舞蹈编导基础理论部分：

第一节，舞蹈编导的社会功能

舞蹈艺术因其社会功能的不同大体可分为两种，即以自娱为主的群众舞蹈和以表演为主的专业表演舞蹈。作为舞台艺术的一个重要门类，舞蹈编导主要是指舞台表演艺术的舞蹈创作。新中国成立半个世纪以来，中国的舞蹈艺术逐渐繁荣发展。目前，全国己有数千名专业舞蹈工作者，拥有数以百计的专业舞蹈团体，他们创作了大量不同类型的舞蹈作品，其中为广大人民喜闻乐见的优秀作品不胜枚举。人民喜爱舞蹈艺术，社会需要舞蹈艺术。

舞蹈是一门视觉直观艺术。它不分国界，也不存在任何欣赏的障碍，因此便于国际间的文化交流。世界上许多国家的著名舞团都曾到中国进行交流、公演，受到了中国人民的热烈欢迎和高度称赞。同样，中国也有众多优秀舞团在世界各地的演出中为祖国赢得了荣誉。人民会永远记住优秀的表演艺术家，会永远记得那些脍炙人口的作品，会永远记得那些作品的创造者。优秀的作品是人类舞蹈文化的共同财富，作品与作者是并存的，这必将激发我们的舞蹈编导们为这一创造性的劳动贡献出毕生的精力。

 

第二节，舞蹈编导的职责

作为职业创作者，舞蹈编导的工作是十分艰苦的，它要身兼编剧、导演二者于一身，独立承担作品创作的全过程。从作品创作的动意开始，直到作品完成搬上舞台，舞蹈编导要事必躬亲。在前期的选材、构思、完成作品结构、编舞等整个过程中，编导都要独立地甚至是孤独地在创作道路上探索；而在后期的排演合成与各部门的合作中，编导也须担负起组织和领导的责任。尽管创作的过程是艰苦的，但它也有美好的一面。当你踏入舞蹈创作的未知领域，动作、形象、语言的奥妙就会不停地、苦苦地缠绕着你；一旦有所发现，你就会感到无比的惊喜和欣慰。这是对创作者孜孜以求、为舞蹈痴迷和奉献的精神回报。

对比舞蹈编创和其他艺术门类的创作过程，可以看出它们的异同。例如，同为舞台艺术的戏剧是由剧作家先写出剧本，再由戏剧导演将剧本中的文学形象加工再创造为舞台形象。而舞蹈作品则不同，编舞和导演这两个创作步骤均由舞蹈编导一人完成。这是因为舞蹈编导在创作过程中的思维方式、表现手段以及材料与戏剧都不相同。剧作者在创作中更多地是考虑剧中的角色应该怎样处理台词、 怎样表演；而舞蹈编导更注重考虑作品中的角色怎样跳舞、跳什么样的舞才是形象化的舞蹈语言，这就要求编导必须独自面对全部的创作过程。在制作大型舞剧时，也会请一位剧作家来编写剧本，但一般情况下只是一个故事的梗概、一个大体的框架，舞剧的结构计划仍需舞剧的编导来完成，因为这不仅涉及舞蹈语言的编创，还与音乐的编创和乐曲的安排密不可分。所以，编剧这一环节必须由舞剧编导最后完成。

舞蹈编导的创作过程大体可分为四个阶段。首先是选择题材，确定内涵。戏剧性的作品则为主题、人物、情节、背景等。而后以舞蹈思维的方式进行构思，以求完成作品的结构计划。这一阶段的创作决定着整个作品创作的成败，因此需要经过反复审视，确认之后才可以进入第二阶段。进入第二阶段先要寻求音乐的合作，无论是请作曲家为新作品谱曲，用现成的音乐作品进行创作，还是以剪辑的方式组接乐曲，目的都是为了将音乐和舞蹈融为一体。如果是根据一部己有的音乐作品来创作舞蹈，那么第一阶段的几个步骤则要放到选好音乐之后进行。第二阶段最重要的内容及步骤就是编舞，即创造舞蹈形象、组织舞蹈语言，这个阶段最能体现编导的创作特点，是为作品内容寻求外化形象予以表达的阶段。第三个阶段是与演员合作进入排练阶段。首先要把所设计的舞蹈动作逐个教给演员，在演员逐渐熟练并掌握一段舞蹈的同时，引导他们进入角色的创造。具体地说，就是编导在排练过程中要反复做示范，及时纠正演员的动作，使他们尽快熟练、协调，并与角色所要求的感情相互融合，进而完成演员的人物塑造。第四阶段，也是作品完成的最后阶段，是与舞台各部门协调合作、完成舞台形象的最终体现，包括舞台美术、灯光、服装、道具、化妆、音响等部门设计在舞台上进行逐步地合成，完成舞蹈作品创造的全过程，而这一过程只能是在舞蹈编导的主持、协调和指导之下完成。

尽管舞蹈作品的规模、时间、演员、样式风格有所差异，但其工作的整体内涵和操作程序是大体一致的。如果把舞蹈作品的创作比作一项工程，那么从设计到施工，舞蹈编导是独立承包到底的，除了合作人员及客观条件的制约外，编导要对作品的质量负全部的责任。

 

第三节，舞蹈编导的知识结构

舞蹈编导是艺术创造性的工作，需要具备精深的专业知识和艺术修养，只有这样才有可能创作出高水平甚至传世之作。然而，知识是无限的，没有人能够全部学习并掌握，每个人都只能根据自己的职业要求学习、掌握本专业所需的知识和技能，并在此基础上继续发展和创造。因此，作为一名舞蹈编导，要对本专业所必需的基本知识结构有一个清楚的了解和认识，以便更合理的分配自己有限的时间和精力，不断丰富知识、提高艺术修养。

什么是舞蹈编导合理的知识结构呢？这是由其担负的创作职责决定的。一般而言，应包括四个方面。

一、坚实的舞蹈基础

作为一名舞蹈艺术的创作者，舞蹈编导理应熟练地掌握一两种舞蹈，并对该种舞蹈的发展历史及风格特点有较深刻的理解。例如中国古典舞、中国民族民间舞、芭蕾舞、现代舞以及外国的代表性民间舞等等。舞蹈作为舞台艺术中一门技术性很强的人体艺术，必须经过长时间的专业学习和训练才有可能掌握。所以，选择编导专业除了需要舞蹈中专毕业的学历外，还应具备两年以上舞台实践的基础。这是因为编导所创作的作品需要通过演员这个载体转化为可视的艺术形象， 况且在作品的创作中，编导还要指导演员进行角色的塑造。如果编导本身缺乏作为舞蹈演员的创作和表演的实践及体验，不能真正理解演员的表演艺术，他们二者之间将很难合作。

从另一个角度讲，舞蹈动作是艺术创作的基本材料，也有人称其为舞蹈素材。 如果创作者本人都不掌握、不熟悉原材料，创作也就无从谈起。这种对创作材料的掌握、积累和种类的扩展在创作上的需要是无止境的，随着创作生命的延续，编导要不断地学习、掌握新的舞蹈材料。老一辈的舞蹈编导过去几乎每年都要抽出一定的时间到民间采风，目的就是为了不断学习新的舞蹈形式、掌握各种不同的舞蹈风格特点，丰富自己的创作素材。

除此之外，尽管舞蹈编导的这种创作活动要通过舞蹈的创作思维或称创造的想像来进行初期形象的捕捉和语言的设想，但终归编导要亲自去做，亲自在动作的实践中完成形象和语言的设计，并且还要通过亲自示范把一个个动作教给演 员。所以，掌握舞蹈素材、对某类舞蹈有深刻的理解和把握，是舞蹈编导重要的专业基础。

二、舞蹈编导的理论知识和基本技术方法

在各类艺术的创作领域，都有其基础理论和基本技术、技法提供给初学的学生来学习和锻炼。这种基础理论和基本的技术、技法是前辈艺术家长期创作实践的经验总结和科学的归纳，它可以使学生在具备了一定的专业基础之后，从一个高起点去开辟自己的创作之路。舞蹈编导学科教材和教学方法的科学性在于：其一，树立起一个明确的对舞蹈艺术、舞蹈创编的观念和认识；其二，创编方法及技术的严格训练。经过由浅入深、从简到繁的训练，通过引导，使学生的创造性思维和创作实践的能力逐步得到提高、直至可以独立进行艺术创作。20世纪50年代，北京舞蹈学校曾聘请苏联的舞蹈专家来华举办了两届编导训练班，造就了一个创作的群体，为新中国舞蹈事业的发展起到了很重要的作用。舞蹈学院编导专业自设立以来，经过二十多年的教学实践，己经培养了数百名本科和大专毕业生。他们毕业后在各地创作实践的效果和质量可以证明己经产生了一代新的创作群体，并且创作出一批数量可观的优秀作品。

三、要有较高的音乐知识和修养

舞蹈艺术的综合性除了舞蹈本体之外，最重要的就是音乐。人们在欣赏舞蹈作品、满足视觉形象感知的同时，也融合了音乐的听觉感受，舞蹈和音乐的不协调将直接影响或减损作品欣赏的完美。编导在创作过程中特别是在编舞时要依托 音乐来进行，因此，编导的乐感和对音乐的认识以及理解程度势必影响着舞蹈作品的优劣。这就决定了编导不仅要有舞蹈演员那种强烈的乐感，还要在理性上对音乐有较深的认识和修养，例如，音乐的类别、曲式、调性以至乐队的组成、各种乐器的性能和表现特色等等。所以，在编导专业的课程中设置了基础乐理、视唱练耳、读谱、曲式及音乐作品欣赏等，其目的就是要提高舞蹈创编者的音乐修养和创作素质，这是新一代舞蹈编导必须具备的。

据了解，国际上一些重要的芭蕾舞团在聘请艺术指导时将音乐素质作为重点考察项目，要求编导在阅读乐曲总谱的条件下进行编舞创作，这是受聘条件之一。 我们的编导和编导教学一时还难以达到如此高的要求，但这应当是我们努力追求和提高的一个方面。

 

四、要有较高的文化程度

舞蹈艺术是人类文明发展所创造的一种艺术形式，也是一种文化形态。作为推动和创作舞蹈艺术的舞蹈编导，就应当具备较高层次的文化水平。特别是文学和历史是我们认识人类社会，了解、观察、分析、研究社会生活以及各种不同的人在不同环境、不同境遇中的思想、感情和行为的重要途径。艺术创作者既是以艺术作为反映人类生活的手段，就应当对社会、对历史、对各种不同的人有比较深刻的认识，这样所创造的艺术形象才是活生生的、令人信服的。所以，舞蹈编导应当具备较高的文化修养。我们把编导设定为大学的一个专业，这在一定程度上保证了编导的文化素质。尽管如此，这对于学生毕业后将从事舞蹈艺术的创作来说还是远远不够的，还需要在长期的创作实践和社会生活中不断丰富和提高自己的文化知识水平。

以上所述的四个方面应当是舞蹈编导专业的知识基础，其他相关的知识修养也有多项是很重要的。

1，生活体验的积累。这是创作的源泉，也是一个艺术创作者所必需的。如果缺乏大量社会生活的直接观察和体验，就会导致创作缺少活力甚至枯竭。

2，对舞台美术知识的了解。舞美设计是作品创作的合作者之一。无论是布景、服装、灯光等设计部门，都会在编导的作品中集中体现。编导要成为这些部门设计的知音，理解他们的创意并且帮助他们调整、改进，使他们的设计融合到作品的统一意图中来。这就需要编导学习和具备有关舞美各部门的知识和审美能力，否则在合作中很难有共同语言，更难以求得创作的统一性。

3，戏剧的知识。这对于创作带有人物、情节的作品或者大、中型的舞剧作品是非常必要的。如果我们对戏剧的一些基本要素，比如情节、事件、矛盾冲突、人物性格、环境背景等一无所知或知之甚少，在这类作品的创作中就会困难重重。

4，其他也还有不少领域可供不同兴趣的编导们进行选择，以拓宽自己的知识面。例如，民俗学就是专攻民族、民间舞的编导所应重视的；书法、武术、诗歌、 摄影乃至一技、一艺，编导都可从中获得教益。“他山之石可以攻玉”，借鉴各种门类的知识都可能促进本门艺术的创造，所以，相关知识的储备都是必要的。

知识结构不是一个抽象的概念，一个职业舞蹈编导的知识结构是否合理，各种知识和技能的高低，将决定其创作的方向和艺术生命的枯荣。

 

第四节，观察生活、捕捉形象

一、观察生活

生活是一切艺术的源泉，舞蹈也不例外，创作者要在课堂以外汲取素材，养成习惯，这是专业编导一门永不毕业的课。社会生活无处不在，创作者首先要做到的是打开感觉器官，也就是通过视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉来感知周围世界，好比一块海绵扔进水里，吸取来自各方面鲜活的感觉。

二、捕捉形象

作为舞蹈编导，只有构思是不够的，更重要的是把头脑中的想法外化，成为他人能感受到的舞蹈。毕竟所有的创作意图最终都是通过舞蹈来呈现的。如果构思与舞蹈分离，势必会造成“舞非此意”或是“有意而无舞”。那么，如何才能在创作中把握尺度，使你未来的“这一个”构思恰是“这一个”舞蹈呢？

首先要找到一个作者意图与观众接受的结合点。观众无论在何时何地欣赏舞蹈，总是以其个人的生活经验作为评价标准的，而作者的构思同样来自于平日的生活体验。因此，共同的社会体验就是二者的结合点。一个作品想要得到观众的认可，就必须依托客观的社会生活，使作品“源于生活又高于生活”。因此，作者应当以观察生活为基点，即：从捕捉生活中的舞蹈形象入手。

捕捉“这一个”舞蹈形象，要从相应生活中的运动形态和运动节律中去寻找、 提取，成为“这一个”舞蹈的动态和动律。它是让观众看到舞蹈时能够联想到生活中所见的物、事，从而认可并接受“这一个”舞蹈。

捕捉了舞蹈形象只是编舞的起步，要想将捕捉到的形象上升为舞蹈，在技术上还有不少环节要学习。除了技术环节外，我们还要努力使艺术境界升华达到舞蹈的境界。也就是说，我们在生活中不仅要寻找到所需的动态、动律，还要将感受到的情调、氛围融合到舞蹈艺术所需要的意境中去。

舞蹈艺术可以没有情节，但不能没有情调、意境，这就要求创作者本身首先有氛围感、情调感，并且使自己的舞蹈在应有的情调、意境中展开。以张艺谋为例，在他当摄影或是当导演的影片中，有时候情节已经消褪得相当简单和模糊，最后打动观众、感染观众的是那浓浓的氛围和意境。张艺谋是一个营造氛围和意境的高手，《黄土地》、《红高粱》、《菊豆》、《大红灯笼高高挂》、《秋菊打官司》等等都是这样。同样，一个舞蹈意境给观众留下的印象往往比动作本身还要深刻。

 

第五节，舞蹈语言技术

(一)什么是舞蹈语言

舞蹈语言是指在一定的时间内，一个或多个舞蹈动作与呼吸、力度、音乐旋律、节奏、道具、服饰等因素结合，经过编创者精心地组织结构，使其成为能够表达一定思想、情感、意图的特殊的肢体语言和表现形式。它具有情绪、情节表意功能，能够较为明显地展示创作者的创作风格特点，并具备相应的体裁特征。

(二）舞蹈语言的表达作用

正如音乐的乐句、乐段一样，舞蹈语言也是通过动作动机的变化、发展、组织结构形成舞蹈的句子、段落，以此来展示某种特定的风格魅力或表达某种特定的情感、情绪再者，可以表现某种特定的情节理念。我们把单个动作比作语言单音节、单词，把舞句、舞段形容为单音节、单词连接形成的语言句子、段落。我们正是依靠这些舞蹈句子、段落来阐述创作者的一切意图；正是依靠这些舞蹈句子、段落与欣赏者进行无声的交流。如果舞蹈动作、句、段形成的舞蹈语言编排得准确、独特、精彩，就能提高作品质量，达到与欣赏者之间的心灵沟通。反之则不然。

(三）舞蹈语言的创作特点

舞蹈编导苦苦追寻的就是其创作的舞蹈语言能够准确、生动、独特，通过舞蹈语言的创作呈现，能够表现出创作者自身的创作素质、爱好、情趣、材料积累以及性格状况等。因此，每一位编导进行舞蹈语言的创造其实是对他自身的写照。有些编导喜欢运用夸张手法来创造语言；有一些编导则偏爱运用“反复”的手段来“说话”；有一些编导善于将生活动态、戏剧性语言舞蹈化；还有一些编导则乐于将舞蹈动作生活化。总之，语言因人而异，也应该因人而异，这也是舞蹈语言创作的特点之一。

在进行单一动作元素的分析、分解、变化、发展之后，我们实际上就己经开始了 “语言”设计。将我们所学到的技法反复地、多样地、多向地组合运用，并逐渐加进其他因素，如:音乐旋律、节奏、情感、气息、舞台特殊空间、服饰、道具、化妆以及其他媒介等等，你会发现，可以选择的语言表达方式太多了。此时此刻，选择准确的语言就显得尤为重要，语言的组织也不像动作的选择那样纯技术化了，它要求尽可能地准确。这是舞蹈语言创作的另一个特点。

语言讲究主语、谓语、宾语、连接词等一般语法规则，舞蹈语言也是一样。虽然艺术创作追求创新，但语言的基本规律是需要明确与掌握的。因此，单一动作与动作之间的连接是创作舞蹈语言组织得是否准确、流畅的重要因素。有时候，选择一个或几个单一动作不难，难的是选择什么样的连接方式，这一点无论在独舞还是在双人舞、群舞中都非常重要。所以，适当地连接动作是保证舞蹈语言质量的手段之一，也是舞蹈语言创作的一个重要的特征与特点。

一位掌握了丰富民间舞素材的编导，往往善于运用一系列的民间舞动作来组织他的语言表达；一位受过严格芭蕾技术训练的编导，也总是喜爱把芭蕾的动作经过他的重新组合来说他的“话”。无数不同类别的舞蹈创作都是由于该舞蹈的编创者的不同素材积累而呈现出风格迥异的特征。因此，舞蹈语言的风格特征又是舞蹈语言创作的一个重要特点。

(四）舞蹈语言在教学创作中的地位

在我们学习并掌握了动作的选择、分析、变化、重组、发展等技法后，就进入到动作语言的组织阶段了。这一阶段是对前一段学习的强化与发展，是该运用“文字”进行“造句”的阶段了。由动作发展成为句、段等语言单位，由若干个语言段落来表达情感、表现情节，又由连续的情感抒发或连续的情节演进，就形成了完整的舞蹈作品或舞剧场次。所以我们说，语言的组织、编创是重要的、实用的阶段，是编创者素质、风格、情趣得以全面发展的阶段，是编导学生步入成熟的必经阶段。

第六节，舞句和舞段

舞蹈的造句与单一的舞段是编舞基础训练中语言技术的重要组成部分，是“动作元素分解、变化技术训练”的延伸与扩展，并为下一步完整舞蹈作品的编排提供了技术结构的基本单位，也是寻找舞蹈核心动作，确立舞蹈风格、形象与情感内涵的重要过程。

1，什么是舞句

舞句是指在舞蹈总构思中具有结构性质的基本单位，包括形象、情感内容。舞句通常作为舞蹈的第一句，具有核心动作的意义，而核心动作能够起到变化、发展和再现的作用。

2，什么是舞段

单一舞段是指在结构意义上大于舞句的结构单位，是数目不等、长短不一的乐句的组合。它分为方整性、不方整性、特殊性三种，与音乐联系十分密切。在功能上，较之舞句更为完整、稳定、丰富，能够较为鲜明地体现舞蹈形象与情感，且与音乐上的一个完整乐思相似。

一个优秀的舞段通常具备以下几点：

（1）情绪特点——喜、怒、哀、乐、幽默、抒情等。

（2）体裁特点——样式、类别：独舞、双人舞、群舞、交响诗等；性质：悲剧、喜剧、正剧等。

（3） 风格特点——民族、时代、个人风格等。

 

第七节，什么是舞蹈小品

舞蹈小品也是作品，只是在规模上、时间上短小一些，便于初学者对作品总体上的把握。既然是作品，要求自然就高一些，要尽可能做好，有了这个基础才可能去做大而复杂的作品。

对小品的要求第一是主题明确。想要表现什么？想对观众说什么？都要在自己作品的选材、结构中要明确地表达出来。有的作品，例如《潇湘水云》、《高山流水》，是诗画结构的作品。而某些地方民族风情性的舞蹈，有时主题虽然不十分明确，观赏者各有不同理解，但是，作为创作者本人却不能含混。立意、内涵要很清楚，不能让观众看了节目的一大半还不明白创作者要表现什么。与音乐艺术相近似，舞蹈也有其抽象的一面。但抽象不是含混，不是不知所云，抽象作品的创作意图是具体的、明确的。

第二是作品的完整性。小品无论大小都应有它独立完整的欣赏价值，不能是残缺不全的。一个艺术作品必须给人以欣赏上的完美感，使欣赏得到满足。这一点无论在结构上和编舞中都要体现出来。

第三是统一性。作品的风格要统一，无论在编舞所用的动作材料方面或处理的艺术手法方面都要求一致，不可兴致所至随便乱用。即使是创作性舞蹈也要有明确的舞蹈分类属性，不能一会儿是这种舞蹈一会儿又出现另一种风格和种类的 动作，那叫做语言混杂。

学习要求：

1、完成学习通发布的课后作业。

2、请同学们结合文本学习，做好学习笔记。

（1）笔记必须是手写笔记。

（2）手写笔记一周上交一次。上传时间是每周六之前。

（3）上传方式：拍照图片上传至学习通。

3、请同学们在讨论群提出自己学习的所思所想，积极相互线上交流。