一、百花齐放的中华民族戏剧

1.戏剧的起源和发展

中华民族戏剧起源于远古时期的原始歌舞，远古先民祭祀或得到劳动收获时往往要唱歌跳舞以示庆祝。经过汉代百戏、唐代参军戏、宋代勾栏艺术的发展，逐渐走向成熟。元代是我国戏剧史上的重要时期，出现了“元杂剧”和戏剧家关汉卿，标志着戏剧艺术的全面成熟。杂剧成为戏剧主要的文艺形式，一批杰出人才成为剧作家，如关汉卿、王实甫、马致远、白朴等人，产生了一批优秀作品，如《窦娥冤》、《西厢记》等。

明代，戏剧有了更大的发展，出现了昆曲，特别是出现了戏剧家汤显祖，他写的爱情故事剧本《牡丹亭》，充满深情和梦幻之美，有极强的感染力。

明末清初，北京很盛行戏剧演出。那时在北京舞台上经常有昆曲、秦腔、京腔等戏剧表演。随着四大徽班进京，逐渐形成了京剧。明清戏剧不断地高潮迭起。明代的各种声腔(海盐腔、弋阳腔、余姚腔、昆山腔等)兴起，清代形成五大声腔系统：高腔﹑昆腔、弦索、梆子，皮簧。从乾隆至道光，各大声腔在“合班”演出中相互影响，又陆续形成了-些新的大型剧种，如京剧等。清末，民间的地方戏也很兴盛，如花鼓戏、采茶戏、花灯戏、秧歌戏等。

2.戏剧行当

戏剧在长期的发展过程中形成了程式化的角色分行，生、旦、净、丑为四大基本分行。每基本行又可再分，生可再分为老生、小生、武生，小生又可分为中生﹑冠生﹑穷生。每一行都有角色特有的性格、道德品格及唱腔﹑念白的规定。如老生为中年以上刚毅正直人物，重唱功，用真声，念韵白，动作造型庄重。

行当的划分并不固定，有的剧种还有自己的分类，比如川剧的行当总的方面分生、旦、净、末、丑、杂等六大类。汉剧、粤剧等则分末、净；生、旦、丑、外、小、贴、夫、杂十行。

3.戏剧艺术的特点

（1）综合性的表演艺术

戏剧艺术包罗万象，涵盖的内容非常丰富。从组成要素来说，戏剧艺术综合了文学、音乐、舞蹈以及美术等艺术形式；从舞台呈现来说，戏剧以表演为中心，在此基础上要求灯光、服装、道具等要素的和谐统一；从表演方式上来说，要求唱念做打齐备；从欣赏要求来说，要求雅俗共赏、通俗易懂。戏剧是古代各类艺术的综合，这种综合的一个最主要的特点就是，整个中国艺术的原则在这里得到了一种形式美的定型。

广义的中国古代艺术发展到明清，小说和戏剧占据了中心地位，小说更典型地代表了中国社会转型期的市民趣味，而戏剧则代表了对整个古代艺术的总结。戏剧以其本身的综合性质把各门艺术(音乐、舞蹈、文学、雕塑、绘画)结合在一起并使之精致化了。音乐构成戏剧的一大因素。器乐不但调控全剧节奏(场与场的转换，唱、做、念、打的变换)，还为演唱伴奏，配合表演，渲染气氛。声乐在戏剧里不但要唱字，讲究“字正腔圆”，还要唱情、唱韵。戏剧的故事性使其吸收了小说的结构技巧和情节安排，但它刻画人物、推动情节又主要是靠念唱来进行的。念，取散文和白话之精华；唱，吸收诗、词、曲之丰采。戏剧之得于绘画，一是脸谱服饰的年画般的装饰风俗，一是演员和背景的空白所形成的画意。以虚运实，实则亦虚，虚实结合这类境界都在戏剧中得到体现。戏剧的雕塑因素在于表演中不断地亮相和定型，再者在于主要人物大段大段演唱时次要人物总是一动不动地站在那里。戏剧在诉诸观众视觉上，除了服饰的装饰性之外主要就是靠“舞”了。舞在戏剧里有优美而程式化了的文舞，也有包含着杂技和特技的武打。戏剧里的武打完全艺术化为一种非常有节奏和韵律的表演性的舞型。

（2）虚拟的表演方法

戏剧表演的主要方法是虚拟化。通过演员在台上的一些程式化动作，就可以实现戏台时空的转换。由屋内到屋外，由一地到另一地，可以使观众想像出戏台上没有的东西。用挥鞭程式表现骑马，用划桨程式表现行船，仿佛真有重物的搬东西，仿佛真有花的嗅的动作。戏台表现愈需虚拟化，表演动作就愈显程式化。正是在虚拟与程式的相互推进中，中国戏剧创造出了最具文化意味的形式美。

戏剧舞台上的道具非常简单，通常只有一张桌子和两三把椅子，那张桌子可以代表很多事物，它是桌子，也可以是山、房屋、高墙、城楼等，它是什么，全靠演员的表演来说明。

舞台上没有真实的门、车、船、山、马，而演员用手势、身段、步法就可以把生活中的开门、关门、坐车、划船、登山、骑马表现出来。演员用手做出开门的动作就表示了开门，手拿一根马鞭走路就表示了骑马，拿着两面画着车轮的旗子行走就表示了坐车，手拿船桨舞蹈就表示了船在水上行驶，四个兵卒在台上一站就代表了千军万马，演员在台上走—圈就表示走了很长的路。这种模仿生活动作的虚拟的表演，不但能把剧情交代得明明白白，而且能使观众在想象中得到美的艺术享受。这是以形写神、追求神似的我国传统美学思想的艺术表现。

西方戏剧追求生活的真实，舞台上道具要求真实，演员也是力图表现生活的真实，体现了一种生活的再现性;而我国戏剧是在虚拟的舞台上，通过演员虚拟性程式化的表演，艺术地表现生活和情感，体现了一种生活的表现性。在京剧《拾玉镯》中，剧中少女孙玉姣两手空空，完全靠演员的表演，把她轰鸡、喂鸡、数鸡、引线、穿针、绣花、开门、出门、拾玉镯的情节表现得惟妙惟肖，演员的这一连串动作集中体现了戏剧虚拟化的表演特色。

（3）优美的表演程式

戏剧的程式性源于要在一个小小戏台上表现大干世界。西方戏有布景，给了每场戏一个焦点，使得美学设计向现实化发展，中国戏剧无布景的空白，给表演以一种流转行动的自由，其美学意趣是向程式化发展。程式化也表现在戏剧表演的各个方面。

脸谱是戏剧演员面部化装的一种谱式，也是一种程式。剧中人物的脸谱在构图、色彩方面往往是固定的，不能随意变动。从色彩上看，一般红色表示忠诚勇敢，黑色表示刚强公正，白色表示阴险狡诈，金银色表示神话里的人。丑角的脸谱最简单，一般在鼻梁处画上一块白粉就行了。脸谱，是中国传统戏剧演员脸上的绘画，用于舞台演出时的化妆造型艺术。不同行当的脸谱，情况不一。“生”“旦”面部妆容简单，略施脂粉，叫“俊扮”“素面”“洁面”。而“净行”与“丑行”面部绘画比较复杂，特别是净，都是重施油彩的，图案复杂，因此称"花脸"。戏剧中的脸谱，主要指净的面部绘画。而“丑”，因其扮演喜剧角色，故在鼻梁上抹一小块白粉，俗称小花脸。

关于舞台脸谱的起源有几种说法，一种是源于我国南北朝时的北齐，兴盛于唐代的歌舞戏，也叫大面或代面，是为了歌颂兰陵王的战功和美德而做的男子独舞，说的是兰陵王高长恭，勇猛善战，貌若妇人，每次出战，均戴凶猛假面，屡屡得胜。人们为了歌颂兰陵王创造了男子独舞，也戴面具。戏剧演员在舞台上勾画脸谱是用来助增所扮演人物的性格特点、相貌特征、身份地位，实现丰富的舞台色彩，美化舞台的效果，舞台脸谱是人们头脑中理念与观感的和谐统一。

红色脸：象征忠义、耿直、有血性，如：三国戏里的关羽、《斩经堂》里的吴汉。其他：有讽刺意义，表示假好人。

黑色脸：既表现性格严肃，不苟言笑，为中性，代表猛智。如“包公戏”里的包拯；又象征威武有力、粗鲁豪爽，如“三国戏”里的张飞、“水浒戏”里的李逵、《杨排风》中的焦赞。

白色脸：表现奸诈多疑，含贬义，代表凶诈，如：三国戏里的曹操，《打严嵩》中的严蒿，秦桧。

黄色脸：勇猛、暴躁。如《战宛城》中的典韦。

蓝色脸：表现性格刚直，桀骜不驯，如：《上天台》中的马武、《连环套》里的窦尔墩。

紫色脸：表现肃穆、稳重，富有正义感，如：《二进宫》中的徐延昭、《鱼肠剑》中的专诸。其他：面色不好，丑陋。

金色脸：象征威武庄严，表现神仙一类角色。如：《闹天宫》里的如来、二郎神。

银色脸：表现奸诈多疑或威武庄严，表现鬼怪或神仙一类角色。如《攻潼关》中的木咤。

绿色脸：勇猛，莽撞，冲动。如《白水滩》里的徐世英。

脸谱的主要特点有以下三点：第一，美与丑的矛盾统一。其次，与角色的性格关系的密切。第三，脸谱的图案是程式化的。中国京剧脸谱艺术是广大戏剧爱好者非常喜爱的艺术门类，在国内外流行的范围相当广泛，已经被大家公认为是中国传统文化的标识之一。脸谱来源于舞台，大家在有些大型建筑物，商品的包装，各种瓷器上以及人们穿的衣服上都能看到风格迥异的脸谱形象。这远远超出了舞台应用的范围，足见脸谱艺术在人们心目中所占据的地位，说明脸谱具有很强的生命力。许多国际友人、国内的有识之士出于对中国戏剧脸谱的好奇与喜爱，都在探索脸谱的奥秘。

除脸谱外，程式还表现在穿戴类型，仅说纱帽，正直官员戴方翅纱帽，贪官污吏为圆翅纱帽；帽翅向上为皇帝或高官，帽翅平伸为一般官员，平时私下时为向下的帽翅。

三是唱法分类，如老生用本嗓，响亮的“膛音”或“云遮月”；小生大小嗓并用，文小生须刚柔相济，武小生则刚健有力。人物的心理活动除了通过唱念表现外，还通过身体和穿戴的一系列程式化动作表现出来，有翎子功、扇子功、手绢功、髯口功等等。如耍髯口就有擦(思忖)挑(观看)、推(沉思)托(感叹)捋(安闲自得)撕(气愤)捻(思考)、甩(激恼)抖(生气)绕(喜悦)等等。

戏剧除了唱、念、做、打表现人物故事外，在推动情节上也形成了一系列动作程式。如起霸，是表现古代战士出征上阵前整盔束甲的一种程式，男霸要刚健有力，女霸重英姿飒爽。走边，表现侦察、巡查、夜行、暗袭、赶程等。跑龙套，四个龙套代表千军万马，一个圆场象征百里行程，如此等等。

（4）集中性的表演时空

戏剧表演的时间和空间比较有限：空间有限主要是针对戏剧艺术的舞台布局来说的，一般来说，戏剧舞台为三面封闭，一面敞开面向观众的布局,结构比较封闭，能够回旋的空间比较小；时间有限主要是针对戏剧艺术的持续时间来说的，观众的有意注意时间比较有限，“戏剧艺术只有吸引观众的有意注意,延长有意注意的时间,才能在观众头脑中留下深刻的印象，才能最大限度吸引观众的注意力”。正因为观众的注意力比较有限,因而戏剧艺术的表演时间也存在一定的范围，通常为两到三个小时。除时间和空间的集中外，戏剧艺术的集中性还表现在其他几个方面：

第一，主题集中。简练精悍是戏剧艺术的一大特征，因为戏剧表演的时间相对比较有限,而戏剧艺术又必须在有限的时间内准确地表达某一个主题。正因为这样,决定了戏剧艺术必须做到主题明确集中，切忌模糊不清或出现多个主题，没有侧重点；

第二，人物集中。人物集中是戏剧艺术集中性的一大体现，戏剧艺术的人物一般比较固定，主要以几个人物为表演重点，无法囊括过多的人物；

第三，场景集中。戏剧艺术的舞台比较狭小，表演时间比较紧凑，无法及时更换场景，也不可能详细地阐述事件发展的全过程。因此, 戏剧艺术就必须充分利用有限的场地空间，提高场景的使用效率和集中度；

第四,情节集中。戏剧艺术的情节安排比较紧凑,情节之间的空档期比较短。情节集中的目的是利用有限的时间重点突出主要问题和矛盾，将不同时间、地点发生的事情在某一个时间段和地点集中表现出来；

第五，矛盾集中。矛盾性是戏剧艺术的重要特征,只有集中突出主要矛盾，才能最大限度吸引观众的注意力。主要矛盾和次要矛盾是矛盾的两个方面,在戏剧舞台上，主要矛盾是表演的重点,戏剧艺术的重点就是在有限的时间内集中展现主要矛盾，使矛盾在观众有意注意的时间内最大限度被观众感知。

4.演员与观众

戏剧是综合性的表演艺术，因此戏剧演员要具备比较好的条件。一个好演员必须扮相好，身材好，嗓子好，眼睛要富于表现力，腰、腿、手指要灵活。任何一个好演员都要经过长期的基本功训练。有突出成就的艺术家的表演艺术往往形成流派。如京剧演员梅兰芳的表演艺术叫“梅派”，马连良的表演艺术叫“马派”，评剧演员白玉霜的表演艺术叫“白派”，新凤霞的表演艺术叫“新派”。

各个剧种都有自己的表演特色，都要靠演员来实现。就拿唱腔来说：京剧的唱腔丰富优美，秦腔的唱腔高亢洪亮，越剧的唱腔婉转清丽，豫剧的唱腔流畅直白，梆子的唱腔高亢响亮，评剧的唱腔通俗自然。各个剧种往往还有自己的“绝活儿”，如优美的“扇子功”“手绢功”是很多剧种的拿手技艺，而秦腔的“喷火”、川剧的“变脸”更是令人惊叹的绝活儿。

在戏剧所有的绝活儿中，川剧的变脸应该是观众最喜爱的一种了。变脸是川剧表演艺术的特殊技巧，它可以表现剧中人物思想感情的强烈变化，把不可见的心理状态变成可见可感的具体形象——脸谱。

在我国，喜欢戏剧的观众是相当多的，他们懂戏，会看戏，对同一个剧目往往百看不厌。他们之中有很多“戏迷”，看戏时，对于自己崇拜的演员的唱腔、动作，戏迷们会高声叫好，为演员"捧场"，剧场气氛相当执列。简言之，观众的存在和发展是戏剧艺术存在的前提。

二、中华民族戏剧主要剧种介绍

我国是一个戏剧大国，形态各异的戏剧活动活跃在广大的地区。总的来说，戏剧形态是融音乐、舞蹈、表演为一体的。成熟于公元12世纪的戏剧，在长达 900 多年的时间里始终保持着自己的基本形态。今天，京剧、评剧、越剧、黄梅戏、豫剧成为我国的五大剧种，此外，昆曲、川剧、秦腔、晋剧、河北梆子、粤剧、绍剧、吕剧、藏戏等也都是大剧种。据不完全统计，我国戏剧剧种有三百多个，演出的剧目数以万计，传统剧目最多，也有一些新编现代戏。

1.京剧

京剧又称“皮黄”“西皮”“二黄”“黄腔”“京调”“京戏”“平剧”“国剧”等，是我国流行最广、影响最大、最有代表性的戏剧剧种，为“中国国粹”，素有“国剧”之称。

京剧约形成于19世纪清代的北京，盛行于20世纪三四十年代，是个有着将近200年历史的戏剧剧种。京剧是在清代地方戏高度繁荣的基础上产生的，清乾隆五十五年（1790年），四大徽班（三庆班、四喜班、春台班、和春班）陆续在北京演出，深得京师观众喜爱。徽班以唱徽调为主，二黄调是徽调的主要腔调。嘉庆、道光年间，以唱西皮腔为主的湖北的汉调艺人进京，他们与徽班演员同台演出，相互影响，于是出现所谓“徽汉合流”。道光十四年（1834年）前后，湖北艺人余三胜、谭志道等人终于将西皮腔和二黄腔结合在一起，皮黄腔正式形成，京剧从此出现在中国的戏剧舞台上。

从道光十四年到19世纪末，号称“老三鼎甲”的程长庚、张二奎和余三胜，以他们精湛的技艺，为京剧艺术的形成和发展作出了贡献。同治六年（1867年），北京三庆班的一些艺人到了上海，使上海渐渐成为又一京剧中心，对南方京剧的发展起了极大的推动作用。在同治、光绪年间，出现了名列“同光十三绝”的京剧表演艺术家及不同流派的宗师，标志着京剧艺术的成熟。继“老三鼎甲”之后，“后三鼎甲”谭鑫培、孙菊仙、汪桂芬博采众长，锐意求新，为京剧表演艺术开拓了新天地。京剧在艺术形式上善于继承传统，并不断创新，以梅兰芳为代表的四大名且的且行艺术和以余叔岩、杨小楼为代表的生行艺术都达到了顶峰，代表着京剧艺术的鼎盛时期。

长期以来，京剧以演历史故事为主，传统剧目有1300多个，其中广为流传的有《将相和》《群英会》《空城计》《三岔口》《打渔杀家》等。抗日战争时期，在陕甘宁边区开始了京剧改革工作，编演了《逼上梁山》《三打祝家庄》等新剧目。中华人民共和国成立后，在“百花齐放，推陈出新”方针指导下，京剧更焕发出勃勃的生机。

2.评剧

评剧流传于中国北方，是汉族传统戏曲剧种之一，是广大人民所喜闻乐见的剧种之一，位列中国五大戏曲剧种。曾有观点认为是中国第二大剧种。清末在河北滦县一带的小曲“对口莲花落”基础上形成，先是在河北农村流行，后进入唐山，称“唐山落子”。评剧有东路、西路之分，而以东路评剧为主。 

20世纪20年代左右流行于东北地区，出现了一批女演员。20世纪30年代以后，评剧表演在京剧、河北梆子等剧种影响下日趋成熟，出现了李金顺、刘翠霞、白玉霜、喜彩莲、爱莲君等流派。1950年以后，以《小女婿》、《刘巧儿》、《花为媒》、《杨三姐告状》、《秦香莲》等剧目在全国产生很大影响，出现新凤霞、小白玉霜、魏荣元等著名演员。评剧仍在华北、东北一带流行。

3.黄梅戏

黄梅戏的起源最早可追潮到唐代，流行于安徽、湖北、江西等省的部分地区，清乾隆末期由传人安徽安庆一带的湖北黄梅采茶调逐步发展而成。在剧目和音乐上，曾受青阳腔和微调的影响。1926年进入城市舞台。以歌舞并重为特色。唱腔分花腔、彩腔、正腔三类。中华人民共和国成立后整理的传统剧目《打猪草》《天仙配》《女骑马》等影响教广。在唱腔和表演方面都有突出成就的演员有严风英等。

4.豫剧

豫剧起源于明朝中后期，也称“河南椰子”“河南高调”，流行于河南及临近各省的部分地区，系明代山陕椰子传人河南后，同当地民歌小调结合而成。说由清代北曲弦索调演变而成。清乾隆年间已有职业班社。有豫东调和豫西调两大支流。以椰子击节，以板胡为主要伴奏乐器。传统剧目近800个，中华人民共和国成立后整理了《穆桂英挂师》，并编演了《朝阳沟》等现代戏。著名演员有常香玉等。

5.越剧

流行于上海以及许多省区的大城市。“越剧”起源于“落地唱书”，后又有称为“女子科班”“绍兴女子文戏”“的笃班”“草台班戏”“小歌班”等。1916年进人上海，称“绍兴文戏”，受绍剧、京剧等剧种的影响，在表演、音乐等方面有较大发展。20世纪30年代中，形成全部由女演员演出的“女子文戏”。抗日战争时期浙东敌后根据地曾对其加以改革；同时在上海受话剧、昆剧的影响，在表演上得到进一步发展，形成歌、舞并重的风格，1938年始称越剧。中华人民共和国成立后整理改编了《梁山伯与祝英台》《红楼梦》《祥林嫂》等，并恢复了男女合演。著名演员有袁雪芬、尹桂芳、范瑞娟、傅全香等。

6.昆曲

昆曲原名“昆山腔”“昆腔”，又被称为“昆剧”，发源于苏州昆山一代，是中国传统戏剧中最古老的剧种之一。昆曲与古希腊戏剧、印度梵剧并称世界三大古老戏剧，而且是唯一仍然活跃在现实生活中的古典戏剧。元代后期，“南戏”与江苏昆山一代的语音和音乐相结合，又经昆山音乐家顾坚改进，进一步发展。明以后，杂剧衰落，“南戏”传奇兼收杂剧音乐，改名昆曲，成为明清两代有着最多作家和作品的第一声腔剧种。京剧、川剧、越剧、黄梅戏等许多剧种都是在昆剧的基础上形成和发展起来的，因此昆曲有“中国戏剧之母”之称。昆曲剧目丰富，格律严格，受到上层社会欢迎。乾隆末年，昆曲在北方的优势地位慢慢丢失。昆曲的代表作品有《牡丹亭》《长生殿》《十五贯》。昆曲最著名的作家为明代戏剧家汤显祖（1550年—1616年)，他的代表作是《牡丹亭》《邯郸记》《南柯记》《紫钗记》等四部作品，被称为“临川四梦”，三百年来传唱不衰，产生了深远的影响。其中，“游园”“惊梦”是《牡丹亭》的代表片段，也是昆曲中最著名的折子戏。2001年5月，中国昆曲被联合国教科文组织宣布为首批“人类口述和非物质文化遗产代表作”。

7.秦腔

流行于陕西、甘肃、宁夏、青海、新疆等省区。一般认为明中叶以前在陕西、甘肃、山西一带的民歌基础上形成，明末清初流传各地，对许多剧种都有不同程度的影响。音调激越高亢，为椰子腔系统中的代表剧种。流行于陕西的秦腔，以西安乱弹（中路秦腔）为主，又有同州椰子（东路秦腔）、西路秦腔（西府秦腔）和汉调桃桃（南路秦腔）等。传统剧目2700多个，抗日战争时期，陕甘宁边区文艺工作者曾用秦腔的形式，创作《血泪仇》等现代戏，对于革命宣传和艺术改革都起到了积极作用。中华人民共和国成立后整理的传统剧目《赵氏孤儿》《三滴血》等影响较广。主要传承人物：马友仙、贪宗翰、李爱琴、肖玉玲、康少易、吕明发、余巧云等。

8.粤剧

粤剧的源流可以追溯到四百多年前的明代中叶，它是溶汇明清以来流入广东的海盐、弋阳、昆山、梆子等诸腔并吸收珠江三角洲的民间音乐所形成的以梆子（京剧称西皮）、二黄为主的南方剧种，流行于广东、广西、台湾和港澳。清末民初之交，越剧群星闪耀，名伶辈出，如千里驹、肖丽湘、小生聪、周玲利、李雪芳。千里驹有“花旦王”之称，李雪芳则被康有为誉为“南雪北梅”，与梅兰芳并提。20世纪30年代在粤剧史上称为“薛马争雄”的时代，薛觉先接近京剧风格，表演技巧比较全面，生旦净丑无所不能，有“万能老倌”的绰号，但以小生为出色，代表性剧目有《胡不归》等四大悲剧。马师则以丑角取胜。粤剧中思想和艺术质量较高的传统剧目有《平贵别窑》《罗成写书》《搜书院》《关汉卿》《宝莲灯》等。

9.川剧

流行于四川和云南、贵州的部分地区。原先外省流人的昆腔、高腔、胡琴腔（皮黄）、弹戏和四川民间灯戏5种声腔艺术，均单独在四川各地演出，清乾隆年间（1736―1795年），由于这5种声腔艺术经常同台演出，日久逐渐形成共同的风格，清末时统称“川戏”，后改称“川剧”。川剧表演细腻、幽默，有完整的程式动作。分川西派、资阳河派、川北河派、下川东派4个支派。传统剧目现存2000多个。中华人民共和国成立后整理编演的《柳荫记》《夫妻桥》等影响较广。著名演员有袁玉、琼莲芳、阳友鹤、陈淡然等。

10.藏戏

流行于西藏自治区和青海、甘肃、四川、云南的部分地区。藏戏的藏语名叫“阿吉拉姆”，意思是“仙女姐妹”。据传藏戏最早由七姐妹演出，剧目内容又多是佛经中的神话故事，故而得名。藏戏起源于8世纪藏族的宗教艺术，17世纪时，从寺院宗教仪式中分离出来，逐渐形成以唱为主，唱、诵、舞、表、白和技等基本程式相结合的生活化的表演。演出分“顿”（开场式）、“雄”（正戏）、“扎西”（演出结束的集体歌舞）三部分。伴奏以鼓、擦为主，唱时有帮腔。过去多在广场演出，人物大多戴面具。剧目均有一定的神话和宗教色彩。觉木隆藏戏是在所有藏戏剧团和流派中艺术方面发展最为完备丰富、影响最大、流传也最广的一种。觉木隆藏戏经过唐桑、米玛强村、扎西顿珠等几代艺术家的组织经营、精心创造和改革丰富，逐步兴盛起来，还出了几个著名的演员，如阿妈拉巴、阿妈次仁、阿古登巴、次仁更巴等。1960年后成为舞台剧，并整理演出了《朗莎雯波》《文成公主》《诺桑王子》等传统剧目。

11.壮戏

壮戏是壮族的主要戏剧剧种，也称壮剧，流行于广西及其它壮族聚居地。可分师公戏、北路壮戏和南路壮戏等。师公戏又名“唱师”主要流传于广西河池、来宾、贵县一带，它是从“跳神”的基础上发展而来。师公戴面具，边跳边舞，壮语演唱，以表现请神驱鬼、祈福消灾或丰收酬神的宗教内容。北路壮戏主要流传于广西田林、隆林、西林、百色等地，用壮语北部方言演唱。它是在旧州（今百色地区）一带的民歌、唱诗和民间杂耍“板凳戏”的基础上发展起来的，有《侬智高》手抄壮剧本等。南路壮戏主要流行于广西靖西、德保、那坡、大新一带，用壮语南部方言演唱，它包括靖西壮族提线木偶戏和德保的马溢壮戏。靖西木偶戏演唱时多用“呀哈嗨”为衬腔，又叫“呀嗨戏”。演唱时多用帮腔，高亢动听。剧目多取材历史小说，马溢戏是近代新剧种，在“马溢调”、“汉龙调”和靖西木偶戏基础上发展形成。最初用“双簧式”演唱，后来又吸取邕剧、粤剧演唱合一和表演技艺上的长处。主要剧目有《解白》《百鸟衣》等。

12.话剧

话剧以对话和动作为主要表现手段，也可以使用少量音乐、歌唱等形式的戏剧。

中国早期话剧产生于1907年，当时称“新剧”或“文明戏”；五四运动后，欧洲戏剧传人中国，中国现代话剧兴起，当时称“爱美剧”“白话剧”或“真新剧”，欧洲各国通称戏剧。1928年，戏剧家洪深提议定名为“话剧”。郭沫若的《屈原》老舍的《茶馆》、曹禹的《雷雨》等，都是我国著名的话剧。