作，让木偶摆出一个个动作，让场景一幅幅变换。整部影片不断运用景深和模糊的镜头去呈现铁锈、螺丝、灯泡、没有眼睛的塑料人偶、玻璃等，凝造出一种孤独、悬疑、颓废的气氛，塑造了破败贫乏的工业城市形象。

        另外将声音可视化应用得非常出色的是早期欧洲一些抽象艺术家的音乐动画实验。1911年，意大利的阿尔纳多·金纳（Arnldo Ginna）及其兄弟布鲁诺·科拉（Bruno Corra）拍摄了系列抽象动画《影片1-4号》（Film No.1～4，1911），这些影片对“绘画的时间性变化”与“音乐的视觉诠释”做了初步的研究。雷欧普·叙尔瓦奇（LeopoldSurvage）也热衷于通过音乐创作动画，他在描述自己的作品《彩色韵律》（Colored Rhythm）时写道：“绘画已从外在世界的具象形态解脱到抽象状态，但仍须挣脱最后也是最原始的枷锁——静态，如此才能像音乐一般丰富而柔畅地表达我们的情感。”

        另一位实验动画大师汉斯·里希特（Hans Richter）创作的具有音乐般节奏的抽象动画作品是声音与画面实验的典型，他对声音视觉化和视觉声音化的实验已达炉火纯青的地步，既娴熟又新鲜生动，既简约又内敛。这里拿他的代表作举例，三部实验短片：《节奏21号》（Rhythmus 21）、《节奏23号》（Rhythmus 23）、《节奏25号》（Rhythmus 25）。影片中呈现出简单的黑白几何图形按照音乐节奏被绘制在胶片的负片上，通过连续的播放来探究一种节奏和动态的语言。同时他实验性的运用方形这一形状，从很简单到很复杂的排列组合形式，赋予这些形状的运动于精准的节奏。各种形状的排列分割方形的屏幕，或者根据管弦乐曲而变动阵列和形状。汉斯·里希特曾说：“通过接受电影四方边框这个事实并把它作为一种形式加以利用，这些分割然后就可以马上谱成曲子。在这个过程中，我领悟了新的感受——节奏，我至今仍然认为其是所有表现运动里的最主要的感受。”

        当前许多年轻的动画艺术家也尝试通过声音来创作动画，其中詹姆士·帕特森（James Patterson ）和阿米特·皮塔鲁（Amit Pitaru）非常热衷于音乐和动画的实验。皮塔鲁师从现代作曲家阿里克·夏皮罗（Arik Shapiro）学习作曲和钢琴，有良好的音乐基础，他说：“我想朝着可视音乐、运动音乐的方向拓展我的音乐之路。”同时，帕特森谈及他的作品：“我早期的绘画都聚焦于运动和动力学，发展到现在的动画设计，这是一个自然而然的过程。”他们这件作品《8月16日》（August 16th，2001）最初通过手绘图片，运用软件纪录他们的表演，最终用音乐动画的形式表达他们的想法。

        声音视觉化与视觉声音化动画作品中还有一种较为典型的艺术形式是MTV,其中《黄色潜水艇》(Yellow Submarine，1968)是动画MTV的早期尝试。它使声音和画面的发展不局限于像抽象动画一样对音乐本身特征的刻意描摹，也不局限于单一、古典、严肃的叙事方法和画面风格，而发现了音乐动画在品味、风格上的广泛空间。