授 课 课 件
请同学们学习以下课件：
本节讲解植物速写的基本方法：
画速写的过程中尽量少使用不确定的线条，尽量做到画面的线条结实有力度，否则会让画面显得凌乱。绘画的顺序是确定枝干的位置和树叶大致的范围即可，树叶部分用曲折的折线圈出，再用不规则形形表达出散落的树叶，让画面更生动。细节部位根据画面需求自行添加。
思 政 扩 展
文艺复兴三杰之一——达芬奇
达芬奇
趁年轻少壮时去探求知识吧，它将弥补由于年老带来的亏损。智慧乃老年的精神的养料，所以趁年轻时应该努力，这样年老时才不至于空虚。
——达芬奇
列奥纳多·达·芬奇(意大利语:Leonardo da Vinci，儒略历1452年4月15日[公历4月23日]-1519年5月2日) ，意大利文艺复兴时期画家、自然科学家、工程师，与米开朗基罗、拉斐尔并称"文艺复兴后三杰"(又称"美术三杰")。
达·芬奇在少年时已显露艺术天赋，15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，师从韦罗基奥，逐步成长为具有科学素养的画家、雕刻家。同时是军事工程师和建筑师。1482年应聘到米兰公国后，在贵族宫廷中进行创作和研究活动。1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。1516年侨居法国，受法王弗朗索瓦一世礼遇。1519年病逝。
达·芬奇思想深邃，学识渊博，擅长绘画、雕刻、发明、建筑，通晓数学、生物学、物理学、天文学、地质学等学科，是人类历史上少见的全才。现代学者称他为"文艺复兴时期最完美的代表"。其最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。其艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响 。
达芬奇像
1481年创作的《三博士朝圣》是达·芬奇艺术风格达到成熟期的标志性作品。该画虽由于他动身去米兰而没有完成，但从原稿上可看出其构图和形象塑造所显示的艺术创新，大大超越了他的老师和同辈:由圣母婴孩和三位博士所形成的三角形稳定构图，按精确的透视法画的建筑遗迹和奔腾飞跃的马群等背景，说明他已不再从叙事的角度简单地罗列有关人物，而是对传统的题材进行彻底的改造。他所采用的色调幽暗的画法，使人物形象从阴影中突出，突破了传统绘画明晰透露的特点，预示着文艺复兴的到来。
《三博士朝圣》构图稿
达·芬奇和前代画家不同，以前的画家研究解剖学只注重涉及正确描绘人体所需的知识，仅仅注意人眼所能看到的骨胳和肌肉的知识，而达·芬奇却把研究范围扩大到整个人体，深入到内部器官构造。他为了研究明暗问题而研究光学;为了研究运动问题而研究力学;为了改变以前画家不重视绘画背景构图的偏向，他由研究花木进而研究植物学;为了研究地形，他就去研究地质学;为了掌握绘画的色彩调配，他多次到药剂师的实验室观察学习;为了正确把握绘画的比例，他又研究了数学。达·芬奇把绘画艺术和科研密切结合起来，并且终身信守不谕。他真是一个"科学的画家"。他给自己确定了一个奋斗目标，就是要"成为认识自然和模仿(改造)自然的巨匠"。
岩间圣母
此画是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩施洗约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
一般题材的《岩间圣母》都按照教会意愿把圣母画在先知环绕之中，这是圣方救济会赞助者用来提升圣母玛利亚清白信念的一般性宗教构图方式。而达芬奇的创作完全是一幅在佛罗伦萨正悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意:情节的艺术化处理;不寻常的难以捉摸的风景;人物与环境的有机融合;光的巧妙利用;高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意，整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情，祥和而且典雅。
最后的晚餐
《最后的晚餐》是意大利艺术家达·芬奇所创作，以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材。画面中人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖，是所有以此题材创作的作品中最著名的一幅。收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。
《最后的晚餐》宽420厘米，长910厘米 。达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新，在画面的布局上也别具新意。一直以来，画面布局都是耶稣弟子们坐成一排，耶稣独坐一端。达·芬奇却让十二门徒或坐或站于耶稣两边，耶稣孤寂地坐在中间，他的脸被身后明亮的窗户映照，显得庄严肃穆。背景强烈的对比让人们把所有的注意力全部集中于耶稣身上。耶稣旁边那些躁动的弟子们，每个人的面部表情、眼神、动作各不相同。尤其是慌乱的犹大，手肘碰倒了盐瓶，身体后仰，满脸的惊恐与不安。
达·芬奇笔记中《最后的晚餐》习作
温莎皇家图书馆和威尼斯藏有的素描的重心逐渐从整体布局转移到单独人物形象特征上面。温莎皇家图书馆藏有著名的系列头像，大多数用红粉笔画成，有一些已经画得比较完整:犹大、彼得、大雅各、圣菲利普(最后两个形象用的是同一个模特，只不过在图画中被赋予了鲜明的个性特征)。其中有一幅圣约翰双手的习作，画面非常精美;还有一幅习作上画着圣彼得的衣袖。"福斯特笔记本"中还有一些简短的评论，对这些习作进行了补充---某位来自帕尔马的亚历山大为耶稣的手提供原型;"住在比塔的克里斯托法诺·达·卡斯蒂廖内的头部的形状很美"。其中有一处笔记，标题非常简单，就写着"耶稣"两字，达·芬奇在下面写着"摩塔洛红衣主教手下的乔瓦尼.孔蒂"，这个人可能是耶稣的模特。
与整体构图一样，这些带有感情色彩的动作体现了达·芬奇《最后的晚餐》中崭新的理念:他摒弃了从中世纪流传下来的构图传统，即信徒们沿着桌子呆板地坐成一条直线。在《最后的晚餐》中，用餐者的线条被打断了，取得了神奇的效果。呈现在我们眼前的是波浪状的一群人，门徒们被分成四个组，每组三个信徒:聚集成群的这些信徒突然处在了一个紧要关头。达·芬奇也找到了他戏剧性的一刻:不是圣餐仪式，也不是确认犹大的身份，而是众人在听到耶稣宣布消息时极度震惊的反应--"只有在你们面前我才能肯定地说，你们中间有人将要背叛我。"众信徒悲痛万分。因而，画面布局的流畅部分是由基督的这个决定造成的，即讲故事的那一刻出现的，几乎就是电影中的一幕。
达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。这件作品达到了素描表现的正确性和对事物观察的精确性，使人能真切感受到面对现实世界的一角，在构图处理上也取得了巨大成就，人物形象的组合构成了美丽的图案，画面有着一种轻松自然的平衡与和谐。 更为重要的是，他创造性地使圣餐题材的创作向历史源流的文化本义回归，从而赋予了作品以创造的活力和历史的意义。
蒙娜丽莎
1503年，达·芬奇开始创作肖像画《蒙娜丽莎》。他从提高人的地位的观点出发，摆脱了以《圣经》故事为题材的旧传统，直接表现世俗的人物，从而为艺术创作打开了广阔的世俗生活领域。画中人的原型是他的女友、富商佐贡多的妻子。他为作这幅画，先研究她的心理，勾画素描，作数学计算，然后才动笔。据达·芬奇同时代的画家、传记作家瓦萨里说，在绘这幅画时，为了使佐贡多夫人保持欢愉的情态，达·芬奇特地"邀请了弹竖琴和歌唱的人，而且经常雇有小丑供她娱乐，以便用这种方法消除被描肖像画时通常所特有的忧郁"。这幅画着力刻划了一个市民阶级妇女的典型，温柔典雅，充满了对生活的信心和喜悦。达·芬奇用精确的明暗，柔和的笔调，把妇人的脸、脖子和手表现得极其细致而富有质感，特别是敏捷地抓住了她一瞬间的迷人的微笑表情，细腻地表露了人物微妙的心理活动，给观者以丰富的联想。达·芬奇运用熟谙的明暗法和空气透视法等绘画手法，处理人与环境的关系、光影、空间以及体积关系，使整个画面和谐、完整、统一，达到最高的艺术境界。这件绝世杰作在当时就产生了巨大的影响，瓦萨里就曾经赞叹道:"真的，肖像描绘得那样好，以致任何一个卓越的艺术家都感到惊奇和不安。"这幅画实际上也是达·芬奇自己的思想和性格的自我表现，因此，他十分爱惜它，一直珍藏在身边，直至生命终结。
《蒙娜丽莎》的姿势，已经升华为一种神圣的符号，它不仅仅是艺术规律问题，不仅仅是对文艺复兴人文思想粗糙大潮的冲击，而是心灵回归者、觉醒者心中的一个崇高细致理想的显现。《蒙娜丽莎》具有另一种难以说明的象征意义，如佛的坐势、站势、讲道姿势，菩萨的动势，基督的几种象征性姿势:如两手摊开，一手持十字，一手指天，这有某种非世俗的意味，不是做作，而是不得不是如此，是最不自然最自然，最不简单最简单，最轻松最沉甸甸的样式，你无法赞美它，又无法挑剔它，它就是这样，原始的样子，人们只能沉醉其中，而不能有条理地褒贬它。
一切欺骗与神秘都集中在《蒙娜丽莎》身上，而令人们产生一种畏惧。《蒙娜丽莎》是一个精力充沛的形象，在该幅作品面前，不能说她是女人肖像，她穿越一切无所不见、又视而不见的空洞目光，想躲避是办不到的，而想迎接那目光同样也是枉然。奇异的前额，广阔得失去了一个平凡人的味道，弥漫在脸上的那种神奇表情，似笑、非笑使人们无法相信这是一张现实的脸，而它的存在，又无法使人们的怀疑进行得彻底。《蒙娜丽莎》的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。"蒙娜丽莎"不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。 《蒙娜丽莎》的美学意义，主要在于人物形象焕发出的人性的光辉;而在这之前，即使是人的形象，也带有或多或少的宗教气息。
构图
在构图上，达·芬奇为了加强对人物时代特征，打破了打破了传统的构图方式，突破了对女性的刻画到了腹部。其实，中世纪教会认为，腹部以下为情欲，而禁止人物肖像画到腹部以下的荒谬规定。达·芬奇把人物画到腹部以下，是对中世纪观点的公开对抗。该画完全消除了中世纪绘画中的呆木僵硬表情，表现出一股活鲜鲜的生气;其美学价值首先就体现于这种先进的审美理想中。
技法
达·芬奇在《蒙娜丽莎》绘画中，成功地运用了"渐隐法"绘画技法。"蒙娜丽莎"人物形象，与背景界限不太明晰，人物轮廓不那么明确，仿佛融入背景之中。尤其是在该人物形象的眼角和嘴角处，作者是着意使用了"渐隐法"绘画技法，让眼角和嘴角渐渐融入柔和的阴影之中，从而造成了含蓄的艺术效果，极大地丰富了形象的意蕴。
《马》
达芬奇的艺术理论散见于他的6000多页手稿和未完稿的《绘画论》中。全书按内容大致可以被分为美学理论和绘画的基础科学两部分。美学理论部分讨论了绘画的性质，绘画和现实的关系，绘画和其他艺术的异同等问题。而基础部分则阐述透视学、光影学、人体比例和解剖学、人体的动态和表情以及自然现象等知识。
达·芬奇的美学思想，集中在历来被称为《艺术比较篇》的一部分笔记里。将绘画和诗、音乐、雕塑等艺术加以评比，本是文艺复兴时代颇为盛行的一种文艺批评形式，阿尔伯蒂和佛兰切斯卡的画论也都有这样的内容。原来，自古以来，绘画由于和手工生产关系密切，不被认为是一门高尚的艺术，比其他艺术低一等。相反，达·芬奇却证明绘画高于其他艺术。但在我们今天看来，比高下完全不是重要的问题，重要的是通过他把绘画和其他艺术的比较，可以看出他对绘画的见解。
达·芬奇根据"我们的一切知识都来源于知觉"这一个基本观点分析绘画和现实的关系，指出自然是绘画的源泉，绘画是自然的模仿者;又根据古罗马以来，绘画的发展史，指出如果画家取法自然，绘画便昌盛，不取法自然，绘画就衰微，从哲学和历史两方面说明画家必须以自然为师。
达芬奇手稿
课 后 复 习
复习本节植物速写基本方法的内容与案例，并完成作业。
请同学们完成植物专项速写练习：
